Para mí, la fotografía de paisajes es exactamente la fotografía de un paisaje natural. Hay muchas reglas para tomar fotografías de paisajes, muchos tutoriales, tutoriales, pero no puede comenzar a tomar fotografías de un paisaje solo después de estudiarlos. Primero debes dejarte llevar por la fotografía de paisajes, y luego, evaluando, sacando conclusiones, encontrando nuevas técnicas y ajustando los resultados, puedes remitirte a la experiencia de compañeros paisajistas, y no solo fotógrafos, sino también artistas. El artista crea una composición ideal, dedicando mucho tiempo, la tarea del fotógrafo es no perderla en un tiempo relativamente corto, ya que, dejándose llevar por la creación de nuevos marcos, es muy fácil perder el sentido de la fotografía. Cual es el significado. En mi opinion el significado fotografía de paisaje transmitir lo que hizo que el fotógrafo se concentrara en este tema en particular: la belleza, la armonía, que deben preservarse incluso al introducir una escritura creativa en la fotografía.

Cerca del pueblo de Popovka. Región de Saratov. El posprocesamiento del color de la fotografía la hace similar en estilo a las obras del artista I.I. La composición y los tonos de color de la fotografía ayudan a lograr esta estilización. Sony A300, 10 mm, F8, 1/200 segundos. Filtro de degradado. Trípode.

Y esta letra puede ser completamente diferente. Recuerda las obras del gran Shishkin y Aivazovsky. Estos son artistas completamente diferentes, con caligrafía diferente y completamente diferente. Sin embargo, tanto Shishkin, con su belleza de la naturaleza casi documentada, como Aivazovsky, con sus fantásticas olas de ámbar y esmeralda del Mar Negro, pudieron dar el mayor significado a sus creaciones, que ahora pueden influir en el estado de ánimo del espectador y provocar diversas emociones. Un verdadero paisajista ni siquiera necesita conocer las leyes de la composición y el concepto de proporción áurea. Todo esto, incluso sin conocimiento, se refleja en sus pinturas. Así que yo, cuando ya estaba fotografiando un paisaje con fuerza y \u200b\u200bfuerza, ni siquiera conocía estos conceptos, pero estas leyes estaban incrustadas en mis fotografías. La naturaleza debe sentirse, y ningún paisajista lo refutará, ya que dudo mucho que alguien haya comenzado a practicar solo después de estudiar teoría. Y no hace tanto tiempo, cuando la gente todavía tenía Internet y tutoriales en video, muchos simplemente no podían conocer estas reglas, pero las aplicaban. Y sobre ellos después ...

Ahora me gustaría comenzar con las primeras preguntas. A saber, de qué tipo. No debería haber preguntas sobre las cámaras: casi cualquier cámara es adecuada para un paisaje. Para los amantes de la fotografía de paisajes, es deseable que la sensibilidad de la matriz de la cámara parta de unas cien unidades, que en este género casi nunca cambian, ya que la más alta requerimientos técnicos - mínimo ruido, máximo detalle. En general, no debería colgarse de la cámara. Mis paisajes fueron filmados con Sony Alpha 450 y alpha 300.

Se debe prestar un poco más de atención a la elección de la lente, y no tanto a sus propiedades técnicas y apertura, sino a la distancia focal. Todos eligen las propiedades técnicas de acuerdo con sus objetivos, ya sea que tome fotografías para su colección, imprima calendarios y tal vez pancartas de un metro de largo, o haga demostraciones de trabajo en Internet con una resolución de 1,5 megapíxeles. Hay varios puntos de vista y distancias focales relativas en la fotografía de paisajes. Alguien afirma que 35 mm sería ideal (24 mm para APS - C ), algunos piensan que es de 24 mm (16 mm), mientras que a otros les gusta disparar en ángulos aún más amplios, como 14-18 mm (10-12 mm). En este caso, queremos decir que la distancia focal no es equivalente, sino para obtener aproximadamente el mismo ángulo de visión. Por lo tanto, si necesitamos un ángulo de visión en fotograma completo y recorte, debemos tomar una lente de 24 mm para fotograma completo y 16 mm para recorte (APS - C).

La disputa sobre la distancia focal de un paisaje es igual a la disputa sobre la elección de un fabricante de cámaras. El significado es el que más te guste. Existe tal punto de vista que cuando admiramos el paisaje, y tenemos ganas de fotografiarlo, algún detalle es el responsable de ello, inscrito en el paisaje, y no toda la composición. Así, si queremos transmitir lo que hemos visto, necesitamos terminar el encuadre solo con este detalle, construyendo una composición sobre él. Quizás, pero no siempre. Los partidarios de esta teoría están cerca de las distancias focales de cincuenta kopeks y una lente de 35 mm.

El acantilado de Stepan Razin. A la izquierda hay una fotografía tomada con una lente gran angular de 10 mm, a la derecha, un teleobjetivo de 75 mm. En este caso, es más rentable mostrar la roca con un teleobjetivo.

Existe otra teoría, lo contrario: la composición del paisaje debe incluir la imagen más amplia. Sí, al instante podemos mirar solo puntualmente (en general, esta afirmación es cierta solo para los hombres, que no lo saben, la visión femenina tiene un carácter diferente), pero la velocidad de percepción es enorme, y en momentos podemos examinar la imagen completa, y no uno de sus detalles. Personalmente, soy partidario de esta última teoría, y los lentes gran angular están más cerca de mí en la fotografía de paisajes.

Popovka. El gran angular (recorte de 10 mm) le permite transmitir el espacio y el volumen del paisaje natural.

Estas teorías son opuestas, pero no mutuamente excluyentes. Todo depende de nuestro gusto y del significado que queramos darle a la fotografía. Un ángulo amplio puede transmitir espacio, uno angosto. Quizás todo radique en la psicología de la percepción y las necesidades. Pero, en cualquier caso, al disparar, por ejemplo, montañas, intentamos transmitir su escala y grandeza en lugar de espacio, y para esto es más razonable usar una lente de enfoque largo, y el ángulo de ancho se puede preservar por completo creando un panorama horizontal a partir de varios cuadros. Si dispara montañas desde la llanura, es decir, no directamente en las montañas, sino donde las montañas forman un fondo, en un ángulo amplio, entonces su tamaño será insignificante, en relación con el marco en su conjunto. Disparando directamente en las montañas, también puede usar ángulos amplios para mostrar los enormes espacios entre los picos.

El acantilado de Stepan Razin. Montaña Datura. Al disparar la montaña en un gran ángulo (20 mm), podemos perder fácilmente su tamaño contra el amplio fondo de los alrededores.

El acantilado de Stepan Razin. Montaña Datura. El teleobjetivo (75 mm) ayudará a transmitir la escala, es decir, la altura de la montaña. Panorama de cuatro fotogramas verticales.

Al disparar estepas, campos, prados, por el contrario, es mejor disparar espacios amplios y de transporte. Un teleobjetivo hará que el plano sea plano, no solo acercará cualquier objeto, sino que también reducirá el espacio. En ancho, el marco puede capturar la menor cantidad de espacio, y en profundidad todo lo que está justo hasta el horizonte, y decenas de kilómetros de espacio real se comprimirán en la foto en capas sin aire, y lo más probable es que el primer plano se pierda por completo..

Popovka. Es probable que una toma de paisaje con un teleobjetivo sea muy plana, muchas capas en el horizonte estarán muy comprimidas y formarán rayas. La distancia horizontal en el pueblo será de solo unos pocos cientos de metros y la distancia al horizonte será de decenas de kilómetros.

La composición depende solo de la visión del autor, y en cada caso puede ser completa. No pienses en patrones.

Las líneas en el marco juegan un papel importante. Con su ayuda, se transfiere el espacio. Las líneas en una fotografía pueden ser carreteras, líneas eléctricas, plantaciones forestales, bordes de barrancos o laderas. La mirada se aferra a las líneas y con ellas se dirige hacia los centros de significado o hacia el espacio. Entonces, si hay una carretera que conduce a la distancia en el cuadro, la mirada ciertamente la seguirá, y cuanto más vientos la carretera, más interesante será la trama.

Volsk. Osinovka. Es muy fácil encontrar el centro de atención en la foto. La mirada se deslizará inmediatamente a lo largo del camino hacia la distancia. La línea de nubes y las líneas de postes eléctricos llegarán al mismo lugar. El camino aquí tiene muchas líneas: surcos, huellas, pasto al costado del camino y todas las líneas gravitan hacia el centro. La influencia de las líneas se ve reforzada por un amplio ángulo de disparo (10 mm).

E imagina que la carretera pasa horizontalmente por el marco, qué pasará en este caso. Pero nada, con solo mirar la imagen, la conciencia comienza a seguir el camino, y al instante va más allá del marco. Por tanto, los paisajistas, a nivel de instinto, representan un camino que se adentra en la distancia y no lleva la mirada más allá del borde del marco. Cuantas más líneas sigan en una dirección, mejor se verá el ritmo. La composición no solo debe capturar el ojo, sino también sostenerlo. Es mejor colocar formas geométricas completas en el marco para esto.

Popovka. La presa parece una figura geométrica completa, lo que ayudará a mantener la mirada dentro de su marco.

Ahora sobre la proporción áurea. Durante mucho tiempo yo mismo no escuché sobre este concepto, ya que no estudié en una escuela de arte, no leí manuales para pintores paisajistas y tampoco vi lecciones en video. Sin embargo, siempre he entendido que en un paisaje tradicional, el cielo debería ser 2/3 de la imagen y la tierra debería ser 1/3. Esto crea una sensación de libertad, pero si dejas 1/3 hacia el cielo, inmediatamente comenzará a presionar la composición. La gente de la televisión incluso tiene una aplicación para esta ciencia: los canales de televisión occidentales emiten informes en Rusia, utilizando activamente la regla de los tercios: la proporción áurea. Dejando 1/3 hacia el cielo, crean presión en el subconsciente, incluyendo suciedad, escombros, perros, etc. en el marco. Y si, además, disparas desde la altura de tu cintura, puedes crear tal sensación de alienación que de inmediato quieras huir de aquí. No me crea, encienda su canal y espere el informe. Aunque si el cielo ocupa 1/3 de la imagen, el tercio inferior estará ocupado por la tierra y el bosque central o las montañas, la composición resultará bastante normal. Aprenda a influir en el espectador.

Un verdadero paisajista ve la composición. También agrega peso a la pintura, por lo que es importante mantener la composición en equilibrio. Digamos que estamos filmando un campo y un árbol parado solo en él. Cómo construiremos la composición. El cielo, por supuesto, ocupará 2/3 del espacio. El campo es el tercio inferior, mientras que si hay cerros o montañas o un bosque en la distancia, los enviaremos al territorio del cielo. ¿Dónde colocaremos el árbol? Probemos en el centro y el tiro será demasiado pesado. Y si lo colocas un tercio hacia la derecha o hacia la izquierda, la composición adquirirá equilibrio, la mueves un poco más cerca del borde y la composición comienza a gravitar hacia un lado, enseguida hay una sensación como si el horizonte estuviera obstruido. Si al mismo tiempo sopla un viento fuerte de la izquierda y dobla las ramas hacia la derecha, entonces podemos colocar el árbol solo un tercio a la izquierda, de modo que haya espacio en el marco para el movimiento, en este caso el viento. O si el tronco del árbol está inclinado hacia la izquierda, entonces es más correcto colocar el árbol un tercio hacia la derecha. La pendiente de los troncos de los árboles en la foto simboliza la dinámica, ya que dibujamos mentalmente el movimiento en el marco.

Consideremos un ejemplo de una composición simple:

Bajamos el suelo un tercio y la imagen se vuelve más "cómoda" para nosotros. Sin embargo, la percepción aún pesa sobre el árbol, que se ha asentado en el centro.

Moviendo el árbol hacia el tercio izquierdo, obtenemos una imagen que solo quiere caer hacia la izquierda. No puede haber una visualización cómoda.

Al colocar el árbol en el tercio derecho, obtenemos un bloqueo a la derecha, que parece aún mayor por la flexión del tronco.

Colocar un árbol entre el centro y el tercio izquierdo da una composición casi perfecta, pero veamos cómo se verá el árbol a la derecha del centro:

Y en este caso, la composición parece aún más armoniosa. Hay espacio a la izquierda: aire. Estamos acostumbrados a leer de izquierda a derecha, también leemos la imagen. Por lo tanto, en movimiento llegamos al centro de atención: el árbol. En condiciones normales, un tronco doblado hacia la derecha podría jugar en contra de esta composición, pero en nuestro caso todo el árbol tiene la forma del número "9", y la posición de la copa compensa el bloqueo del tronco.

Hay reglas para construir una composición, pero no es necesario que las memorice. Solo es importante saber que una buena composición es aquella en la que la visualización de la imagen se vuelve cómoda y mantiene la mirada del espectador dentro de la fotografía.

Ahora el aspecto técnico del problema. Como mencioné, el uso más común para la fotografía de paisajes es una lente gran angular: sigma de 10-20 mm. El valor de apertura óptimo para la fotografía de paisajes es F 8. Un valor más alto disminuye la resolución de la lente, un valor más bajo pierde nitidez en los bordes. Para casi todos los sistemas F 8 es óptimo.

Un trípode es a menudo un atributo de la fotografía de paisajes, para evitar temblores, especialmente notables a altas resoluciones. En tiempo nublado, cuando necesite aumentar significativamente la velocidad del obturador, el trípode se volverá herramienta necesaria... Y ciertamente no puede prescindir de él si necesita tomar varias fotografías del mismo lugar con diferentes exposiciones para crear imágenes HDR.

Los filtros de luz son herramientas auxiliares en la fotografía de paisajes. La mayoría de las veces se trata de filtros polarizadores, de gradiente y ND. Cuándo y para qué se utilizan.

