Me pidieron que escribiera sobre el volumen en fotografía y cumplo con esta solicitud. De hecho, este artículo debería aparecer uno de los primeros en mi blog, pero espero que me agradezcan que exista, por la sencilla razón de que no he encontrado ni un solo artículo sensato sobre el tema de la transferencia de volumen en el Internet en ruso en fotografía.

En diversos foros fotográficos “se han roto muchas copias” sobre el tema del volumen en la fotografía. Algunos dicen que una lente transmite volumen, otros dicen que otra lente transmite volumen. Anteriormente, no toqué parcialmente este tema para no sorprender a los fotógrafos novatos.

Entonces, comencemos con el hecho de que la tarea de transmitir volumen en fotografía no se resuelve con una lente.

Dispositivo de visión humana

Para hacer esto, necesitamos entender cómo una persona en general (y se supone que el espectador es una persona) ve los objetos tridimensionales, la naturaleza de la visión humana.

En la naturaleza existen diferentes dispositivos oculares, pero por ahora consideraremos solo los mamíferos.
Dividámoslos condicionalmente en depredadores y herbívoros.

Estos dos tipos de mamíferos tienen una gran diferencia en términos de visión: los depredadores ven una imagen mucho más voluminosa que los herbívoros. Esto sucede por la sencilla razón de que los ojos de los depredadores están ubicados al frente y los de los herbívoros, a los lados de la cabeza.

¿Cuál es la diferencia en la imagen en términos de transferencia de volumen con diferentes posiciones de los ojos?

campo de visión humano

campo de visión de la liebre

campo de visión del caballo

Los diagramas muestran que las imágenes de diferentes ojos se superponen más en una persona. Y en términos de visión, una persona está más cerca de los depredadores, quienes también tienen una visión binocular efectiva y le permiten determinar con precisión la distancia hasta el salto. Aquellos. las imágenes de los ojos izquierdo y derecho son bastante diferentes (cuanto más diferentes, más separados están los ojos. Puede comprobarlo fácilmente colocando el dedo cerca de la nariz y cerrando alternativamente los ojos izquierdo y derecho; la imagen del dedo se desplazará hacia la izquierda y hacia la derecha). derecha) y al cruzar estas áreas, la imagen en ellas se vuelve tridimensional.

Pero la misma liebre, aunque ve casi 360 grados, ve dos imágenes planas separadas. No ve el volumen y se ve obligado a utilizar otros medios para determinar la distancia al objeto y su forma.

¿Qué tipo de imagen da la lente?

Es importante entender aquí que no importa qué lente sea, siempre produce una imagen plana. Por la sencilla razón de que una lente es un conjunto de lentes en un plano y, en principio, no puede proporcionar un verdadero 3D. Podría proporcionar 3D si hubiera dos lentes y la imagen se grabara en 2 matrices o se codificara de manera inteligente en una. Así es como se graban las películas en 3D: utilizando dos lentes separadas por una distancia corta.

Mis pensamientos
Pero la lente todavía tiene una característica: su tamaño pequeño. El punto nuevamente es la estructura del ojo humano. No miramos con la misma atención con todos nuestros ojos. La resolución del ojo en los bordes es mucho menor que en el centro. Por lo tanto, las imágenes con una pequeña profundidad de campo nos parecen objetos tridimensionales acercados a nuestros ojos.

Cómo mirar las fotos correctamente

Te sorprenderás ahora, pero pocas personas miran las fotografías correctamente.

Se trata de nuestra visión binocular. La fotografía es algo plano. Nuestro cerebro recibe información de ambos ojos y crea una imagen tridimensional. En consecuencia, si miramos con ambos ojos, compara las imágenes y concluye que ¡la foto es plana!

¿Qué hay que hacer para que la foto luzca más voluminosa?

Necesitas engañar a tu cerebro. Para ello, necesitamos apagar la binocularidad de nuestra visión cerrando un ojo. Una foto bien tomada parecerá inmediatamente mucho más tridimensional. Esto, por supuesto, no es mi idea, pero todos los historiadores del arte y los físicos lo saben. Además, se recomienda mirar a través de un tubo o, más simplemente, a través de un tubo del propio puño, cortando los objetos externos que afectan nuestra percepción de la imagen.

El siguiente punto es el ángulo desde el que se tomó la foto. Nuestro cerebro expone falsificaciones de volumen, estimando cómo debería verse realmente la imagen desde un ángulo determinado. Esto significa que debe mirar desde el mismo ángulo desde el que miraba la cámara en el momento de disparar.

Ilusiones de volumen

En definitiva, si no hablamos de fotografía 3D, estamos ante la ilusión de volumen en una fotografía, y no del volumen en sí. Esta ilusión debe crearse de alguna manera.

Volumen de un objeto en fotografía de producto.

Los artistas utilizan para ello la siguiente fórmula: resaltado, luz, semitono, sombra propia, reflejo, sombra que cae.

Actualización: 16/11/2013

Estaba fotografiando estos huevos de dragón para una galería de arte y decidí que serían perfectos para ilustrar.

Luego sacaré mi bola y mi cubo y los reemplazaré. Simplemente no tengo tiempo.

Actualización: 16/11/2013

No lo dibujé, pero sí encontré una de las composiciones que rodé para un taller de joyería, con un paralelepípedo rectangular en la base.

Luz- esta es el área de la superficie de un objeto que recibe el mayor flujo de rayos de luz directos.
Semitono- un área de la superficie de un objeto iluminada por rayos de luz deslizantes. Un semitono se divide en un semitono de luz y un semitono de sombra.
Sombra(propia sombra): una sección de la superficie de un objeto donde no caen los rayos de luz directos y deslizantes. Esta es el área más oscura de la superficie de un objeto.
Blik– ocurre en superficies brillantes o barnizadas, más a menudo en zonas de luz.
Reflejo- una sección de la superficie de sombra de un objeto que recibe una corriente de rayos de luz reflejados de los objetos circundantes o de la superficie en la que se encuentra el objeto.

Todo esto es totalmente aplicable a la fotografía, si hablamos de fotografía de producto.

¿Cuál es la diferencia entre izquierda y derecha, además del fondo?
¿Qué foto parece más voluminosa y por qué?

Piénsalo.

Respuesta: Es sencillo. La foto de la izquierda tiene menos características de volumen de la lista anterior que la de la derecha.

Esto significa que para darle volumen a una foto, debes intentar reproducir tantas características de volumen como sea posible.

¿Permitir que el sujeto tenga una sombra o quedarse sin sombra?
¿El objeto tendrá reflejos o hará que la superficie sea mate?
¿Habrá sombras profundas o las resaltará?
¿Habrá medios tonos o habrá un fuerte contraste?

El fotógrafo responde a todas estas preguntas, guiado por las especificaciones y el deseo de dar volumen al objeto, porque es el fotógrafo quien controla las fuentes de luz en la fotografía del sujeto.

Si conoce estos principios, casi cualquier objeto se puede simplificar a bolas y cubos y luego trabajar en su volumen utilizando reflectores.

Puntos importantes

Entre otras cosas, hay un punto más que aporta volumen. Dividir una imagen en planos: anverso y reverso, así como cuando un objeto oscurece a otro. Más perspectiva geométrica.

Como puede ver, en este caso no actuamos sobre los ojos, sino sobre el cerebro, creando la ilusión de volumen.

Volumen de un objeto en fotografía de paisaje.

La fotografía de paisajes se diferencia de la fotografía de sujetos en que no controlamos las fuentes de luz. Sólo nos queda elegir el ángulo, el momento y el lugar de rodaje adecuados para crear la iluminación que necesitamos.

Algunos parámetros de transferencia de volumen en fotografía de paisaje Todavía tenemos un control limitado.

perspectiva lineal

Si sales y miras a lo lejos, puedes observar los siguientes fenómenos:

El ancho de la calle parecerá cada vez menor a medida que se aleja del observador, a pesar de que en realidad el ancho de la calle es el mismo en toda su longitud;
- las farolas y las eléctricas, al tener el mismo tamaño, aparecerán cada vez más pequeñas a medida que se alejan;
- del mismo modo, los edificios parecerán más pequeños cuanto más alejados estén del observador;
- Los raíles del tranvía, al ser paralelos, se perciben como líneas que se cruzan en la distancia.

Fenómenos similares de reducción prospectiva se pueden observar en todas partes. Vemos cada objeto que vemos no como lo conocemos, sino siempre en una perspectiva distorsionada.

distorsión de perspectiva

Un ejemplo de perspectiva lineal en la foto.(Todos los objetos, como ya hemos dicho, están distorsionados, pero aquí llama la atención la perspectiva lineal).

Perspectiva aérea

Al elegir una ubicación y un ángulo de disparo, vale la pena considerar qué estará en primer plano de la foto y qué estará en el fondo.
Los planos pueden diferir en brillo o nitidez. Entonces, nuestro cerebro está acostumbrado a que el primer plano sea más nítido y el fondo parezca nebuloso. Se llama .

Los artistas lo utilizan activamente.
En general, los artistas fueron los primeros en descubrir todas las formas de crear la ilusión de volumen.

Ejemplos de perspectiva aérea en la foto.

ejemplo de perspectiva aérea

Perspectiva tonal

Entre otras cosas, quiero llamar su atención sobre los tonos cálidos y fríos de las pinturas. Seguramente habrás visto fotografías modernas entintadas, en las que las sombras adquieren tonos fríos y las luces, tonos cálidos. Ahora ya sabes que esto se inventó hace mucho tiempo :)

Los objetos más cercanos en un cuadro suelen representarse en tonos cálidos o naturales, y los objetos lejanos en tonos azulados. Así los vemos en la vida porque... Vemos objetos distantes a través de una gruesa capa de aire, que a su vez suele tener un color azul (apenas visible en bajas densidades).