Tiene sentido utilizar un filtro polarizador en la fotografía de paisajes en un clima soleado. La esencia de su trabajo es eliminar los reflejos de las superficies no metálicas, del follaje, que lo hace más saturado y brillante, de la superficie del agua, haciéndola completamente transparente, y otras superficies. Cuando se usa un polar, el cielo también se satura más, se oscurece, lo que permite identificar claramente la línea de nubes, que al mismo tiempo se vuelven más claras y adquieren volumen. Muchos autores insisten en que el momento adecuado para usar un filtro polarizador es la mañana posterior al amanecer y la tarde anterior al atardecer, cuando el Sol está bajo sobre el horizonte, y usarlo al mediodía es perjudicial para la imagen, ya que el oscurecimiento del cielo es desigual. Aquí de nuevo, no estoy del todo de acuerdo. A menudo uso un polaric durante el día, pero no cuando el cielo está despejado, sino cuando aparecen nubes cúmulos. Le permiten dividir el cielo azul en partes, lo que hace que la polarización desigual sea casi imperceptible. Al mismo tiempo, los colores se vuelven brillantes y saturados, lo que ayuda a que el paisaje sea extraordinario.

Toma de fotografías sin filtro polarizador (izquierda) y con filtro (derecha). La diferencia es inmediatamente visible, el polar agrega saturación a la foto. El cielo azul se oscurece, lo que le da profundidad dibujando nubes. La encuesta se llevó a cabo durante medio o tres días, en un ángulo de 45 grados con el Sol; en esta posición, el filtro de rodillo funciona al máximo.

Pero en las horas de la tarde y la mañana no siento la necesidad de un polar, ya que aquí es importante transmitir los hermosos colores naturales del amanecer y el atardecer, y la fuerza de la polarización en tal luz es muy dudosa.

Un filtro polarizador es lo primero que compro después de comprar una lente horizontal. Lo considero una herramienta indispensable para un fotógrafo de paisajes.

Los filtros de gradiente se utilizan en otras condiciones. Los degradados son diferentes, de acuerdo con la densidad de la iluminación de la parte oscura, de acuerdo con la nitidez de la transición de la parte clara a la oscura, en forma. La mayoría de las veces, utilizo un degradado en tiempo nublado para atenuar un cielo demasiado brillante y preservar sus detalles, salvarlos de la sobreexposición y fuera de rango. La desventaja es que el gradiente no puede seguir la forma del paisaje y el sombreado es lineal, es decir, árboles, montañas, etc. pueden caer en su área. O tienes que sacrificar parte del cielo sobre el horizonte.

Los filtros ND se utilizan para tomar exposiciones más largas en igualdad de condiciones, sin cerrar la apertura ni esperar las horas más oscuras del día. DAKOTA DEL NORTE el filtro reduce la cantidad de luz que pasa a través de la lente. Estos filtros también son diferentes, con diferentes grados de resistencia y diseño. Un filtro con fuerza variable será muy conveniente para un pintor de paisajes. Estos filtros se utilizan principalmente para experimentos con agua: cascadas, surf. En este caso, las corrientes que se mueven a lo largo del tiempo se parecen más a corrientes de niebla que a corrientes de agua.

La fotografía de paisajes abarca una variedad de géneros. Incluye, pero no se limita a, fotografía de paisajes, fotografía meteorológica, astrofotografía, fotografía de aves y fotografía de vida silvestre. Cada una de estas categorías implica la posesión de las habilidades especiales correspondientes y se puede ampliar.

Si recién está comenzando su búsqueda como fotógrafo de paisajes, aquí hay algunas cosas a considerar:

1) ¿Qué quieres fotografiar?

Debido a que la fotografía de la naturaleza es tan amplia, puedes dedicar mucho tiempo a cada subgénero. Por lo tanto, debes hacerte una pregunta importante: ¿qué quieres fotografiar? ¿Quieres tomar fotografías en primer plano de plantas e insectos? ¿Te encanta el mundo natural en macro o te fascinan más las magníficas cadenas montañosas y lagos?

Puede que le interesen más las aves y los animales más grandes que los atardeceres y los amaneceres. Comprender lo que te gusta y lo que quieres fotografiar es un gran primer paso.

2) ¿Qué equipo necesitas?

Cuando sabe lo que quiere fotografiar, sabe qué tipo de equipo necesita. Si está fotografiando paisajes, los lentes gran angular serán útiles, y los lentes de zoom o telefoto servirán para la vida silvestre y las aves.

Un trípode es ideal para paisajes y astrofotografía, pero si está tratando de fotografiar un pájaro en vuelo o un animal en movimiento, saber cómo usar su cámara será su activo más valioso.

3) Ubicación y planificación

La ubicación y la hora del día, así como la época del año, dependen de lo que desee fotografiar. Inspeccione previamente el lugar de disparo para ver la dirección de la luz, cualquier problema de seguridad potencial o características del terreno. Luego regrese en el momento del día más apropiado para la sesión de fotos.

Si está fotografiando flores, preste atención a la época del año en que florecen. Para fotografiar aves, debe comprender un poco sobre su hábitat y la hora del día en que están activas. Si desea fotografiar animales salvajes más peligrosos, es mejor ir con alguien con experiencia.

El parque nacional es un gran lugar para el paisaje y la vida silvestre. Tenga en cuenta que es posible que deba solicitar permisos especiales para fotografía en algunos parques y que en algunas áreas también tienen restricciones de temporada o de tiempo. Esto es importante para su planificación si se imponen limitaciones de tiempo.

4) luz de lectura

Al igual que con el consejo anterior, la dirección de la luz se puede determinar visitando su ubicación con anticipación. También puede hacer una investigación en línea en el área o transcribirlo de otras fotografías tomadas en el área.

Si está fotografiando paisajes, venga aproximadamente una hora antes del amanecer / atardecer y prepárese para disparar. De esa manera, puede concentrarse en su composición e incluso hacer algunas tomas de prueba. Juega con balance de blancos, exposiciones y diferentes ángulos de cámara.

Si está esperando que aparezca la vida silvestre, use este tiempo para ajustar la configuración de la cámara. Cuando aparezca el animal, debes estar preparado para tomar fotos constantemente, tratando de capturar el momento perfecto.

Disparar objetos o colores más cercanos te da más tiempo para experimentar, pero trata de evitar que la luz sea plana. Lleva contigo un reflector o trata de buscar rincones que te den sombra, forma y volumen.

Conclusión

La fotografía de la naturaleza no solo es expansiva, sino que también está llena de subgéneros y temas interesantes para disparar. Para los principiantes, en la mayoría de los casos, es mejor hacer una investigación preliminar antes de disparar. Cuanto más aprenda sobre su sujeto y la mejor manera de fotografiarlo, mejor lo hará.

Cuando se trata de vida silvestre, la paciencia es una gran ayuda aquí, ya que tomará más tiempo observar. Si amas la naturaleza, esta es una excelente manera de explorar y preservar esos momentos fugaces. Decide lo que quieres fotografiar. Lleva el equipo que necesitas. Explore, planifique e intente capturar la mejor luz. Y sobre todo, ¡diviértete!

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La fotografía de paisajes se puede dividir en varios componentes, los principales de los cuales son la fotografía de paisajes y el paisaje urbano. La primera parte de nuestro tutorial se centrará en la fotografía de paisajes.

La fotografía de paisajes es una de las áreas más difíciles y problemáticas de la fotografía. Diré que para mí, que soy un fotógrafo experimentado, la fotografía de paisajes todavía causa dificultades. No es tan difícil desde un punto de vista técnico, solo tenga un trípode, una lente gran angular y preste más atención a la exposición. Entonces, ¿qué hace que este tipo de fotografía sea tan desafiante?

En primer lugar, debe ser creativo al fotografiar un paisaje para poder capturar el estado de ánimo y transmitirlo al espectador. Si se puede describir el aspecto técnico del problema, entonces solo se puede recomendar el componente creativo de la fotografía: es necesario desarrollar su visión de imágenes verdaderamente únicas.

Equipo

Empecemos por lo más simple. ¿Qué lente elegir? Si bien se pueden obtener excelentes fotografías con cualquier lente, es preferible utilizar lentes de gran angular. Te permiten capturar el espacio de un paisaje, enfatizando la perspectiva, lo que agrega profundidad a la imagen. Si está utilizando una cámara DSLR con un sensor APS-C, preste atención al gran angular con AF de 10-20 mm; para las cámaras de fotograma completo, hay una selección de lentes con 12-24 mm, 16-35 mm, 17-40 mm FR. La lente de zoom es fácil de usar, pero la mejor calidad la proporcionan las lentes de distancia focal fija. En el rango de EGF 12-24, se proporciona un ángulo de visión amplio, mientras que 16-35 y 17-40 proporcionan un ángulo de visión mucho más pequeño, pero proporcionan menos distorsión óptica, especialmente en las esquinas de la imagen. El uso de lentes ultra gran angular y un lente ojo de pez hará que las imágenes sean más expresivas y originales. Pero no será interesante disparar todos los fotogramas solo con "pescado", por lo que es bueno como una adición a la lente principal.

Al fotografiar paisajes, casi siempre se utilizan aperturas pequeñas para obtener una gran profundidad de campo: generalmente f / 11 - f / 16. Se recomienda evitar aperturas muy pequeñas como f / 32, ya que esto degradará la calidad de la imagen debido a la difracción (un efecto que reduce la nitidez y el contraste de la imagen).

Al fotografiar paisajes, solo se debe utilizar el enfoque manual, especialmente al fotografiar sujetos en primer plano cerca de la cámara.

La sensibilidad ISO debe ajustarse al mínimo que permita la cámara, normalmente ISO 100-200. No se recomienda utilizar la extensión ISO 50, que está disponible como una opción en algunas cámaras, debido al rango dinámico reducido. Al disparar a ISO 100, la imagen estará prácticamente libre de ruido, con un amplio rango dinámico y una excelente calidad de imagen, que se puede agudizar durante el procesamiento sin temor a ruidos fuertes. Velocidad de obturación: como puede imaginar, la combinación de una apertura pequeña y valores ISO bajos dará una velocidad de obturación larga. Dependiendo de las condiciones de luz, la velocidad del obturador puede variar desde una fracción de segundo (1/250 o 1/500) hasta varios segundos o incluso minutos.

Si está realmente interesado en la fotografía de paisajes, debe comprender la necesidad de utilizar un trípode. Un trípode es un elemento clave para realizar tomas nítidas y detalladas, especialmente en exposiciones prolongadas. Además, el trípode le permite elegir cuidadosamente y pensar en la composición. Usando un trípode, es posible usar una técnica especial que le permite tomar fotografías impresionantes: al amanecer o al atardecer, tome un par de tomas de la misma escena, la primera exposición al cielo, la segunda al primer plano, luego combínelas, obtendrá una toma original con el rango dinámico más amplio. Al disparar en la computadora de mano, será imposible disparar dos disparos absolutamente idénticos.

Se recomienda utilizar filtros - polarizadores y para fotografía de paisajes. Los filtros UV y de seguridad son inútiles, ya que pueden reducir la calidad de la imagen, reducir la nitidez y aumentar la probabilidad de deslumbramiento. Al elegir los filtros, es importante tener en cuenta que su uso en lentes de gran angular (18 mm o menos) puede provocar el efecto indeseable de iluminación desigual del marco y viñeteado.

Preparándose para disparar

En muchos sentidos, el éxito de su fotografía depende de qué tan bien se prepare para ella. Debe pensar detenidamente sobre lo que podría interferir con la filmación o hacer que regrese. Cuantos más matices posibles considere, es más probable que se concentre por completo en disparar. Resuelva problemas organizativos: cómo llegará al lugar del rodaje, dónde se detendrá. Si no planea pasar la noche, debe considerar la opción de pasar la noche; es posible que no calcule el tiempo, las circunstancias pueden cambiar.

Vístase de manera que su ropa y zapatos sean cómodos. Lleva contigo un paraguas o una chaqueta con capucha. Considere proteger su vehículo en caso de fuertes lluvias. Debe tener una linterna a mano. Sin embargo, intenta salir del bosque o montaña antes de que oscurezca, ya que pasar la noche allí no es lo mejor. la mejor manera... Consigue un mapa de la zona, déjate guiar por él y por objetos que no se puedan confundir. Es una buena idea tener una brújula a su disposición.

No olvide llevar comida y agua. Es mejor no ir solo a lugares lejanos y desolados. Asegúrese de que su teléfono móvil tenga dinero en su cuenta y que la batería esté completamente cargada. Si vas en auto, revisa el "repuesto", llena el tanque con gasolina, no lo dejes en un auto defectuoso. Dígale a sus amigos, parientes exactamente a dónde va (va) y a la hora de orientación cuando regresará.

Compruebe la configuración de la cámara, la carga de la batería y el espacio en la tarjeta de memoria antes de disparar. Es óptimo disparar en RAW configurando el ajuste del balance de blancos en automático, luego seleccionará el balance deseado en el convertidor. Con diferentes ajustes de balance de blancos, puede proporcionar una reproducción de color más atractiva.

Brillar

La luz es un elemento esencial en la fotografía de paisajes. La luz correcta puede transformar incluso un sujeto indescriptible, mientras que la luz incorrecta puede arruinar incluso la mejor escena. Curiosamente, muchos aspirantes a fotógrafos creen que un día claro y soleado y un cielo despejado son excelentes condiciones para disparar, pero este no es el caso, estas son las peores condiciones que puede imaginar para fotografiar paisajes. La mejor luz no es la luz brillante del mediodía, sino la luz suave del amanecer o el atardecer. Las sombras son nítidas, los colores son cálidos, ricos y agradables a la vista. Los fotógrafos experimentados llaman a este momento.