Ejemplos de perspectiva tonal en la foto.

Características fisiológicas de la visión humana.

Entre otras cosas, hay un pequeño truco que utilizan los artistas, ya que conocen las peculiaridades de la visión de una persona, cómo mira una imagen. Una de las características es la conexión en nuestro cerebro entre la necesidad de mover la mirada y el tamaño del objeto. Si el ojo se ve obligado a moverse sobre un objeto, significa que el objeto está alejado del primer plano o es grande.

Por ejemplo, puedes dibujar líneas diagonales que una persona seguirá inconscientemente con la mirada y creará una sensación adicional de perspectiva. Entre otras cosas, si los objetos distantes siguen las reglas de la perspectiva geométrica, la sensación será más completa.

¿Qué herramientas teníamos para crear la ilusión de volumen en una foto de paisaje?

1. Objetos en primer plano y fondo (dividiendo la imagen en planos)
2. Perspectiva aérea (los objetos lejanos pierden claridad)
3. Tonificar con tonos cálidos y fríos (perspectiva tonal)
4. Perspectiva lineal (Cuanto más lejos está un objeto, más pequeño es)
5. Diagonales (hacen que el ojo se mueva a lo largo de la línea y crean la sensación de un objeto grande)

Sin embargo, mucho.

También puedes agregarlo para resaltar objetos en primer plano.

No he descubierto América aquí y los artistas seguramente podrán complementarme o corregirme significativamente.

Hay mucho más que se puede escribir en este artículo, pero lo publicaré en la forma en que está ahora, porque será extremadamente difícil escribirlo hasta el final. Muchos objetos, muchas situaciones...

Lo principal es que en RuNet no hay ningún artículo sobre fotografía con estas sencillas reglas. Seré un pionero.

Sus comentarios, preguntas y correcciones son bienvenidos.

ACTUALIZACIÓN: 15/07/2013

Stanislav amablemente nos facilitó esta foto porque le parecía que tenía un “efecto 3D”. Estuve de acuerdo con él.

Ahora mire atentamente la foto para ver qué signos de volumen ve (después de todo, esto no es 3D, sino una ilusión 3D).

1. Lo primero que llama la atención es la abundancia de objetos en diferentes planos. En primer plano hay flores. Detrás de ellos, al borde del estanque, hay un árbol (2 piezas). Más allá de los árboles, como es fácil de adivinar, se encuentra la base de la Torre Eiffel. Y al fondo hay casas.

Plano (del latín planum - plano): zonas espaciales de diferentes distancias, que generalmente corresponden a las partes más significativas o notables de la imagen y que tienen el significado de los principales puntos de referencia al transmitir profundidad en un plano (especialmente en paisajes). Hay planos primero (primer plano), segundo (medio), fondo (distante), que, según el esquema paisajístico clásico, corresponden a tonos marrones, verdes y azules.

2. La base de la torre obliga a nuestra vista a deslizarse en diagonal hacia arriba a lo largo de los soportes.
3. También hay cierta perspectiva geométrica en la imagen (la base de la torre está claramente distorsionada en sus proporciones).
4. Tenemos flores rojas en primer plano y un cielo azul y blanco al fondo.
5. Un hecho importante es que en la imagen los árboles en algunos lugares oscurecen la base de la torre (lo que significa que están ubicados más cerca del espectador que la base de la torre). Las flores oscurecen el estanque y el soporte lejano de la torre se alza detrás de las casas al fondo. Aquellos. la base de la torre conecta el medio y el fondo.

Bibliografía:

"Física entretenida" de Perelman, libro 1 y libro 2
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Una fotografía impresa o vista en la pantalla de una computadora es una imagen plana y bidimensional, pero el mundo es tridimensional, y el problema de transmitir el volumen de un mundo tridimensional en un plano unidimensional ha preocupado a los fotógrafos. durante más de 100 años, y los artistas han estado resolviendo este problema durante cientos de años. Pero los artistas pueden añadir lo que quieran a sus creaciones, pero los fotógrafos sólo utilizamos lo que podemos ver. Sin embargo, tanto nosotros como los artistas tenemos el mismo conjunto de “herramientas”: perspectiva lineal, perspectiva tonal y de escala, así como la presencia de desenfoque en la imagen, es decir, profundidad de campo.

Traducido de en Inglés tomar una foto parece "tomar una foto", que literalmente significa "tomar una foto", ¡no hacer, sino tomar! Es muy sutil. Porque nosotros, los fotógrafos, tomamos lo que vemos y dejamos su huella en nuestra película o matriz. Y cómo hacemos esto, cómo construimos el encuadre, dónde creamos la zona de desenfoque, son estas decisiones las que determinan el resultado que obtendremos en última instancia. Veamos cada tipo de perspectiva y veamos cómo afecta a la foto.