Es necesario madrugar y acostarse más tarde para captar el paisaje con esta luz, pero el resultado merece la pena. A veces, se pueden tomar fotografías fantásticas incluso antes de que salga el sol; es muy posible tomar fotografías hermosas de paisajes incluso de noche. Cuando sea posible, capture la luna en el marco, lo hará más interesante.

Si no tiene la capacidad o el deseo de esperar el atardecer o el amanecer, disparar al mediodía es otra estrategia para obtener una mejor iluminación. Si el cielo está despejado, intente excluirlo del encuadre tanto como sea posible y, a la inversa, si las nubes forman un patrón intrincado, asegúrese de que el cielo forme parte de la composición. En este caso, un filtro polarizador ayudará a enfatizar el contraste entre las nubes y el cielo y hará que los colores sean más saturados.

Otra forma de obtener una gran foto es en blanco y negro. Incluso con poca luz, una foto se puede capturar perfectamente convirtiéndola a blanco y negro, pero no todas las tomas se beneficiarán de la "decoloración". En el modo blanco y negro, las tomas ricas en texturas, bordes y otros elementos de contraste se benefician claramente, mientras que otras pueden parecer "planas". En cualquier caso, no dude en experimentar con el contraste durante el posprocesamiento en un editor de gráficos (¡no en la cámara!).

Disparar al mediodía, al atardecer o al amanecer no es el único momento en que un fotógrafo puede obtener una buena toma. Incluso cuando el cielo está nublado o bajo una lluvia torrencial, puede obtener una gran toma. Las nubes y los cielos tormentosos agregarán el estado de ánimo apropiado a la fotografía y le permitirán dar a los paisajes un aspecto inusual.

Estado animico

Los mismos lugares pueden verse muy diferentes. El clima, la hora del día y muchos otros factores afectan el medio ambiente; nunca es lo mismo.

Las dos imágenes muestran la misma cascada. La primera foto fue tomada en verano, en un día soleado: la cascada es casi invisible y la luz no es muy agradable. En resumen, esta es una foto típica tomada por un turista típico. La segunda foto fue tomada en un día en que nadie hubiera pensado en visitar esta cascada. Un frío día de otoño, la niebla y el clima lluvioso que intensificaron la cascada llenaron la imagen de humor: es fascinante.

No tenga miedo de disparar bajo la lluvia o la nieve: los lentes y las cámaras profesionales son resistentes al polvo y la humedad (puede averiguarlo en la descripción de su equipo fotográfico), e incluso si no, puede obtener una protección contra la humedad del 100% comprando una carcasa especial de plástico o polietileno.

Utilice un filtro de degradado para reducir el brillo del cielo nublado e incoloro y la apariencia de la textura de las nubes. Esto agregará una dimensión adicional a su toma. Cuando enciendes los fragmentos de cielo azul en la ruptura de las nubes, el efecto del filtro de gradiente sobre ellos será equivalente a la acción del filtro polarizador.

Estaciones

Cada temporada le da al fotógrafo sus propios dones, así que no posponga fotografiar el paisaje solo para sus vacaciones de verano.

DISPARO EN OTOÑO, CON CLIMA PASTEL
Al fotografiar lluvia, es necesario abrir fuertemente el objetivo para disparar con exposición prolongada... En este caso, las gotas de lluvia aparecerán como rayas, que darán la impresión de clima lluvioso en la imagen. Solo debe tener cuidado de que no caigan gotas de lluvia en la lente. Las gotas darán como resultado imágenes borrosas.

Puede fotografiar paisajes espectaculares en tiempo de niebla. La impresión de niebla se puede mejorar colocando una malla de seda poco común delante de la lente. Para transmitir la profundidad del espacio, se debe colocar algún objeto oscuro en primer plano en el marco.

PAISAJE INVIERNO
En días brillantes y soleados, el contraste del paisaje es muy alto, debido a la combinación de reflejos deslumbrantes en la nieve y, digamos, árboles oscuros, especialmente coníferas.

Es mejor fotografiar un paisaje invernal por la mañana o por la noche, cuando los rayos oblicuos del sol crean sombras alargadas; esto anima la composición y enfatiza bien la textura de la nieve.

La nieve en la foto de invierno debe estar bien definida. Por lo tanto, al fotografiar un paisaje en el que la nieve ocupa la mayor parte del encuadre, la exposición se determina midiendo el brillo de la nieve. Si la nieve y los objetos oscuros en el sujeto tienen la misma calidad visual, la exposición está determinada por su brillo promedio, pero teniendo en cuenta más detalles en la nieve en comparación con los objetos oscuros.

Composición

1. Regla de los tercios

La buena composición es una parte esencial de la fotografía de paisajes, pero también es la tarea más difícil. Hay algunas "reglas" que le ayudarán a mejorar su composición, pero debe desarrollar constantemente su ojo "creativo" para obtener tomas decentes.

El error más común de los aspirantes a fotógrafos es colocar la línea del horizonte en el centro del encuadre, lo que da como resultado una imagen estática y desequilibrada. El primer paso para mejorar su composición es fotografiar el paisaje de acuerdo con la regla de los tercios. Ya lo hemos considerado en nuestros tutoriales anteriores sobre composición, pero no será superfluo recordarlo. Es muy simple: divida mentalmente el marco en tres partes horizontalmente. Y dispara en 1/3 del primer plano, 2/3 del cielo o viceversa: 2/3 del primer plano y 1/3 del cielo. En otras palabras, crea una composición asimétrica.

Naturalmente, la regla de los tercios no será una panacea para todas las fotografías, pero debes recordarla.

2. Primer plano y perspectiva

Una de las formas más efectivas de crear una composición fuerte es utilizar un campo de visión amplio y colocar un objeto (flor, piedra, etc.) en primer plano. Este objeto, combinado con la perspectiva mejorada por la lente gran angular, dará una sensación de profundidad.

La profundidad de campo debe contener todos los objetos. Por lo tanto, se recomienda configurar los valores de apertura f / 11 of / 16.

3. Otros elementos de la composición

Hay muchos elementos en la naturaleza que ayudan a crear una composición expresiva; las diagonales son las más influyentes de ellas. Utilice líneas diagonales para llamar la atención del espectador sobre el tema. Si miras más de cerca, verás que todo a tu alrededor está subordinado a algunas guías. Busque pautas e intente encajarlas en la composición.

Los patrones (formas repetidas) y las texturas son otros elementos de la composición. No es fácil ver patrones naturales en la naturaleza, pero varias texturas son comunes: pequeñas partículas de arena, corteza de árbol, piedras y muchos objetos más interesantes ayudarán a que la imagen sea más interesante.

Lo principal en el marco.

Determine qué será lo principal en el marco. Puede ser un árbol solitario, roca, montaña, bosque pintoresco, pendiente, camino. Utilizando la cuadrícula de composición en la pantalla LCD (en el visor), divida el marco en tercios y coloque el sujeto principal en la intersección de las líneas de cuadrícula vertical y horizontal.

Intente asegurarse de que haya tres tomas en la imagen: primer plano, medio y lejano; esto hará que el paisaje se vea más voluminoso y el espacio se transmitirá mejor. El primer plano debe dibujarse con claridad, en detalle, el fondo puede estar borroso, oculto por la bruma atmosférica.

Trate de no dejar el paisaje "vacío". Es mejor llenar el espacio vacío siempre que sea posible. En el cielo, este relleno pueden ser nubes. En primer plano hay arbustos, hierba alta, piedras, hojas, ramas, animales.

No intente poner todo lo que ve en un cuadro a la vez, deshacerse del espacio aleatorio y monótono que llena inexpresivamente la mayor parte del cuadro: agua, cielo, follaje. Deja solo lo más importante, bello e interesante. Busque espacios abiertos en el bosque.

Un follaje demasiado denso, las ramas crean abigarramiento, pequeñas luces y sombras muy gruesas que parecen "saltos negros" en la fotografía; estas imágenes se ven peor que una composición cuidadosamente pensada.

Si no puede encontrar el relleno, recorte la imagen para resaltar la parte más interesante del paisaje. Puede caminar un poco y tomar diferentes fotografías, rectas o en ángulo, desde el punto inferior. Suba una colina, un tobogán, cualquier estructura; desde allí puede tomar una foto panorámica espacial multidimensional.
Al elegir una parcela, busque elemento principal el paisaje que se acentuará y la forma en que el entorno lo acentuará y complementará. Al componer la toma, asegúrese de que el sujeto encaje armoniosamente con el sujeto. Por ejemplo, el árbol no debe crecer desde la parte inferior del marco; deje algo de espacio en la parte inferior; no corte la montaña de la cima, deje algo de "aire".

Al fotografiar un paisaje, preste siempre atención a los fragmentos, porque no es en absoluto necesario disparar solo tomas generales. Una mirada de cerca puede resaltar partes interesantes del paisaje, detalles hermosos y expresivos. Pero no se deje llevar por un zoom fuerte: aquí debe preservar la integridad del fragmento, de lo contrario, terminará con una pieza abstracta arrancada del plan general y desprovista de significado.

Panorama

Por último, practica la toma de panorámicas. Aquí se deben seguir varias reglas. Todas las tomas futuras de su panorama deben tener la misma escala del sujeto, así que no enfoque más cerca o más lejos. El valor de apertura debe mantenerse constante. Los marcos deben hacerse con algo de superposición. De lo contrario, debido a la falta de información en los bordes de los fotogramas, el programa de costura panorámica no podrá recopilar la imagen final.

Puede utilizar la función de horquillado de su cámara para evitar errores de exposición.

Disparar agua

Si es necesario fotografiar agua cubierta con ondas o una pequeña ola, entonces se elimina con iluminación del lado opuesto en un ángulo de 35-45 ° con respecto al eje óptico de la lente.

El agua contra la luz se fotografía cuando los rayos del sol, ocultos por una nube, golpean el agua, creando rayas expresivas y brillantes. Pero se debe tener cuidado de mantener el sol fuera del campo de visión de la lente.

Es mejor disparar al mar desde un punto alto. Entonces, el espacio del agua ocupa una parte significativa del marco, la foto es más expresiva.

El surf se suele fotografiar desde un punto bajo con una velocidad de obturación de al menos 1/1000 s.

Es mejor fotografiar agua corriente con una velocidad de obturación corta. En este caso, hay un ligero desenfoque de la imagen, lo que crea la impresión de movimiento del agua.

Paisaje de montaña

En las montañas, es mejor disparar temprano en la mañana. Durante estas horas, el aire se transmite con mayor eficacia. El clima nublado también contribuye a imágenes más expresivas.

En días soleados, el sujeto debe elegirse con un primer plano oscuro, cuyo brillo determina la exposición. En este caso, la distancia estará algo sobreexpuesta y aparecerá en la impresión más clara que el primer plano, lo que enfatizará la profundidad del espacio, llenará el paisaje de sensación de aire y amplitud.

La iluminación lateral se considera la mejor, ya que enfatiza la forma de las montañas, y la bruma iluminada por rayos oblicuos crea la impresión de profundidad. Cuando el sol está detrás de la cámara, la imagen se vuelve plana. Cuando, desde el frente, la imagen es muy contrastante, los detalles, especialmente en el primer plano, desaparecen.

Fotografiar un paisaje de montaña durante el día con una posición de sol alto resalta los detalles de la imagen sin suficiente contraste.

A la hora de determinar la exposición, es necesario tener en cuenta que la intensidad de la iluminación solar aumenta con la altura en la montaña y adquiere un carácter diferente al de la llanura. Con la altura, hay una disminución en el brillo de las sombras y un aumento en el brillo de las áreas claras del paisaje. Por lo tanto, cuando se dispara a una distancia sin un primer plano, la velocidad de obturación se reduce en comparación con la fotografía en un terreno plano: a una altitud de 500 m por 1/4, 1000 m - por 1/2, 2000 m - por 3/4, 3000 m - a la mitad.

Para obtener deslumbramiento en la superficie del glaciar, debe fotografiar a contraluz.

La pregunta principal del tema: ¿cómo aprender a ver hermosos paisajes?

Un hermoso paisaje se basa en el hecho de que la trama une todo en el marco y subordina el entorno a una idea común: el pensamiento del autor, creando un cierto estado de ánimo, emociones, conclusiones en el espectador.

¡Te deseo éxito y todo lo fotográfico!

Dónde empezar

Entiendo perfectamente que no todos los principiantes pueden sorprenderse con terminología como velocidad de obturación, apertura, distancia focal. Sin embargo, te aconsejo que primero estudies el "Tutorial de Fotografía" ("Paisaje" es una continuación directa del mismo), y al mismo tiempo que actualices la terminología en la página "Diccionario de Fotos", para no volver a la explicación. conceptos clave: es más conveniente (y más útil) que ejecutar enlaces y retroceder cada vez. Y lo más importante, es útil no solo para leer cómo fotografiar un paisaje. Según tengo entendido, tiene la intención de tomar fotografías, y no solo leer :)

Lente

Puede fotografiar un paisaje con absolutamente cualquier objetivo, desde un ojo de pez hasta un teleobjetivo. Y si solo tiene un objetivo con el que obtiene excelentes fotografías, no debería comprar otro, especialmente "para paisajes". Y luego, el texto debe tomarse únicamente para un conocimiento, y no correr a la tienda en busca de una óptica amplia, para que "más encajen en el marco".

En general, aconsejo a los no profesionales que filmen cualquier sujeto con una sola lente y aprendan a hacerlo para que todas las ideas salgan con fuerza. por

Comprar ópticas caras (o una cámara nueva) nunca agregará ninguna habilidad fotográfica a nadie.

Y, sin embargo, hay algunas reglas que debes conocer. Antes de comenzar a fotografiar paisajes, debe elegir el objetivo "correcto" de su colección (o la distancia focal correcta si solo hay un objetivo). Para los propietarios de cámaras de apuntar y disparar, compactas y otras cámaras con ópticas no extraíbles, la pregunta no desaparece. Su lente está firmemente integrada en la cámara, pero también necesitan poder usarla. Ajústelo en la posición "gran angular", aquí no es necesario "alejar". Más precisamente, esto no siempre es necesario. A continuación, leemos junto con los "espejos" cómo fotografiar correctamente un paisaje :)

Por lo tanto, tome una lente gran angular o coloque la existente a la distancia focal mínima. La óptica de gran angular proporciona un campo de visión más amplio, un enfoque más nítido y, por lo tanto, se usa más comúnmente para paisajes. Por supuesto, en un ángulo medio y en telefoto (e incluso con un teleobjetivo muy largo), también puedes fotografiar paisajes con buen resultado, porque mucho depende de tus intenciones. Aún así, el paisaje a menudo se toma en ángulos amplios, ya que el paisaje implica amplitud y profundidad de campo en todo el campo (lo que es difícil de lograr con ópticas de enfoque largo).

Consideraremos todos los ejemplos en un modelo específico (y bastante económico): la lente Pentax DA 16-45 mm f / 4. Considere que lo promocioné :), ¡pero los propietarios de Canon y Nikon no deberían enfadarse ni participar en una "disputa religiosa"! ¡Tu técnica no es peor ni mejor! Vamos a ir al grano. Ahora estamos interesados \u200b\u200ben los números de la lente 16-45. Esta es la distancia focal. Como tengo una SLR digital y la relación de aspecto del marco (matriz) de la Pentax es de aproximadamente 1,5, multiplicamos 1,5 por nuestros números y obtenemos la distancia focal equivalente (EFR) de 24-68 mm. Hice este recálculo para que pueda hacer coincidir su distancia focal con él. Quién no entendió: Le recomiendo encarecidamente que vuelva a leer la distancia focal en equivalente a 35 mm (EGF) :), ya que a continuación solo se indicará la distancia focal equivalente. Como resultado, tenemos una lente con un gran angular (cualquier cosa menor a 35 mm es "amplia"), una pequeña teleposición de 68 mm y una apertura constante de f4 para diferentes extremos del "zoom". Como ves, este no es el "zoom" más destacado, pero su gran angular es bastante decente.

Que es la distorsión

Entonces, coloquemos la lente en su posición más amplia, en este caso es de 24 mm. Por supuesto, no deberías tomar retratos en gran angular, ya que una lente gran angular (¡incluso una cara!), Debido a su diseño, puede dar (¡y lo hace!) Distorsiones geométricas, o como dicen, "distorsión". ¿Qué es la distorsión?
Ésta es la distorsión de la imagen en la lente debido al aumento desigual de los objetos desde el centro de la lente (grupo de lentes) hasta sus bordes.

Y ahora lo mismo, pero más simple: cuando las líneas rectas se ven torcidas, la parte central de la imagen está abultada, el fondo parece más lejano de lo que realmente está y la perspectiva está distorsionada :) ¿Por qué sucede esto? En cualquier lente en general, todo es peor en los bordes, solo hay un consuelo: con la distorsión, la nitidez de la imagen no se ve afectada. Por supuesto, en un dispositivo de gran angular especializado, la distorsión se minimiza, pero incluso allí sigue ahí.

En la imagen, las distorsiones geométricas son claramente visibles a simple vista, el disparo se realizó en el ángulo más amplio (EGF \u003d 24 mm). Es especialmente notable cómo la casa de la derecha está llena de basura hacia un lado, más parecida a la Torre Inclinada de Pisa que a un edificio residencial. ¿Y si se cae? :) ¿Cómo fotografiar un paisaje y vivir toda la vida con este dolor en el corazón? ¿Es la distorsión una desventaja del disparo? o lente? Por supuesto, la lente está involucrada (y cuanto más amplio es el ángulo, más distorsiones), pero hay muchas preguntas creativas y nadie sabe la respuesta exacta.

Una cosa es cierta: la distorsión siempre es una desventaja menor que un marco mal compuesto :)

Bueno, para completar las sensaciones:

La falta de distorsión siempre es una ventaja menor que un marco bien compuesto :)

Y ya en el caso de una lente de ojo de pez ultra gran angular, la distorsión de la categoría de desventajas se convierte suavemente en ventajas indudables :) Y, en general, hay imágenes en las que intentan enfatizar la expresividad o la dinámica de la trama de esta manera. Al final, es útil agregar: las distorsiones en sí mismas son muy malas :) Bueno, explicaron ... ¡completamente confuso! - dirá otro. De hecho, la situación es así. Una carretera vacía y desierta. No hay semáforo, pero debe ir al otro lado. Por supuesto, pasará, no espere, de hecho, a que se establezca el semáforo :) pero romper las reglas de tráfico es muy malo ... ¡es mejor no romperlas! ¿Y la conclusión? Y la conclusión es simple: ¡todo viene con la experiencia! :)

Para reducir la distorsión, o viceversa, para aumentar su efecto (por ejemplo, con fines artísticos), debe saber que tales distorsiones son especialmente pronunciadas si dispara un fotograma de abajo hacia arriba donde hay líneas verticales (pilares, árboles, paredes de edificios, etc. .) Y especialmente si estas líneas están ubicadas más cerca de los bordes de la imagen. La distorsión se reduce significativamente si hace zoom (aumenta la distancia focal). Y, por supuesto, nadie prohíbe el uso de ópticas de alta calidad, como
la lente SMC Pentax DA 15mm f / 4 AL Limited, o una lente prime de gran angular y alta calidad similar, también existe con un ángulo más amplio (y una apertura potente). La óptica de una clase similar está disponible en muchos otros sistemas, pero no puedo escribir críticas agudas de todos los "fotógrafos de paisajes" debido a la falta de tiempo. Solo hay un inconveniente común de tales lentes: golpea en el acto con un precio, y no en la ceja, sino en el ojo. Pero incluso el más caro de ellos no puede corregir perfectamente la distorsión. Por tanto, mucha gente corrige la distorsión en Photoshop, y volveremos a fotografiar paisajes con nuestro 16-45 / f4.

Paisaje y apertura

En general, un gran angular es bueno para paisajes, mientras que una distancia focal de 50 mm o más es óptima para retratos. Para un paisaje, por regla general, el diafragma está cubierto, de modo que todo es nítido, "desde el ombligo hasta el infinito", como suele ser el caso de las cámaras compactas: en los paisajes, no puede cubrir el diafragma en absoluto :). Las DSLR son más difíciles de usar (¡lo que digan en la publicidad!): Una lente rápida puede difuminar el primer plano al enfocar objetos distantes. E incluso no muy rápido, como en nuestro caso, vea un ejemplo:

Paisaje №1. Camino al mar.
apertura f4, velocidad de obturación 1/2000, EGF 39 mm.

Al acercar la imagen, podemos ver que los guijarros del primer plano están ligeramente borrosos. ¿Por qué? Se sabe que todo tipo de distorsiones aumentan hacia el borde de la lente y disminuyen hacia su centro. Cubriendo la lente con un diafragma, hacemos que solo funcione la parte central de la lente. Aquellos. reducimos la distorsión. Estas son las leyes de la óptica. Esto también se aplica a la nitidez: a medida que disminuye la apertura, aumenta la DOF (profundidad de campo). No los torturaré con pruebas: los creyentes están buscando materiales en la Biblia, o creen todo lo que dice el predicador; los ateos tomarán un libro de texto de física y encontrarán fórmulas para construir sistemas ópticos y las propiedades de una lente simple en la sección de óptica; los fotógrafos simplemente confían en su experiencia, la elección es suya :) Volvamos a la imagen. La apertura de f4, que estaba máximamente abierta para este objetivo, se estableció aquí, como resultado, la profundidad de campo es pequeña y los guijarros en primer plano "no alcanzaron" esta profundidad de campo - están ligeramente borrosos. ¿Por qué el primer plano está borroso? Porque el enfoque se realizó a una distancia suficientemente lejana de él (a lo largo de la costa). Para "concentrarse" en los guijarros, era necesario concentrarse en ellos, y luego todo lo demás se desdibujaría, tanto el mar como la costa. Pero, ¿y si queremos tener un marco nítido en todo el campo? Así es, ¡dispara al paisaje con una caja de jabón! Y los desafortunados propietarios de DSLR tendrán que pensar mucho con la cabeza :) - por ejemplo, sobre cómo sujetar la apertura: y para esto tienes que leer las instrucciones, y luego estudiar la cámara, y luego buscar dónde está esta palanca o rueda para controlar la apertura, e incluso pensar en qué posición girar esta rueda, y qué significan los números que cambiarán y en qué nitidez resultará, en general, no todo es tan divertido ... :)

Pero en serio, la velocidad de obturación muy corta utilizada en la imagen nos permitió cubrir la apertura hasta 11 (en este caso, ¡todos los rayos de luz que forman nuestra imagen pasan más cerca del centro de las lentes de la lente!), Y luego obtendríamos una imagen nítida de los guijarros en el primer plano. - al mar inclusive. Al mismo tiempo, se obtuvo una velocidad de obturación de 1/250 seg, que es más que suficiente para disparos estáticos. En teoría, a una distancia focal de 39 mm, una velocidad de obturación de 1/60 seg sería suficiente, pero no recomiendo alcanzar valores extremos (tanto velocidad de obturación como apertura) sin necesidad especial.

Paisaje número 2. Camino desde el mar :)
apertura f8, velocidad de obturación 1/500, EGF 24 mm.

No es necesario desenfocar la parte cercana (o lejana) de la imagen en un paisaje. Por eso le aconsejo que cubra la apertura incluso en un compacto, para desarrollar un hábito llamado "fotografía correcta". Para una cámara SLR, esta es una realidad necesaria, a menos que, por supuesto, desee desenfocar deliberadamente parte de la imagen. A la derecha, puede ver un ejemplo similar, pero hecho con una apertura fija y enfocado en palmeras y niñas :) ⇒

Sí, sí, este es el mismo camino, pero ahora ya no conduce al mar, sino de regreso :) Pero ahora no nos interesan las palmeras y las niñas, sino algo completamente diferente. En esta foto, tanto de cerca como de lejos son lo suficientemente nítidos. Es fácil verificar esto ampliando la imagen para comparar las nubes con los guijarros cercanos del camino.

Aquí la apertura podría cerrarse hasta 11; una velocidad de obturación de 1/500 de segundo hizo posible hacer esto, pasando a 1/250, que también sería suficiente para un gran angular. Con tan buena iluminación, es muy cómodo fotografiar paisajes, casi cualquier cámara, incluida una jabonera en la máquina, y creo que cualquier fotógrafo puede manejar esto :)

En general, se acepta que los paisajes se toman mejor con la cámara en posición horizontal. Sin embargo, como se puede ver en las dos últimas imágenes, ¡pueden extenderse de abajo hacia arriba! Si la trama lo requiere (¡y él lo exigió aquí!), Entonces con la fotografía vertical (también llamada "retrato"), el paisaje no se ve peor que horizontal.

Que es hiperfocal

La sed de nitidez en el horizonte es casi un requisito previo para la fotografía de paisajes. ¿Cómo enfocar correctamente? La forma más sencilla de hacer esto es ajustando la lente al infinito (el ícono al lado de la escala de distancia). En este caso, todo será nítido desde un determinado borde hasta el horizonte, lo que le permite concentrarse completamente en elegir una composición, sin distraerse enfocando la lente. Sin embargo, la profundidad de campo será ligeramente menor que la que puede proporcionar la lente máxima.

Aquí, puede enfocarse no en el infinito, sino directamente en el borde cercano mencionado, de modo que el horizonte permanezca lo suficientemente nítido y el borde cercano de la profundidad de campo se acerque aún más al primer plano. A esto se le llama alineación hiperfocal.

Por lo tanto, al fotografiar un paisaje, es importante recordar:

El enfoque hiperfocal proporciona la máxima nitidez desde la mitad de esa distancia hasta el infinito.

A veces, esta mitad no es suficiente para la nitidez del primer plano. Hay una fórmula simple para cálculos prácticos que, para ser honesto, nunca utilizo yo mismo :-)

H \u003d F 2 / D * Cdónde

H - distancia hiperfocal
F - distancia focal (no EGF, en metros)
D - número de apertura (denominador)
C - círculo de confusión \u003d 0.043 / 1500 / k (es decir, 1/1500 de la longitud diagonal de la película en metros, k es el factor de recorte de su cámara).
Obtenemos la distancia hiperfocal en metros.

En la fotografía de paisajes, es extremadamente inconveniente hacer tales cálculos, por lo que puede combinar el símbolo "infinito" en la escala de la lente con la división de la escala de profundidad de campo, que corresponde a la apertura establecida. Si no hay escala (¡casi siempre con ópticas nuevas!), Entonces aprenda a determinar la distancia a ojo. En general, nada inusual, todo es como siempre :)

A continuación se muestra una tabla de distancias hiperfocales para algunas cámaras, distancias focales típicas en EGF (para mayor claridad de comparación) y la mayoría de las aperturas de paisaje. La distancia debe dividirse entre 2. Por ejemplo, en una DSLR con lente de 50 mm y apertura F8, el enfoque en el hiperfocal será de 7 m, lo que significa que obtenemos DOF \u200b\u200bde 3.5 m hasta el infinito. Como puede ver, cuanto más pequeña es la matriz, más amplio es el ángulo y más se sujeta la apertura, más oportunidades de capturar el plano cercano y lejano con nitidez.