El aire nunca es transparente, porque está formado por moléculas de diferentes tipos, y las moléculas también son objetos con su propia densidad y peso. La perspectiva tonal depende de la humedad y el polvo del aire y se manifiesta de manera diferente en diferentes condiciones climáticas.

Las manifestaciones más llamativas de la perspectiva tonal se pueden observar en la niebla, en un clima ventoso y polvoriento en el desierto o la estepa, al amanecer sobre el agua. Y todos estos fenómenos conducen a lo siguiente: cuanto más lejos está el objeto, menos claros y claros son sus contornos, menos saturado está, parece más claro y con menos contraste.

En la foto de abajo vemos la perspectiva tonal en su forma más poderosa, en la niebla de la mañana. El fondo de la foto se ha vuelto más claro, los colores y objetos que contiene están menos saturados, los contornos están casi borrosos, el contraste en el fondo es casi nulo:

Perspectiva a gran escala

La perspectiva a gran escala se manifiesta en la reducción de objetos del mismo tipo: cuanto más lejos está el objeto, más pequeño es.

En la fotografía de la orilla seca de un río vemos dos tipos de perspectiva: lineal y a gran escala. La escala cambiante de las partes secas de la costa da volumen a la imagen, acercándola a lo tridimensional. No en vano, los paisajes se fotografían con lentes gran angular (distancia focal 17-28 mm): al distorsionar el primer plano, este tipo de lentes lo hacen parecer convexo, estos lentes pintan la perspectiva y la escala de los objetos mucho mejor que los de larga distancia. lentes focales, que parecen “colapsar” la imagen, haciendo que el primer plano sea plano (debido a su estrecho ángulo de visión).

También cabe señalar que las lentes gran angular, debido a su gran ángulo de visión (aproximadamente 70 grados), brindan nitidez en toda la imagen con un valor de apertura menor, y esto es útil en condiciones de poca luz, pero hablaremos sobre la nitidez más adelante. .

En la naturaleza muerta, también puedes aplicar este tipo de perspectiva organizando el ritmo de los objetos del mismo tipo que se alejan. En la imagen siguiente, vemos dos tipos de perspectiva: lineal y a escala, y el carrete de hilo en primer plano realza la sensación de volumen, al igual que el DOF (profundidad de campo) poco profundo:

La perspectiva lineal se expresa en líneas que tienden a converger en un punto del horizonte o en el infinito. Una carretera que se pierde en la distancia, un puente, hileras de barandillas, bordillos, casas, cables eléctricos…. todo lo cual puede servir como base para la perspectiva lineal. La perspectiva lineal aparece muy a menudo en paisajes donde hay suficientes cimientos para formar una perspectiva lineal.

Pero ¿qué pasa, por ejemplo, con una macrotrama o una naturaleza muerta?

En la imagen de arriba vemos la perspectiva lineal creada por la hoja de la planta, y el desenfoque agrega profundidad y volumen a la imagen. La gota es el objeto principal porque está agudizada y situada en el punto de atención del espectador (en la intersección de las líneas que dividen el encuadre en tres partes iguales).

DOF

Desenfocar el fondo o parte de la imagen también es una herramienta que afecta al volumen del encuadre, y esto está controlado por la apertura: cuanto menor sea su valor, más borrosa quedará aquella parte de la imagen que esté más cerca y/o más lejos. que el punto de enfoque (punto de nitidez).

Hay muchos consejos en varios artículos sobre el cálculo matemático de la profundidad de campo; yo prefiero un enfoque no matemático, porque nuestra herramienta más importante son los ojos. La profundidad de campo es la distancia entre los objetos más cercanos y más lejanos que serán nítidos en una apertura determinada.

En fotografía, la denominación comúnmente utilizada es profundidad de campo (profundidad de campo), que depende de:

1. distancia al objeto (cuanto mayor es, mayor es la profundidad de campo y viceversa);
2. del valor del número de apertura (cuanto menor es, menor es la profundidad de campo y viceversa);
3. de la distancia focal del objetivo: cuanto más pequeña es, mayor es la profundidad de campo (a la misma distancia del objeto).
4. sobre el tamaño lineal de la matriz (no el número de megapíxeles): cuanto menor sea el tamaño de la matriz, mayor será la profundidad de campo (esto se puede tener en cuenta al disparar macro, si se necesita una mayor profundidad de campo).