En esta situación, el compacto es lo mejor de todo aquí (ni siquiera con la matriz más pequeña). ¡Un verdadero paisajista! No di pactos con matrices más pequeñas, ya tienen de todo, desde zapatillas hasta el horizonte. Está bien, estas cámaras tienen muchos otros problemas :)

Cómo fotografiar un paisaje en verano :)

Y fotografiar un paisaje en verano es más fácil, porque la buena iluminación ocurre con mucha más frecuencia que en invierno y los colores están más saturados. Pero nadie anuló otras sutilezas de la fotografía de paisajes.

La toma n. ° 3 es bastante típica: la nitidez al infinito es especialmente importante para la fotografía de paisajes, en la que el fondo es tan importante como el primer plano. Pero el rodaje del magnífico paisaje de Ladoga en el nacimiento del Neva se realizó para mayor vistosidad desde un punto muy bajo, lo que dificultaba sacar la profundidad de campo de las piedras (cerca de la cámara) al horizonte, mucho desde estas piedras distantes. El ajuste al infinito no ayudó: todo estaba bien, excepto el primer plano, que obstinadamente no quería entrar en la profundidad de campo incluso con una apertura tan cerrada.

Pero la configuración de la hiperfocal a una distancia más cercana que el infinito ayudó: enfocarse en una piedra en el agua (calculé la hiperfocal a simple vista). La apertura se redujo a f11 (no quería ajustarla más estrecha que f13-16 debido a la posible difracción) y, por supuesto, el ángulo más amplio ayudó. Como resultado, la profundidad de campo se trasladó a las piedras más cercanas, sin dejar de alcanzar el horizonte.

Las longitudes focales para paisajes generalmente se eligen menos que las estándar, esto proporciona una mayor profundidad de campo inherente a la óptica de corto alcance y gran angular ("más espacio cabrá en el marco"). En el paisaje nº 3 se utilizaron todas las posibilidades: se tomó la hiperfocal "correcta", la apertura suficiente, el ángulo más amplio (para la lente dada).

Por supuesto, el paisaje se puede fotografiar con un enfoque más largo: todo depende de lo que quieras fotografiar, del ángulo, de la capacidad de acercarte. Por ejemplo, no tuve esa oportunidad, de "enmarcarme las piernas" mientras fotografiaba el paisaje número 4, porque me habría ahogado con la cámara y quería conseguir un paracaidista más grande, porque es un "detalle" importante del paisaje ... :)

Los siguientes paisajes están tomados en gran angular. Si se disparara un desfiladero con un río de montaña (No. 5) con un enfoque largo, entonces una nube o un río encajarían en el marco, porque puede ser extremadamente difícil dar un paso atrás. En las montañas, a menudo se abre un abismo detrás de ti, o una pared inaccesible se eleva como un bloque: ni un paso atrás, sin una lente gran angular, ¡no hay nada que hacer aquí! Pero puede ser incluso peor: cuando te rompen los zapatos en la montaña, las cosas pueden terminar mucho más tristemente que tus piernas rotas en sangre. Sí, y tendrás que romperlos mucho más si saltas descalzo con una cámara sobre un montón de rocas y, por supuesto, no para regresar de inmediato, sino para tomar un ángulo más hermoso :)

No es raro escuchar que un fotógrafo toma fotografías de paisajes solo dos veces al día: por la mañana y por la noche. Así es, los atardeceres y los amaneceres son increíblemente hermosos. Pero aún así, ¡lo más destacado es el cielo expresivo! Los reflejos de las nubes en el agua pueden florecer incluso en el estanque de aspecto más ordinario, en cuyo caso el rodaje del mediodía puede ser muy divertido.

En general, ya entendiste cómo fotografiar correctamente un paisaje. Desarrollamos una ruta, no saltamos al abismo, no nos subimos al agua, no escalamos rocas y, lo más importante, elegimos cuidadosamente la lente y los zapatos :)

La foto n. ° 7 nos informará sobre cómo fotografiar la puesta de sol por la noche. Aquí debe recordar que la puesta de sol puede desaparecer rápidamente, por lo que debe seleccionar el punto de disparo con anticipación para determinar el ángulo, qué y cómo estará en el encuadre (y, por supuesto, para que el lugar no esté ocupado por fotógrafos que han venido corriendo desde toda el área. :)) - en en general, prepárate.

Establecemos la exposición de inmediato, la medimos en el cielo, porque al atardecer necesitamos un buen dibujo de la parte superior de nuestro maravilloso paisaje. Una parte inferior del marco bien expuesta no es necesaria para nadie con un cielo encalado y sin puesta de sol. Descubrirá estos errores y métodos de medición al final de la página.

Por lo tanto, dado que este tipo de iluminación requiere velocidades de obturación lentas, es mejor usar un trípode o establecer la apertura máxima. Porque No había trípode a mano, elegí este último, como resultado de lo cual obtuve una velocidad de obturación perfectamente aceptable. Y encendí un flash para que el primer plano fijara y al mismo tiempo resaltara el impacto de la ola en la piedra para un mayor efecto. Como puede ver, a veces puede fotografiar un paisaje con flash :)

Paisaje №7: La Novena Ola :)

7.

Apertura f4, velocidad de obturación 1/60 s, EGF 24 mm.

Un ejemplo típico de una toma multiplano con plano cercano, mediano y largo. ¿Sabes qué es lo más difícil de esta foto? Esto protegerá la lente de las salpicaduras de agua salada :) Un filtro protector enroscado en la lente puede ser de gran ayuda para un fotógrafo en tales situaciones.

Cómo fotografiar un paisaje. Consejos para capturar paisajes típicos:

8.

apertura f8, velocidad de obturación 1/500 s, EGF 27 mm.

No enumeraré más consejos comunes: evite la simetría en el marco, no corte la imagen (o la cabeza) por la mitad con la línea del horizonte ... asegúrese de usar la "regla de la proporción áurea" (o la "regla de los tercios" simplificada) para colocar los centros semánticos de la foto descentrados , y en las líneas un tercio de la distancia desde los bordes del marco, o las intersecciones de estas líneas ...

Realice solo fotografías en varios planos, con enfoque obligatorio (nitidez) en primer plano.
Primero, la simetría a menudo puede tener su propio encanto, especialmente cuando se trata de líneas de perspectiva convergentes. Además, muchos fotógrafos utilizan deliberadamente la geometría de la perspectiva independientemente de si hay una falta de simetría. O falta de presencia :) La perspectiva no solo puede enfatizar la profundidad del espacio, sino también dirigir la mirada errante del espectador hacia el punto deseado del encuadre (hacia el centro no desprovisto de sentido). Por ejemplo, así:

Paisaje urbano: perspectiva :)

9.

En segundo lugar, cada foto puede tener sus propios centros semánticos, diferentes del tercero ... una persona normal no colocará, digamos, un árbol (o persona) solitario todo el tiempo en el mismo punto del marco. Sin embargo, estos consejos para fotografiar un paisaje (y no solo) casi siempre se dan ... Diré de manera más simple: para tomar excelentes fotografías, puede seguir las reglas tanto como pueda romperlas, y aún así obtener excelentes resultados. Además de no recibir :) Si todo fuera tan simple, sigue un conjunto simple de reglas y obtén una obra maestra, la foto tendría que ser enterrada ...

Imagina que cierto crítico llega a una exposición fotográfica y dice: "Oh, esto es un gran bodegón, la manzana coincide con uno de los puntos de la proporción áurea, ¡qué composición insuperable! Pero admíralo, una toma completamente desastrosa, solo un retrato repugnante, porque el fondo detrás no está borroso (! Pero un paisaje digno del pincel de Aivazovsky: ¡la línea del horizonte no está centrada, sino que, como era de esperar, se ha desplazado un tercio desde el borde del marco! Presten atención, señores, la siguiente foto es una verdadera obra maestra, todo es nítido hasta el mismo horizonte ... "
Sin embargo, huele fuertemente a locura, ¿no? :) Sin embargo, no veo nada de malo en conocer estas reglas y aplicarlas de manera creativa, pero no en seguirlas estúpidamente siempre y en todas partes. Aconsejaría a los principiantes que comiencen a disparar observando estas reglas en lugar de negarlas, pero con mucho cuidado y discreción. Me permitiré filosofar un poco, para que puedas saltarte el siguiente párrafo con seguridad :)

La fotografía debe expresar ante todo cualquier idea, idea o cosmovisión del fotógrafo; o ser al menos simplemente hermoso (y, por supuesto, técnicamente de alta calidad), pero incluso todo lo anterior no es de ninguna manera una garantía de una obra maestra ... Y la cantidad de dinero que gana un profesional por las imágenes no es de ninguna manera una medida de valores, esta es una medida de los valores y el prestigio de su cliente. publicidad, por ejemplo, papel higiénico :), o rancio en los almacenes y no reclamado, pero ya fabricado (¡en un gran lote!) Modelo fallido de botas militares :) Y el dinero también es una medida de la puntualidad de la ejecución del pedido por parte del fotógrafo y la promoción de su nombre ... Esto de ninguna manera es una piedra en el jardín de los profesionales, esto es solo un estereotipo de valores culturales y morales de la economía de mercado :) Las fotografías no comerciales de su humilde servidor no deben ser consideradas como algunos ejemplos de creatividad, en cualquier caso, estas imágenes no deben ser tales muestras, ya que fueron seleccionadas con fines puramente educativos.

Cómo fotografiar un paisaje en invierno

No hay nada peor y más aburrido que fotografiar en invierno ... Los dedos se congelan en el disparador de la cámara. La temporada baja, no hay vegetación, no hay colores brillantes y jugosos, pero solo está el abatimiento del cielo nublado y la melancolía gris fría de la nieve. El aire helado sugiere un pensamiento triste, ¿se romperá la chaqueta por la escarcha, se derrumbará con trapos helados justo debajo de los pies del fotógrafo estupefacto ... :) Quizás incluso abandonar la fotografía hasta el verano, y la cámara en el entrepiso? Sin embargo, el siguiente ejemplo es mucho más de mi agrado que cualquier otra imagen de verano de colores brillantes, así como un paisaje invernal blanco que es dolorosamente nítido a mis ojos. Todos perseguimos la nitidez con tanta fuerza, ¿no?

Paisaje №10. Tarde de invierno.

10.

Lente 50 / 1.4, ISO \u003d 400, apertura f2.4, velocidad de obturación 1/6 s, EGF 75 mm.

Esta noche de invierno se filmó con una "lente de retrato" de alta apertura a ISO \u003d 400 y sin trípode. Permítame recordarle que si la sensibilidad del sensor no se indica explícitamente, entonces ISO \u003d 100 es el valor predeterminado :) ¿Por qué la apertura se establece en 2.4, cuando la apertura de la lente permite que se abra hasta 1.4, reduciendo así la velocidad de obturación en más de dos veces, o ISO?

La perspectiva de la trama (o diseño perverso) era tal que no quería desdibujar aún más el primer plano, lo que era inevitable con la máxima apertura abierta. Por cierto, disparar con tanta iluminación sin un trípode no es un signo de pereza y malos hábitos fotográficos del autor (como usted, por supuesto, pensó), pero el autor simplemente tiene demasiado frío para correr a casa por un trípode y volver a tomar una fotografía y ... con las manos congeladas :) Tan confiado en el poder de apertura de su lente y sus manos tenaces que no consideró necesario llevar un trípode con él, o correr tras él. Está bien, no se puede engañar, confieso que tomé esta solución especialmente para no tomar un trípode :) Pero el punto, por supuesto, no es solo eso. Debes saber: si te gusta el "tiro", debes dispararlo de inmediato, porque no harás exactamente lo mismo, incluso si regresas. Será difícil (o imposible) encontrar ese punto de rodaje, además, la iluminación cambiará, y en general, todo será diferente. Pero esto no significa que el autor pida hacer clic en todo de forma indiscriminada. Siempre debe hacerse la pregunta: ¿realmente necesito esta inyección? ¿No vale la pena volver aquí más tarde, cuando cambie la iluminación y todo será completamente diferente? :)

Un invierno cualquiera.

11.

Apertura f11, velocidad de obturación 1/750 s, EGF 24 mm.

Un par de consejos útiles. En heladas severas, recuerde que la batería se agota rápidamente; piense en una de repuesto si planea disparar mucho, y la cámara (y la lente) pueden empañarse si la lleva de la calle a una habitación cálida sin una cubierta. No descuides la capucha, no solo ayuda con el sol de fondo, sino que también protege la lente de los copos de nieve. "¿Qué es una capucha?" - Me preguntaron en una de las cartas. Quien se ríe de la pregunta de un principiante lo hace en vano: todos aprendimos una vez por primera vez qué es una cámara, un objetivo, un parasol ...

Esta es una lente de 67 mm con capucha roscada 16-45 / 4 con capucha

12.

La mancha verde estropea una buena imagen en general. Desafortunadamente, esto no siempre sucede, de lo contrario, nadie se olvidaría de llevar una capucha en la lente :) Y especialmente, a la luz del sol. ¡Naturalmente, esto se aplica no solo a la fotografía en invierno!

Esto es exactamente lo que escribiría Alexander Sergeevich si supiera sobre el nacimiento de la fotografía, que fue reconocida oficialmente 3 años después de la muerte del poeta. Y si el orificio de la cámara oscura difícilmente puede llamarse una lente moderna, entonces un hecho no causa la menor duda: ¡el poeta claramente entendió mucho sobre el arte de crear un paisaje invernal! :) Y, de hecho, el sol de invierno poco luminoso puede revivir en gran medida la imagen, gracias a las largas sombras y las heladas. aire limpio... Las misteriosas sombras largas que los árboles proyectan sobre la nieve brillante pueden ser la base de muchas escenas invernales de cuento de hadas.

Paisaje mañana de invierno.	Tres pinos :-)
13. Apertura f8, 1/500 s, EGF 30 mm.	14. Apertura f4.5, 1/1000 s, EGF 36 mm.