La foto de arriba (con una gota sobre las hojas de la planta) fue tomada con los siguientes datos:

- apertura = 8,0 ( cámara nikon D300, objetivo Nikkor 105/2,8);
— distancia focal = 105 mm;

DOF en este caso = 5-10 mm, la distancia desde la lente al objeto era de aproximadamente 30-40 cm.
Al fotografiar un objeto más grande con la misma apertura y la misma distancia focal a una distancia de 20 metros, la profundidad de campo puede ser de 5 metros.
Y a la misma distancia (20 metros), con apertura 15,0 y distancia focal = 20 mm, la profundidad de campo será en todo el encuadre, empezando desde los 3 m desde el fotógrafo hasta el horizonte. Para entender finalmente qué es qué, miremos dentro de la cámara y comprendamos qué controla la apertura.

La apertura son los “pétalos” retráctiles dentro de la lente que regulan el diámetro del orificio a través del cual pasa la luz hacia la cámara. Entonces, cuanto más estrecho es este agujero, más nítida resulta la imagen. El valor de apertura es la cantidad que sobresalen sus hojas.

Con una apertura de 5,6, las palas quedan un poco expuestas y el agujero es grande, por lo que la profundidad de campo será pequeña y parte de la imagen aparecerá borrosa.

Con una apertura de 20,0, las láminas ya están bastante expuestas, el agujero es pequeño y, por tanto, la nitidez será significativa; al fotografiar un paisaje con un objetivo gran angular, será en todo el encuadre, si se toma el encuadre. plan General. Incluso los rayos de las linternas se recogen "en estrellas" con este valor de apertura.

Si usted tiene cámara réflex(no importa si es digital o de película) o una cámara avanzada de apuntar y disparar (una cámara con una lente no reemplazable), luego, cuando cambia la configuración de apertura, los cambios en la nitidez se pueden ver inmediatamente en el ocular o en la pantalla de la cámara. Es precisamente esta información en la que debes confiar al comprobar el resultado en la pantalla de la cámara después de presionar el botón del obturador. El desenfoque permite no sólo controlar el volumen de la imagen, sino también la atención del espectador, que también es un factor importante en la construcción de la composición:

El fondo borroso permitió resaltar el modelo, uniformar el fondo y hacer que la foto fuera tridimensional.

Veamos cómo se tomó la foto de arriba:

— apertura = 4,5;
— distancia focal del objetivo = 150 mm;
— la distancia al modelo era de varios metros, la profundidad de campo = 15-25 cm, el fondo estaba muy borroso (era una calle adoquinada).

Entonces, usted y yo entendemos cómo controlar el volumen del marco, cómo estructurar el marco de tal manera que la imagen no parezca plana. Pero hay excepciones a cualquier regla y usted, como persona creativa, tiene derecho a elegir si necesita volumen en la foto o no. Aquí hay un ejemplo de un marco lacónico donde el volumen sería destructivo, “mataría” la idea de la foto:

La perspectiva lineal aquí se expresa sólo mediante una "pista" en forma de ligeras ondas en el agua. Y sólo el fotógrafo decide qué herramientas debe utilizar para construir su encuadre y cómo afectarán a la idea de la fotografía, y son sus decisiones las que se llaman mediocridad, talento, gusto o mal gusto artístico, genialidad o estilo.

Acerca de Adobe Photoshop

Adobe Photoshop es uno de los paquetes más populares para procesar gráficos rasterizados. A pesar del alto precio, el programa es utilizado por hasta el 80% de los diseñadores, fotógrafos y artistas de gráficos por computadora profesionales. Gracias a su enorme funcionalidad y facilidad de uso, Adobe Photoshop ocupa una posición dominante en el mercado de los editores gráficos.

Las ricas herramientas y la facilidad de uso hacen que el programa sea conveniente tanto para la corrección de fotografías simples como para la creación de imágenes complejas.

Tema 3. Mejora de fotografías. Lección 7. Formas sencillas de aumentar el volumen de una foto en Photoshop.

El mundo que nos rodea es voluminoso. Y las fotografías son una hoja de papel plana o la pantalla de un monitor. Lo que en realidad luce genial no siempre puede presumir de ser “fotogénico”. Pero, como suele decirse, no hay malos tiros. Además, esta lección de Photoshop está incluida en el tema "mejora de fotografías".

Durante la lección, aprenderá cómo agregar simple y fácilmente un efecto "tridimensional": para mejorar el efecto visual del volumen de su foto o, como también dicen, para mejorar la profundidad de la foto.

Para empezar, vale la pena entender. ¿Qué es el volumen y cómo lo percibimos?. En general, la percepción del volumen se reduce a cómo vemos la profundidad de las sombras. Cómo afecta un objeto a otros situados “más lejos”. Y, por supuesto, qué parte de la foto está “enfocada”.

Por lo tanto, la cuestión de añadir tridimensionalidad a una imagen a menudo se reduce a dos acciones principales:

1. Trabajar con sombras y contornos de objetos: mejorar los límites de la luz y la sombra
2. Trabajar con enfoque y desenfoque en diferentes áreas de la foto.