La alta humedad y las heladas son un fiel compañero para una fotografía exitosa de un paisaje invernal, pero es poco probable que esto se confirme con placer con los dedos blanqueados del fotógrafo, congelados para siempre en el botón del obturador :) Por lo tanto, nunca salga de la casa en un clima tan frío, si no quiere ... árboles plateados por la escarcha, sombras cambiantes de luz que yacen en la nieve, y brillando maravillosamente bajo el sol, ¡brillando con alegres cristales de escarcha! Esta es la mejor hora para los amantes de la nitidez :)

Paisaje №17: Helada y sol. Paisaje # 18: La estrella del fotógrafo.

apertura f8, 1/1000 s, EGF 31 mm. lente 50 / 1.4, f4, 1/1500, EGF 75 mm.

17. 18.

Brr ... —16-18 Celsius, la estrella aún no se le apareció al fotógrafo, pero la nieve en la foto # 17 realmente brilla maravillosamente ... Pero en la # 18 hay una mezcla increíble de paisaje con macro. ¿Y por qué "Estrella del fotógrafo"? Después de todo, se representa un carámbano en primer plano y se captura una gota "a una velocidad de 1/1500 seg", y el Sol está en el fondo, en el fondo.
Sin embargo, el Sol es una estrella. El objeto central del sistema solar, una bola de plasma incandescente con un diámetro de 1 millón 392 mil km, con una temperatura de 15 millones de grados. Y aunque esta estrella está a unos 150 millones de km de la Tierra, le da a nuestro planeta energía para todos los procesos, lo que significa toda la biosfera del planeta - vida e iluminación - para el fotógrafo :)

¡Sabemos que la fotografía es imposible sin luz!

Cómo fotografiar un paisaje en otoño.

Las razones de las tomas otoñales fallidas no son una cámara terrible y una óptica barata, sino la falta de experiencia del fotógrafo para elegir un tema, la naturaleza de la iluminación e incluso el estado de transparencia del aire. El aire no debe estar saturado de humedad (y más aún de gases de escape), ¡sino limpio y transparente! Para fotos expresivas, los días despejados, soleados y sin viento son los mejores si desea que todas las hojas sean visibles. Elegir la mejor opción de iluminación determina el éxito de la toma y hace que fotografiar el otoño dorado sea un placer en todos los sentidos.

El follaje caído crea una excesiva variedad de amarillo en el primer plano y lo hace demasiado claro, lo que puede afectar la transferencia de la profundidad del espacio. Y luego, el marco se construye para que el primer plano esté en la sombra (por supuesto, hay excepciones a las reglas, si, por ejemplo, necesita enfocar la atención de la audiencia en las hojas caídas). Sin embargo, las hojas que caen atraen la atención a su manera, aportan dinámica a la trama, crean ¡la atmósfera del otoño dorado es aún más tangible! Un derroche de colores carmesí, amarillo, verde y azul dan lugar a una magnífica paleta otoñal.

No. Caída de hojas

apertura f6.7, 1/250 s, EGF 24 mm.

Al fotografiar un paisaje durante el "otoño dorado", las sombras están bien iluminadas por el flujo de luz reflejada del follaje amarillo, por lo que aquí las sombras resultaron estar bastante bien trabajadas. En realidad, en ninguna parte es necesario que se vean completamente oscuros en las fotografías.

Determinar la exposición al fotografiar estos paisajes otoñales suele ser sencillo. ¡La cámara hace un gran trabajo por sí sola! Lo único que no quería aquí era apretar la apertura con más fuerza (es suficiente) para que la velocidad de obturación no permanezca más de 1/250, de lo contrario, las hojas que caen podrían verse ligeramente borrosas. Hasta ahora, dudo que esta decisión sea correcta o no, ya que el desenfoque local contra el fondo de una imagen clara podría mejorar la dinámica del efecto de caída. ¿O no?
Ese es el problema, ahora no puedes quedarte dormido por el problema :-)

El otoño es hermoso, triste y rico en colores. Como dijo el poeta:

Pero una ilustración de esto será una fotografía no del otoño de Boldin, sino tomada en un lugar completamente diferente ... donde me encontré por la voluntad del destino, el deseo y la ubicación de las estrellas ... :-)
Antigua ciudad rusa de Kashin.

No. 19. ¡Otoño de Kashin!

apertura f8, 1/125 s, EGF 24 mm.

De hecho, no me gusta el otoño (¡y el exuberante marchitamiento de la naturaleza también!), Así que me limité a solo un par de fotos. Para eliminar bellamente el carmesí, debe esperar a que haya una buena luz suave, luego la imagen jugará con los colores aún mejor. Busque buena luz y luego cualquier cámara, incluso una barata, puede manejar el paisaje. Y para la ausencia de lubricación de piezas pequeñas, coja el momento de calma y, además, utilice un trípode o pare.

Pero en esta situación estaba más interesado en encontrar un ángulo interesante. Ya sabes, cuando no hay un sujeto principal en el paisaje, la búsqueda de un ángulo inusual es a veces tan necesaria como la combinación de luz y riqueza de colores :-) De lo contrario ... ¡el fotógrafo se lo pasará mal!

Cómo fotografiar un paisaje en primavera.

La primavera es muy fácil de disparar: riachuelos, capullos, naturaleza floreciente, las primeras hojas verdes, flores, escarabajo de mayo zumbante y otras alegrías. Y mi resorte a 24 mm en f8 resultó así ...

20.

Fotografía de arquitectura.

Cuando tomas una cámara en tus manos, a veces es muy difícil determinar si estás filmando arquitectura o un paisaje urbano ... Pero el significado no está en el nombre, sino en la elección del punto de rodaje, para que la vista de tu amada ciudad no se vea estropeada por carteles publicitarios que incluso los edificios del histórico centro, despersonalizando y matando no solo nuestra historia, sino también una parte del mundo interior de cada uno de nosotros, incluso aquellos a quienes no les gustaban las lecciones de la escuela :)

Hubo un tiempo en que las manzanas de la ciudad estaban enterradas en parques verdes, y las madres caminaban con cochecitos cerca de los céspedes en flor, y el bullicio de los bebés felices se escuchaba en los jardines de infancia. Pero esto es lo que sucede cuando el dinero se convierte en un fin en sí mismo y se olvidan las acciones útiles para complacer al becerro de oro. Ahora, vecindarios enteros están siendo equipados no para que la gente viva, sino para obtener ganancias. Estamos ante una fotografía completamente documental del futuro cercano, donde no hay lugar para la gente ...

Y esta imagen es documental porque no es un collage, ni un montaje, sino una fotografía muy real, por así decirlo, un boceto de la naturaleza.

¿Quién dijo que no se puede fotografiar arquitectura de abajo hacia arriba con un gran angular? ¿Son posibles las distorsiones geométricas? Pero un ángulo amplio será beneficioso, enfatizando las líneas de perspectiva que convergen hacia arriba, mejorando así el efecto de la altura de los grandiosos edificios. Una mezcla fantástica de una torre vieja y un rascacielos ultramoderno hecho de vidrio y acero (la torre de agua del Museo Vodokanal en la foto 24), y la arquitectura majestuosa y extraña de la Iglesia del Salvador sobre la Sangre Derramada, ambos construidos en San Petersburgo, y especialmente para fotografía con lente gran angular :). ¿Qué? Bueno, por supuesto que estoy bromeando.

En ambas imágenes, la apertura está abierta a f6.7, el EGF es de 24 mm.

24. 25.

Con un ángulo tan amplio (focal 24 mm), incluso una apertura de 6,7 no muy ajustada proporciona una gran profundidad de campo a lo largo de toda la altura de los edificios, y ya desde una distancia de disparo corta. Con una lente gran angular, esto no es un problema, la dificultad es diferente.

¿Qué pasa si no quieres fotografiar la arquitectura de abajo hacia arriba? Esto sucede a menudo y las razones pueden ser diferentes:

1.cuadro requiere trazado horizontal ... uh-uh ... por el contrario, la trama requiere :)
2. quiere cubrir todo el edificio, no solo la parte superior.
3. necesita una arquitectura sin distorsión geométrica.

¿Subir al edificio vecino? Por ejemplo, así, con una perspectiva general ganadora. Bueno, es una excursión completa por San Petersburgo: aquí tienes la Fortaleza de Pedro y Pablo (baluartes y la catedral a la izquierda al fondo), y el Neva con un "meteoro" en hidroalas, y el Almirantazgo (primer plano) con un barco en una aguja (65 kg, por cierto) - uno de los símbolos de la ciudad, y la Ermita a la derecha (edificio verde).

San Petersburgo, centro de la ciudad.

Apertura f8, velocidad de obturación 1/750 seg, EGF 67 mm.

Pero disparar desde un punto alto no siempre es posible. Y el punto 2 no se cumplió, todo el edificio del Almirantazgo no se pudo cubrir en su totalidad, y aquí domina como tema principal de fotografía. La solución es obvia, ¡está en la superficie! Debes graduarte de la Academia de Artes y pintar cualquier arquitectura con pinceles sobre lienzo en el ángulo que pretendías. No entendí, ¿qué no te gustó?

Está bien, está bien ... toma la cámara :)

Paisaje de la ciudad, Petersburgo, edificio de la bolsa de valores.

27.

Apertura f6.7, velocidad de obturación 1/180 s, EGF 51 mm.

Como puede ver, todo es simple: retrocedimos y no establecimos la distancia focal más amplia de 51 mm, lo que no contribuye a la distorsión. Y recibieron un monumento arquitectónico del clasicismo ruso del arquitecto francés Jean François Thomas de Thomone, quien creó un verdadero templo griego antiguo a partir de piedra caliza de Pudost: un edificio rectangular enmarcado en cuatro lados por una columnata ... y lo más importante, casi sin distorsiones geométricas :-)

Es poco probable que la artista de la fotografía hubiera salido mejor, porque en este caso ella misma no se habría metido en el encuadre, pero después de todo, alguien tiene que hacer dibujos, ¿no? :) Tenga en cuenta que la niña está usando un trípode para pintar el paisaje, ¡y con razón! está bien, que sea un caballete ...

¿Y si no hay ningún lugar adonde volver?
¡Nada, ponlo ancho!

Catedral Smolny.
apertura f7, velocidad de obturación 1/320 seg, EGF 38 mm.

Por cierto, esta catedral no se filmó con una lente de desplazamiento especializada (que elimina las distorsiones de perspectiva al mover las lentes en paralelo al plano de la matriz), sino con el habitual ... compacto. El secreto de la imagen es simple: la distorsión y el ruido se eliminan en Photoshop :) El gran Rastrelli, que fundó la catedral en 1748, ni siquiera pensó que su creación podría ser pintada sin pincel y lienzo (y luego desfigurada en el editor) por cualquier pintor, nada. que no entiende ni pintura ni arquitectura :) Por qué ir lejos ... Así que miro esta Catedral Smolny y me pregunto: bueno, ¿qué clase de tipo dispara arquitectura así :-) ¡Esto es incomprensible para la mente!
La parte inferior del edificio está cortada, lo que no es aceptable para fotografía clásica arquitectura y, además, para su construcción. Bueno, hay que desfigurar la obra maestra del arquitecto ... Sinceramente, no fui yo quien sacó las fotos, ¡sino la cámara! ¡Rastrelli fue más fácil, gracias a Dios no tenía tan mal equipo fotográfico! :-)

¡Pussy riot y cosas por el estilo! Por favor, no profana museos, iglesias y catedrales. Los templos no deben verse como lugares de sacrificio a los dioses (que nadie ha visto), ni como un lugar para el comercio libre de impuestos, ni como un patio de recreo para su autopromoción "política" barata. Estos son lugares de interés histórico, creaciones arquitectónicas de grandes maestros y arquitectos del pasado. Estos edificios son nuestra cultura e historia rusa. ¡El museo no es un lugar para bailes, sexo y otras orgías destructivas! ¡No seas ganado, no ofendas mis sentimientos de una persona profundamente incrédula y otras personas cultas! Entiendo perfectamente qué es el desempeño y la libertad de expresión. Exactamente hasta que interfiera con los demás.

Ahora echemos un vistazo más de cerca a todos los aspectos de la fotografía de arquitectura.

De hecho, existen requisitos especiales para este género, especialmente en términos del llamado. Fotografía documental o clásica de arquitectura. Para empezar, comencemos con lo obvio: la fotografía debe estar elementalmente bien expuesta, el horizonte no debe quedar abrumado hacia un lado y el enfoque debe estar en un edificio, un templo, un monumento (es decir, en el tema de la fotografía) y no en un árbol frente a él.

Hay requisitos especiales en la reproducción exacta de la forma, el color del objeto y sus proporciones. Los edificios deben estar completamente en el marco, ¡no se permite cortar el techo o la aguja! La parte inferior del edificio también debe caer dentro del marco y, si no encaja, intente retroceder o busque un ángulo diferente. Es muy deseable que las personas, los anuncios y los automóviles estacionados cerca no estén incluidos en el marco (si es posible). ¡Nada debe distraer el tema principal de la fotografía! E incluso si no puede evitar esto, debe disparar para que el automóvil no bloquee una cuarta parte del edificio.

Lo mismo se aplica a peatones y espectadores ... Una persona que posa claramente frente a la lente en primer plano siempre distrae la atención, incluso si nada bloquea, porque para la fotografía clásica y, si se quiere, documental de arquitectura, esto es completamente inaceptable. ¿Por qué? Bueno, ahora estamos hablando del género de "arquitectura", y no de un retrato de cuerpo entero :-)

Como ya habrás notado, el autor de estas fotos no cumplió del todo (en un grado u otro) los requisitos de la arquitectura clásica documental, ya que gravita más hacia otros medios visuales, lo que no debería molestarte. Es posible atraer la atención del espectador hacia el tema principal del rodaje de varias formas, y de ninguna manera solo con la regla de los tercios, la proporción áurea y otras geometrías. Todo lo que necesita saber está dicho, y cómo lo usa, lo decidirá usted mismo.