Esta lección describe algoritmos simples del primer grupo. Naturalmente, no cubre toda la variedad de herramientas, pero muestra con qué facilidad y rapidez (en 5-6 minutos) puedes mejorar significativamente el aspecto de tu foto. Empecemos.

Parte práctica.

Pero hay más interesantes y formas poderosas agregar volumen a una imagen usando Adobe Photoshop. Ellos son muy similares. En ambos casos, se superpone una capa de copia a la foto, procesada con filtros estándar de Photoshop. La única diferencia es el efecto final.

Mejore el volumen usando el filtro Relieve.

Para obtener una “foto 3D” necesitarás una nueva capa. Para hacer esto, simplemente seleccione “ Capas"párrafo" Duplicar capa" O llame a la paleta de capas (" Ventana» - « Capas", tecla de acceso rápido F7). Y en el menú de la paleta (o menú contextual) seleccione el elemento del mismo nombre. En lecciones anteriores se analizaron más detalles sobre las capas y cómo trabajar con ellas. Conceptos básicos de la lección "Selección: Geometría simple". Superposición e interacción en la lección "Mejora de la nitidez mediante la superposición de capas".

A continuación, es necesario reforzar las zonas de transición de luces y sombras en la fotografía: los límites de los objetos. Es recomendable hacer esto sin cambiar la estructura de iluminación de las superficies. Y aquí se utiliza un "efecto secundario" de los modos de fusión de capas en Photoshop. Recuerde, la mayoría de los modos tienen una excepción (no funciona) en el caso del 50% de relleno gris. En consecuencia, la tarea es crear una fotografía gris con líneas claras y oscuras en los contornos.

La primera forma de lograr el efecto es aplicar un filtro " Realce"del conjunto estándar de Adobe Photoshop.

Para llamar a un filtro:

1. Asegúrese de que la capa de destino esté activa
2. En el menú " Filtrar" seleccionar " Estilización» - « Realce»

Al activar la opción de vista previa, comprenderá inmediatamente los detalles del funcionamiento de la herramienta. Crea el efecto de imprimir un objeto tridimensional, por ejemplo, sobre papel mojado.

Aparecerá una ventana de configuración. Filtrar " Realce" tiene sólo tres parámetros:

1. Esquina. Es responsable del ángulo en el que se aplicarán las sombras y las áreas resaltadas.
2. Altura. Establece el ancho de la ruta procesada en píxeles. Visualmente – “altura de estampado”. Al mismo tiempo, con valores pequeños, el resultado del procesamiento en gamma se acerca a la "escala de grises". En valores altos, aparecen muchos colores extraños como resultado del procesamiento.
3. Efecto. Este parámetro es responsable de los detalles. En los valores mínimos sólo se procesan los contornos de los objetos más grandes con fuertes transiciones de luz y sombra en los límites. En los valores máximos, el "contraste" se activa en los tonos medios: zonas pequeñas con límites no particularmente pronunciados.

Para cambiar la apariencia de los contornos de la zona de transición en la imagen, es necesario que sean más claros o más oscuros que un 50% de gris. La presencia de un color diferente en otras zonas es indeseable. Para esto:

• Seleccionar filtro " Realce»
• Establezca el ángulo para que siga la dirección de la luz en la foto. El segundo método consiste en establecer el vector de la herramienta en ángulo recto con el vector de iluminación.
• Ajusta la altura y el efecto de la aplicación.
• Clic en el botón DE ACUERDO»
• Aplique la capa resultante usando uno de los métodos del grupo " Afilado»
• Si es necesario, ajuste la transparencia de la capa superior.

El resultado es una imagen en la que las zonas de luz y sombra quedan muy destacadas. Esto crea un suave efecto de "volumen". Observe el árbol en primer plano.

Notas:

• El ángulo en el que se aplica el filtro es muy importante. Si, como resultado de aplicar un filtro, las áreas de luz y sombra en dos capas no coinciden, en lugar de volumen obtendrás una foto borrosa y terrible.
• Al configurar la altura, tenga en cuenta que a valores más altos, aparecerán colores adicionales. Quizás un pequeño retoque sería suficiente. Pero no siempre. Ojo con los valores" Alturas»
• Parámetro " Efecto» con un volumen creciente casi siempre debería superar el 200%. De lo contrario, obtendrá límites nítidos al llenar la mayoría de las superficies "nubladas". Por ejemplo, contornos de árboles resaltados sin contornos de follaje. Esto no siempre está justificado ni es hermoso.

Consejo practico: Esta técnica (en valores de parámetros pequeños) se puede utilizar para restaurar fuertemente fotos borrosas. Por ejemplo, retratos antiguos. Lo principal es adivinar la dirección de la luz y eliminar aquellas partes donde interferirá la "textura volumétrica".

Mejora del volumen mediante el filtro Relieve.