La siguiente instantánea de la creación del arquitecto Auguste Montferrand - la Catedral de San Isaac - la cito como ejemplo de tal discrepancia con los requisitos enumerados, aunque imperceptible. Sin embargo, no hay errores. El follaje enmarca el templo e incluso dirige la mirada hacia él, se han resuelto los problemas creativos, la reproducción del color está en orden, con el problema de los espectadores (esforzarse no solo por entrar en el encuadre, sino también por oscurecerlo) fue radicalmente eliminado por el rifle de asalto Kalashnikov al elegir un punto de disparo determinado y una larga espera por un momento sin gente :-) Y los inconvenientes están en los árboles que cubren ligeramente la parte inferior del edificio y, en parte, la columnata, así como en una pequeña distorsión, pero Montferrand no tiene la culpa de esto :-) En términos de fotografía artística, no son inconvenientes, ¿sino el enfoque clásico del género de la arquitectura? Y sí, y no, y no del todo ... Y sacará una postal con vistas a la ciudad.

Petersburgo, Catedral de San Isaac.

Apertura f8, velocidad de obturación 1/250 seg, EGF 30 mm.

Por cierto, toda esta abundancia de iglesias atestigua el hecho de que bajo el régimen soviético no fueron demolidas en todas partes y deliberadamente debido al rechazo total de la religión, como ahora se acepta decir, sino por el contrario, se conservaron. Hubo rechazo, pero los templos permanecieron. Todas las obras maestras de la arquitectura se conservaron y guardaron en la URSS a expensas del estado, así como todo lo que era propiedad del estado. Y también los tesoros de los museos, aunque los medios de comunicación (el portavoz de la burguesía) gritan que los bolcheviques saquearon, robaron, destruyeron todo. Ve al Hermitage o al Museo Ruso, admira los resultados del saqueo y la destrucción.

El próximo paisaje urbano es realmente tal, porque se filmó en la ciudad, y el tema de la arquitectura de una forma u otra siempre está presente en este género. O debería estar presente :-) Aquí está la Catedral de Kazán en San Petersburgo (más precisamente, la vista de su ala desde la calle Kazanskaya), fue construida en 1801-1811 por un antiguo campesino siervo (!) Voronikhin Andrey Nikiforovich en el estilo del Imperio Ruso. No, no es un error tipográfico, no es un vampiro :-)

Al principio, este templo sirvió como una institución piadosa, luego un monumento a la gloria militar rusa, bajo el dominio soviético: un museo de la historia de la religión y el ateísmo con exhibiciones bastante maravillosas y terribles de los tiempos de la Inquisición (embudos a través de los cuales se vertía agua (o estaño fundido) en la boca de los herejes, "botas españolas" por aplastar los huesos de las piernas, iconos "llorosos" con tubos de cobre detrás de los ojos y otras exhibiciones históricamente interesantes sobre religión), que inmediatamente desapareció del templo después de que dejó de ser un museo y volvió a convertirse en una institución caritativa: primero, un museo conjunto y una institución religiosa, y , finalmente, una estructura que finalmente ha desaparecido de la vida mundana.

Pero no para la fotografía de arquitectura :-) Las exhibiciones se perdieron, pero el templo permaneció ... El suave sol de la tarde a menudo crea una iluminación con un esquema de color que beneficiará tanto a la fotografía de aspecto más común como a la magnífica creación de los arquitectos.

El ala izquierda de la Catedral de Kazán.
Es correcto, si miras desde Nevsky Prospect :-)

30.

Gran angular, apertura f8, velocidad de obturación 1/180 seg, EGF 24 mm.

Con todas las ventajas, las desventajas de una foto en este género son obvias: no es adecuada para la arquitectura documental por varias razones (¡puede encontrarla usted mismo!), Pero será suficiente para un buen paisaje urbano. Por Dios, el autor hizo todo lo posible, destacó el tema principal de la fotografía con luz y color, y ocultó todo lo innecesario en la sombra para enfatizar los elementos de la arquitectura. Puedes tirarme una piedra, pero no me atreví a llamar a una grúa :-) ¡Adelante, lo harás mejor!

Errores típicos

A continuación se muestra otra muestra sobre cómo fotografiar correctamente un paisaje. O más bien, qué equivocado es: el horizonte está abrumado (la línea del horizonte no es paralela a la línea del marco), hay otras desventajas: el deslumbramiento, que es especialmente visible en la imagen ampliada. La obstrucción del horizonte estropea el panorama, es de mal gusto. Un matrimonio técnico obvio está irremediablemente en armonía con un matrimonio creativo: ¿qué, de hecho, se representa? ¿Qué quería mostrar el autor, qué soñaba transmitir al espectador?
¿La belleza de la naturaleza? ¿Una obra maestra arquitectónica? ¿Un revoltijo de ideas?
Hmm ... No solo se trata del paisaje nocturno :)

El horizonte está lleno

31.

Consideremos otro defecto llamado "cielo sobreexpuesto", veremos un ejemplo a continuación. Mucha gente también llama a esta cosa terriblemente fea el "pequeño rango dinámico de la cámara". O una latitud fotográfica estrecha :) Se cree que el rango dinámico es una desventaja cámaras digitales a diferencia de la película. De hecho, la película tampoco puede transmitir bien los detalles, tanto en las sombras de la trama como en las iluminadas. Tal vergüenza ocurre generalmente con luz solar brillante debido al alto contraste de las áreas oscuras y claras de la imagen. Y ahora el cielo azul real se ve completamente descolorido en la imagen con un primer plano bien expuesto. O, por el contrario, el cielo está bien trabajado y el primer plano de abajo es completamente oscuro, no se ven detalles. O viceversa :) ¡Pero realmente quieres un cielo azul, un sol brillante y pasto verde a la sombra!

Por eso no se aconseja disparar al mediodía, cuando el sol está en su cenit y es especialmente brillante. Algunas personas intentan extraer los detalles que faltan en Photoshop, alegando que esto se puede hacer sin problemas desde un archivo RAW, a diferencia de jpg ... De hecho, la paciencia y el trabajo en Photoshop lo triturarán todo, sin embargo, es mejor resolver el problema ANTES y no después. Porque cualquier editor gráfico es algo en el que un principiante puede hacer fácil y fácilmente una mala con una buena foto, pero por el contrario, incluso con dificultad, no siempre funcionará :)

Foto # 32: El cielo está completamente sobreexpuesto ... Foto # 33: Cómo fotografiar un paisaje correctamente.

32. 33.

Foto # 32. No hay detalles en el cielo, todo se apaga. De hecho, el rango dinámico bajo puede ser la causa principal ... Pero ignoré esta idea infructuosa y simplemente acorté la velocidad de obturación de 1/180 a 1/750 seg. Sin cambiar la apertura, y obtuve el disparo n. ° 33. ¡El rango dinámico bajo de repente se volvió increíblemente grande! :)

Esto se puede hacer incluso automáticamente: midiendo la exposición en el cielo y no en áreas de sombra, y dispara. Apunta al cielo, resultó el cielo. Lo medimos al revés, resultó al revés :) Rápido, simple y enojado. La desventaja de esta santa simplicidad es obvia y radica en el hecho de que estás fotografiando el cielo o la tierra en áreas sombreadas. :) Pero incluso aquí puedes hacer trampa resaltando el primer plano en la oscuridad con un flash. En tales casos, debe encenderse a la fuerza, incluso si la máquina de cámara contundente piensa lo contrario. Por supuesto, el primer plano debe ser (y en fotografías de principiantes generalmente no lo es), y no solo debe ser, sino estar dentro de los 3-4 metros, de lo contrario, es posible que un destello débil no lo alcance. Y no más cerca de un metro y medio, para no sobreexponer los detalles cercanos ... Además, no intente iluminar la Torre Eiffel con un flash contra el fondo del paisaje de la ciudad, definitivamente no encajará :)

Segunda vía. Puede tomar una medida en la parte clara del marco, recordarla y tomar una medida en la zona oscura. Antes de eso, el modo automático se puede utilizar como fotómetro de exposición, es decir, primero averigua la opinión del autómata (para establecer la exposición inicial), y luego experimenta. Aquí debe colocar el control manual y, sin cambiar la apertura, establecer la velocidad de obturación promedio, entre las partes oscuras y claras de las mediciones. Luego, apunte la cámara hacia donde desee (no solo el cielo o un área oscura) y tome una foto. Es conveniente que la cámara tenga una función "recordar la exposición" para no atormentar la RAM de tu cerebro. En este caso, apunte la cámara al punto deseado y tome una fotografía sin cambiar al modo manual.

Hay otras formas, por ejemplo, horquillado de exposición (también conocido como horquilla o horquilla automática): obtienes 3 imágenes con diferentes exposiciones: más oscura, normal, más clara. Luego elija la mejor :) Además, muchas cámaras tienen una función de compensación de exposición: - / + (más oscuro / más claro). A veces se le llama compensación. No está fuera de lugar leer las instrucciones de su propia cámara: ya sea para girar el volante, presionar un botón o hurgar en el menú.

En general, puede haber muchas funciones, y el control manual lo reemplaza todo: basta con hacer clic en varias tomas con la misma apertura y diferentes velocidades de obturación.

A veces es más fácil que hurgar en el menú, recordando dolorosamente: ¿a dónde fue este horquillado ... O tal vez se llama horquilla de automóvil? ¿O tal vez no está en el menú, sino en los botones? ¿Es mejor utilizar la compensación de exposición? ¿O la compensación se llama corrección en las instrucciones? ¿O estoy buscando en el lugar equivocado, o tal vez olvidé algo? ¡Diablo!
¡Cien mil demonios, infierno, diablo e infierno! ¡Maldito día satánico tres veces y para siempre cuando compré esta infernal aspiradora digital en la tienda del diablo! Arde con fuego azul en un ataúd de madera. ¡Instrucción canina en turco-chino!

Para facilitar las cosas, muchas cosas (no solo el horquillado) son más fáciles de hacer con la velocidad de obturación y la apertura. A veces me parece que las cámaras modernas están completamente desbordadas de funciones duplicadoras (y por lo tanto sin sentido) que complican increíblemente el menú, el trabajo con la cámara y el proceso de aprendizaje ... ¡Olvídate de todo! De hecho, las siguientes cosas deben aprenderse bien en la cámara: distancia focal, velocidad de obturación, apertura, sensibilidad a la luz, enfoque, flash... Aunque estas cosas se han mejorado, no han cambiado fundamentalmente durante muchas décadas, por ejemplo, apareció el enfoque automático, pero nadie canceló el enfoque manual y, a veces, no puede prescindir de él en absoluto. No tortures la cámara, dispara con prioridad de apertura y / o control manual. Y todo lo demás, desde el tipo astuto con cuernos ...

Sin embargo, sucede que el estrecho rango dinámico de la cámara todavía interfiere con la simple felicidad humana. Para lograr un buen resultado con un cielo "malo", puede atornillar un buen filtro ND de gradiente en la lente, un vidrio de medio color que deja entrar la mitad de luz menos. Hay otros filtros, por ejemplo, polarizador, ultravioleta, gris neutro (se puede utilizar para otras tareas). El filtro de luz en sí es "malo" porque cuesta dinero extra, malo porque los filtros baratos pueden degradar la nitidez, mientras que los costosos son más caros :), y además, es adecuado solo para lentes con el diámetro requerido, en los que se proporciona un hilo para filtros. Esto significa que la mayoría de los compactos (como es el caso de RAW) pasan volando, porque no tienen hilo ni RAW ... No estoy hablando de jaboneras, en las que no hay ningún ajuste manual para disparar. Los propietarios de estas cámaras resuelven el problema de 5 formas:

También puede estar satisfecho con el resultado de diferentes formas. Cuando nada funciona, debe decidir qué es más importante: lugares claros u oscuros. O mejor dicho, elige el tema principal de la fotografía e intenta medirlo. Si el sujeto es pequeño, en las cámaras avanzadas, puede utilizar la "medición puntual". Si tiene una jabonera y tales funciones están ausentes como clase, y el objeto está en la parte ligera, confiamos en la automatización. Si está en la oscuridad, puede resaltarlo con un flash para resolver los detalles en las sombras. Sin embargo, en la fotografía de paisajes, desea fotografiar todo, ¡y el sujeto principal simplemente puede estar ausente! Entonces te aconsejo que lo encuentres, o vuelvas a leer los párrafos 1 a 5 :) ¡Ahora entiendes por qué es tan malo cuando el ojo no tiene nada que captar en el paisaje!

No recomendaría a los principiantes que corran inmediatamente a la tienda y compren filtros de luz para todas las ocasiones. En primer lugar, hay muchas sutilezas para trabajar con filtros y, en segundo lugar, es necesario poder usar filtros, entendiendo definitivamente cómo, por qué y por qué, de lo contrario, gastando dinero no obtendrá el resultado que buscaba. Debe llegar a esto casi de la misma manera que llegó a la conclusión de que solo necesita una cámara SLR, no una compacta. O viceversa :) Lo único que se puede recomendar incondicionalmente es un filtro protector simple y económico que protegerá la lente del polvo, suciedad, salpicaduras y daños mecánicos. Puede elegirlo de acuerdo con el siguiente principio: cuanto más costosa sea la lente, más justificada será la compra del filtro.

Bueno, en realidad, eso es todo por ahora, pero el tema "cómo fotografiar un paisaje", por supuesto, no se agota con esto. Más bien, es información breve sobre qué y cómo puede disparar con ópticas económicas. Cuando haya preparado los siguientes materiales, los publicaré en el sitio.

¡Felices tiros!

El verano es la temporada para filmar al aire libre. Muchos salen a hacer caminatas fotográficas para hacer hermosos retratos en escena. Pero, ¿cómo se pasa de crear tomas casuales de todos los días a retratos conscientes?

Este artículo trata sobre la toma de un retrato en escena: uno en el que una persona posa para ti. Pero la mayoría de los consejos dados se pueden utilizar al realizar tomas de reportajes, sin puesta en escena.

¿Donde empezar?

Por supuesto, el mejor lugar para comenzar es planificar su rodaje.

Ponte de acuerdo con la persona a la que quieres disparar. Si una persona es interesante y agradable para ti, el rodaje será cómodo. Veamos qué problemas se deben discutir con el modelo de antemano.

Concepto de fotografía... Habla con la modelo sobre qué tipo de imagen quieres mostrar en la foto (por ejemplo, romántica o fabulosa). Piense en el carácter del modelo.

Lugar de rodaje... La selección de una ubicación (una palabra de la jerga de la ubicación en inglés, el lugar donde se lleva a cabo el rodaje) debe tratarse con especial atención. Después de todo, la ubicación en la que está filmando puede ayudar a revelar el tema de las fotos, la imagen y el carácter del modelo.

Especialmente notamos que la ubicación seleccionada debe cumplir con una serie de criterios. Por ejemplo, no debería prohibirse la filmación. Es recomendable elegir un momento en el que haya el menor número de transeúntes en el lugar previsto para el rodaje. Los buenos lugares para las sesiones de fotos serán parques, fincas (abiertas al público), calles en el centro de la ciudad.

Muchos fotógrafos seleccionan deliberadamente lugares "secretos" para filmar, aquellos que no son conocidos por otros fotógrafos. En nuestras lecciones, ya hemos abordado el tema de elegir lugares para disparar más de una vez. Los programas también ayudan en la búsqueda; con la ayuda de ellos podemos averiguar cómo es un lugar en particular sin tener que ir allí. Antes de disparar, se recomienda que realice usted mismo un estudio del área.

Elija lugares que sean fáciles y convenientes de alcanzar.

• Estamos de acuerdo con el modelo... Acuerde inmediatamente con el modelo el momento y el procedimiento para recibir fotos (incluso si el modelo es su amigo cercano).

Es difícil predecir la cantidad de fotos terminadas. Todo depende de las circunstancias: la suerte que tenga con la ubicación y el clima, la fluidez con la que pueda trabajar con el modelo. Es difícil hablar sobre algunas reglas generales, pero la mayoría de las veces acuerdan entre 10 y 20 fotogramas procesados \u200b\u200bde una sesión de fotos, mientras que el plazo no supera un mes.

Todas las tomas de la toma (fuente) generalmente no se dan a los modelos, porque el autor debe participar en la selección de las mejores fotos. Elegir las mejores tomas es una habilidad tan difícil como fotografiar. La capacidad de seleccionar fotos debe mejorarse de la misma manera que su visión creativa.

Cuando se habla de un rodaje futuro, lo más importante es establecer contacto con la modelo. Es un buen contacto psicológico con tu personaje que te permitirá realizar fotografías expresivas.

• ¿Cuándo debería cobrar dinero por filmar? Por supuesto, solo tú tomas la decisión. Describiré mi opinión sobre este asunto. El dinero del rodaje lo toma un especialista que presta servicios a una persona con menos experiencia. Digamos que eres un fotógrafo profesional y tu modelo es solo una chica de la puerta de al lado, que no tiene nada que ver con la fotografía. Entonces no tendrás que crear con él, sino trabajar. Y toman dinero por el trabajo. Si su experiencia en fotografía es la misma que la de su modelo, entonces es muy posible negociar los términos de TFP (Time For Prints).

Los términos indicados por la abreviatura TFP implican no solo tiro "libre", sino el trabajo conjunto de dos especialistas iguales para obtener un resultado de alta calidad. Si no se gana la vida con la fotografía, le recomiendo que se limite a fotografiar personas interesantes y agradables en el TFP; no solo obtendrá placer, sino también tomas realmente buenas.

• ¿A qué hora del día es mejor tomar fotografías? Al fotografiar en exteriores, solo podemos controlar la iluminación de forma muy limitada (utilizando flashes y un reflector). Para crear hermosas tomas, debe adaptarse no a sus circunstancias, sino al modo de luz solar.

Es mejor tomar fotografías durante el horario habitual: por la mañana o por la noche; cuando el Sol está bajo sobre el horizonte y da una espectacular iluminación volumétrica. Pero la tarde soleada no es el mejor momento para disparar. La modelo entrecerrará los ojos, aparecerán sombras oscuras y duras en su rostro, y la iluminación en sí en el marco se verá apagada y plana. Los días nublados son buenos para los retratos. Cuando el cielo está cubierto de nubes, puede tomar fotografías durante todo el día; la luz será difusa y agradable a la vista.

¿Qué tipo de equipo de fotografía se necesita?

La fotografía de retrato es buena porque requiere un mínimo de equipo fotográfico. Basta con tener una cámara DSLR y una lente rápida.

¿Por qué se necesita una DSLR? Es muy fácil de operar y cómodo de sostener en la mano. Y, por supuesto, tiene una matriz de gran tamaño, que proporcionará no solo una excelente calidad de imagen, sino que también desenfocará maravillosamente el fondo de la imagen. Los espejos APS-C (recortados) son asequibles y fáciles de operar. Estos incluyen Nikon D3200, Nikon D3300, Nikon D5300, Nikon D5500. Las cámaras con sensores de fotograma completo son más caras y están diseñadas para usuarios avanzados. Esta clase incluye los modelos Nikon D610, Nikon D750, Nikon D810, Nikon Df.

Todas las cámaras SLR tienen lentes intercambiables. Es importante elegir la óptica adecuada para realizar retratos. Por supuesto, puede comenzar con una lente de "ballena" universal. Pero muchos fotógrafos están cambiando rápidamente a ópticas más especializadas. Esto incluye principalmente lentes de focal fija de alta apertura. La opción clásica para retratos es una lente de 50 mm (como la Nikon AF-S 50 mm f / 1.8G Nikkor). Es relativamente económico, es conveniente usarlo en cámaras recortadas y de fotograma completo. Si desea tomar retratos de longitud completa con parte del paisaje incluido en el encuadre, es mejor elegir una lente de ángulo más amplio con una distancia focal de 28 (para "recortar") o 35 mm (para un cuadro completo).

NIKON D810 / 35.0 mm f / 1.4 AJUSTES: ISO 64, F1.4, 1/200 s, 35.0 mm equiv.

Tenga en cuenta que al disparar a corta distancia, tales lentes distorsionarán las proporciones de la cara y el cuerpo de una persona.

Los objetivos con una distancia focal de 85 mm se consideran objetivos clásicos para retratos (por ejemplo, Nikon AF-S 85 mm f / 1.8G Nikkor). Pero son más adecuados para cámaras de fotograma completo, y en el "recorte" "acercarán" demasiado.

Todo, excepto la cámara y el objetivo, es opcional y depende de las ideas creativas y el estilo de disparo del autor.

NIKON D810 / 50.0 mm f / 1.4 AJUSTES: ISO 31, F1.4, 1/320 s, 50.0 mm equiv.

La fotografía de retrato se suele tomar en diafragmas abiertos - por lo que resulta difuminar el fondo, separando a nuestro héroe de él. Además, con una apertura abierta, podrá realizar mejores tomas en condiciones de poca luz. La apertura se ajusta convenientemente en los modos A y M.

¿Cómo oscurecer o aclarar el marco? Utilice compensación de exposición. Esta es la forma más sencilla de cambiar correctamente el brillo de las fotos resultantes.

Aprenda a enfocar con precisión... Esto es especialmente importante cuando se trabaja con ópticas de alta apertura. Si los valores de apertura son F1.4 - F2.8, es muy fácil perder el enfoque. Como resultado, la cara de tu personaje se verá borrosa. Aprenda cómo se seleccionan los puntos de enfoque en su cámara. Con la óptica de alta apertura, es conveniente trabajar en el modo de enfoque de un solo punto, enfocando los ojos del sujeto.

También es necesario controlar la exposición. Si la exposición es demasiado larga, el modelo se “manchará” por sus propios movimientos y aparecerá un “temblor” en la foto. Lo mejor tomar fotografías con velocidades de obturación inferiores a 1/125 s, esto asegurará contra fuertes manchas de imagen. Si dispara con un teleobjetivo, o su personaje está en constante movimiento (corriendo, saltando), es mejor utilizar una velocidad de obturación superior a 1/250 s.

Los retratos a menudo también implican el procesamiento de fotografías. Esto puede ser tan simple como una corrección del balance de blancos y el retoque de imágenes, la eliminación de defectos de la piel y una seria corrección de color. Por tanto, es deseable fotografía en formato RAWpara tener más libertad creativa al procesar.

¿Desde qué distancia debo fotografiar un retrato? Mantenga una distancia para que las proporciones de la cara y el cuerpo de la persona no se distorsionen en el marco. Tomar fotografías es lo mejor desde una distancia de al menos 2-3 metros... La cercanía del plan se puede cambiar eligiendo la distancia focal.

Muchos fotógrafos son fanáticos de los fondos bellamente borrosos (bokeh) y el "patrón de lente único". Pero debes recordar que el personaje principal en el cuadro es una persona. Preste menos atención a los tecnicismos y más tiempo para trabajar con el modelo y el sujeto de la toma. Este es el camino hacia la fotografía expresiva. Se pueden hacer hermosos retratos incluso con la técnica más simple, si se acerca a disparar con alma.

Si decide utilizar lentes de enfoque manual, tenga en cuenta que será extremadamente difícil enfocar con precisión con ellos. Si el modelo está relativamente estacionario, puede enfocar a través de la pantalla Vista en vivo. Disparar a través de él (con aumento) le permitirá enfocar con mayor precisión.

NIKON D810 / 50.0 mm f / 1.4 AJUSTES: ISO 100, F2.8, 1/320 s, 50.0 mm equiv.

Hay una gran variedad de enfoques y estilos de fotografía de retratos en escena. Recientemente tuvimos un tutorial con consejos creativos básicos para aspirantes a fotógrafos. Estos consejos son bastante relevantes para la fotografía de retratos. Y aquí hay otros consejos útiles para crear retratos expresivos:

Un fotógrafo de retratos debería ser capaz de ganarse a las personas, interesarlas, inspirarlas. Si existe un entendimiento mutuo entre el fotógrafo y su héroe, será posible hacer muchas buenas tomas durante la sesión de fotos.

Explique la esencia de los marcos al modelo, dígales lo que quiere ver en la foto. No es posible con palabras: muestre con su ejemplo, haga bocetos en papel, sugiera una matriz asociativa. Quizás recuerde una imagen adecuada de una película o libro famoso. Poder explicar tus intenciones es una habilidad importante para un fotógrafo. Por supuesto, para poder hacer esto, primero tendrás que pensar detenidamente en la esencia de lo que estás fotografiando.

Es bueno cuando el resultado de la fotografía de retrato no es un cuadro, sino una pequeña serie de imágenes, unidas por una idea, una historia y un estilo comunes.

La producción no niega la vida y las emociones en el marco. Solo define la trama en la que vive nuestro héroe. Habla con la modelo, intenta evocar las emociones necesarias en ella. Proporcionar poses claras y bien definidas para disparar no es la mejor opción. Lo más probable es que, con este enfoque, el modelo de la imagen se apriete.

NIKON D810 / 85.0 mm f / 1.4 INSTALACIÓN: ISO 900, F1.4, 1/160 s, 85.0 mm equiv.

Un consejo similar para fotografiar niños: no espere que los niños se arreglen como muñecos. Crea una trama, un esquema general del rodaje y combínalo con un juego de niños para hacerlos interesantes. Juega, comunícate con tu hijo. Elija accesorios divertidos para la sesión de fotos: ropa interesante, juguetes, etc.

Busque iluminación lateral difusa. Si el rodaje se realiza durante horas normales, puede probar la iluminación de fondo.

• Serie fotos de retrato (conjunto de fotos) se puede complementar con otras imágenes interesantes, por ejemplo, tomar una foto de las manos del modelo.

NIKON D810 / 35.0 mm f / 1.4 AJUSTES: ISO 64, F1.4, 1/400 s, 35.0 mm equiv.

¡Alabado sea el modelo! No olvide celebrar sus acciones exitosas. Señale lo que le gusta. Esto te ayudará a encontrar contacto, liberar a tu héroe. Si algo no sale como pretendías, entonces es mejor no reprochar, sino hablar de manera amigable sobre tu visión del marco.

Utilice reglas de diseño básicas. Componga el marco de acuerdo con la regla de los tercios, no “corte” las extremidades de su héroe en las articulaciones, deje más espacio en la dirección de la mirada del modelo. Por supuesto, estas reglas pueden y deben romperse a veces. Pero es importante entender que las reglas son efectivamente violadas por alguien que las conoce y las entiende bien.

Se cree que es más beneficioso fotografiar a una persona a la altura de los ojos (sí, al fotografiar a niños, deberá sentarse). Deje que este sea el punto de partida para usted al elegir un ángulo. Es importante tener en cuenta que los rostros de las personas son diferentes, por lo que en cada caso, el punto de disparo se puede tomar más bajo o más alto.

NIKON D810 / 85.0 mm f / 1.4 AJUSTES: ISO 31, F1.4, 1/320 s, 85.0 mm equiv.

Consejo tradicional: ¡no tengas miedo de experimentar! Todos los buenos fotógrafos tardaron mucho en crear su propio estilo de fotografía. Piense creativamente, ¡pero no se olvide de la teoría! Y ciertamente lo lograrás.