Aumentar el volumen de una foto mediante relieve. método efectivo. Pero, desgraciadamente, tiene una gran limitación en cuanto a profundidad. Si necesita un efecto de volumen fuerte, la herramienta descrita anteriormente no le ayudará. Es mejor utilizar un filtro similar, pero más potente. Estamos hablando del filtro. Alivio».

Este filtro crea una moneda estilizada basada en la imagen. En este caso, los colores establecidos como "principal" y "fondo" en la paleta de herramientas se seleccionan como color y material de resaltado.

Es recomendable prestar siempre atención a este parámetro. Es recomendable limitarse al blanco y negro.

Filtro de llamadas " Alivio"Se puede hacer de dos maneras:

1. En el menú " Filtrar"párrafo" Bosquejo» - « Alivio»
2. Llamar " Filtrar galería» (« Filtrar» - « Filtrar galería"). Y seleccione " Bosquejo» - « Alivio».

En ambos casos, se abre la paleta de configuración de filtros. Es parte de un bloque llamado " Filtrar galería" Y además de crear " Alivio", en la paleta puede seleccionar otros filtros para el procesamiento de imágenes. Pero este es un tema para una lección aparte. Volvamos a agregar dimensión a nuestra foto.

La paleta de filtros de nitidez tiene varios parámetros básicos.

La principal diferencia con los comentados anteriormente es que ocupa toda el área del espacio de trabajo. Y la ventana de vista previa se convierte en una herramienta clave (la imagen original no es visible).

En la esquina inferior derecha hay un bloque para configurar la escala de visualización. Él será muy útil. Especialmente si es necesario ver algún fragmento.

En el lado derecho están los controles del filtro.

Control deslizante " Ddetallando“responsable de cuántas piezas pequeñas se “acuñarán”. Funciona de manera similar a la opción Efecto en el filtro Relieve.

« Mitigación“- la escala es responsable de cuán nítidas serán las transiciones de luces y sombras. En nuestro caso, no debe colocar el control deslizante en los puntos de los límites ni "suavizar" excesivamente los límites.

Menú desplegable de dirección. Por desgracia, el filtro "alivio" no le permite cambiar radicalmente la dirección de la relación entre luces y sombras. Hay un número limitado de ajustes preestablecidos disponibles. Los más seguros son los de abajo y los de arriba. Las opciones para el estampado "lateral" son efectivas sólo en condiciones de un haz de luz fuerte y notable desde un lado de la fotografía.

Trabajando en la creación de una base para una superposición usando el filtro " Alivio" es simple. Para obtener el resultado:

• Copia la capa
• Establezca los colores de primer plano y de fondo en la barra de herramientas en blanco y negro.
• Seleccione la capa de copia
• Llame al filtro " Alivio»
• Establezca la configuración de detalles al máximo y la configuración de suavizado al mínimo (pero no igual a cero)
• Seleccione la dirección para agregar volumen
• Aplicar filtro
• En los modos de fusión, elija el más adecuado según sus necesidades y las características específicas de la foto.
• Ajusta la opacidad de la capa.

La siguiente figura muestra la diferencia entre las opciones blanco/negro y negro/blanco para elegir los colores principal y de fondo.

En el primer caso, el volumen “baja” (se quita). Al mismo tiempo, se pierde algo la saturación de color en las zonas claras.

En el segundo (negro sobre blanco) es al revés. Los elementos de la imagen parecen "flotar", acercándose al espectador. Preste atención al cielo: los colores claros se conservan mejor.

Sin embargo, en ambos casos existe un gran inconveniente: la estructura y el volumen aparecen donde no es deseable. Por ejemplo, el “efecto persecución” sobre el césped, una orilla excesivamente oscura (especialmente en el modo “negro sobre blanco”).

Puede utilizar un borrador para eliminar efectos no deseados. Utilice un cepillo con bordes suaves. En este caso, los modos de opacidad y presión deben reducirse a niveles que no superen el 30%. La configuración de la herramienta Borrador es similar a la del pincel. Puede leer más sobre a qué prestar atención en la lección "Seleccionar con canales".

• Seleccione la capa superior
• Con un borrador suave (ajustando periódicamente el diámetro del pincel), borre información en aquellos lugares donde la estructura excesiva sea dañina. Por ejemplo, el cielo y las zonas de césped.
• El resultado se puede ver en la siguiente figura.

Realzar el volumen usando el filtro de contraste de color

Ya hemos cubierto el filtro "contraste de color" como parte de la lección "El fino trabajo del enfoque". Por lo tanto, no tiene sentido describir la paleta de configuraciones; simplemente lea el tema anterior.

Si al trabajar con el enfoque la tarea era enfatizar los bordes y no permitir que apareciera información de color, ahora necesitamos colores. Al menos donde se enfatizará el volumen. Es recomendable dejar las zonas restantes lo más grises posible.

De lo contrario, trabajar con este filtro es similar a lo que aprendimos anteriormente en este tutorial de Photoshop.

Para ahorrar tiempo, vayamos directamente al algoritmo de acciones:

• Crea una copia de la capa.
• Habiendo seleccionado la copia, llame al filtro " Contraste de color».
• Ajustar el " Radio» de tal manera que las zonas de transición entre luces y sombras se vuelvan lo más brillantes posible y las zonas de “relleno suave” permanezcan cerca del gris.
• Hacer clic DE ACUERDO.
• Elija un modo de fusión de capas adecuado
• Ajusta la transparencia de la capa superior.

El resultado de aplicar este filtro se puede ver en la figura. Sin embargo, no debes limitarte al grupo "Afilado". Pruebe todos los modos de fusión. Muchos de ellos darán un efecto inesperado pero muy interesante.

Fotoplasticon o Panorama Imperial

Los estéreos griegos significan "corporal", "volumétrico". El sonido envolvente es el estándar aceptado hoy en día, pero la fotografía estéreo (o fotografía 3D) sigue siendo una rareza para muchos. Pero en vano, porque te permite captar la realidad aproximadamente de la misma forma en que la ve una persona.

La fotografía tradicional ha desarrollado un serio arsenal de medios técnicos y artísticos para transmitir volumen: profundidad de campo, distancia focal de la óptica, perspectiva, patrones de sombras y composición. El cerebro humano puede obtener información sobre el espacio a partir del contenido de una imagen plana. Pero la fotografía ordinaria no puede transmitir el volumen directamente tal como lo percibe una persona.

El volumen y profundidad de una imagen es algo subjetivo, ya que estamos limitados por nuestros sentidos. Los ejes de los ojos de una persona se cruzan en un cierto ángulo en el punto al que se dirige nuestra visión. El resultado es un par de imágenes planas en las que hay un desplazamiento en el espacio visible (paralaje). Como resultado de la fusión de estas imágenes, aparece en la mente una imagen tridimensional. La percepción del volumen permite la distancia entre dos puntos (por ejemplo, los ojos), llamada base estéreo. La distancia se puede cambiar usando medios tecnicos(por ejemplo, binoculares estéreo o telémetro de artillería). A medida que aumenta la base estéreo, la profundidad de campo disminuye y aumenta la agudeza visual.

La fotografía estéreo es un método de disparo en el que la cámara tiene dos "ojos" en lugar de uno. No estamos hablando necesariamente de lentes. El resultado es importante: fotogramas de película con el desplazamiento de base necesario. La fotografía estéreo no crea en realidad una imagen tridimensional, pero permite una sustitución inteligente del espacio real por una fotografía tomada y preparada de una manera especial.

La capacidad de las fotografías en 3D para transmitir la compleja estructura del objeto representado es especialmente valiosa en géneros "técnicos", como la fotografía de arquitectura, paisajes naturales y urbanos y macro. El uso de fotografía estéreo con fines artísticos proporciona herramientas creativas completamente nuevas.

Historia de la fotografía estéreo.

En 280 a.C. mi. Euclides descubrió por primera vez que la percepción de la profundidad en el espacio se logra precisamente porque cada ojo ve imágenes ligeramente diferentes del mismo objeto. Después de él, Leonardo da Vinci describió estas habilidades en 1584, dedicando varias de sus obras a las peculiaridades de la percepción visual. La teoría de la percepción estereoscópica fue presentada de forma científica por el óptico y geómetra alemán Johannes Kepler en su obra "Dioptrics" (1611). Dos años más tarde, el jesuita Francois d'Aguillion utilizó por primera vez el término "estereoscopia".

Hacia 1600, el artista italiano Giovanni Battista della Porta pintó el primer cuadro estéreo. A principios del siglo XVII, su experiencia fue repetida por Jacopo Chimenti da Empoli, quien utilizó la técnica de las imágenes pareadas. Un siglo y medio después, el francés G. A. Bois-Clair creó imágenes tridimensionales utilizando el método rasterizado. El escritor ruso León Tolstoi logró probar suerte con los dibujos estereoscópicos. En el siglo XX, el español Salvador Dalí pintó cuadros tridimensionales utilizando el método de la pantalla de agujas propuesto por el inventor del cine volumétrico, el emigrante ruso Alekseev. La visualización de imágenes obtenidas mediante métodos de trama y aguja no requirió ningún dispositivo especial.

El descubrimiento de la fotografía estéreo está asociado con el nombre de Charles Wheatstone, profesor del King's College de Londres. En 1833, Wheatstone creó un estereoscopio de espejo, un dispositivo que permite ver una imagen tridimensional utilizando un par de imágenes originales con un desplazamiento. Inicialmente, el científico utilizó sus dibujos como objetos. De acuerdo con los experimentos, se creó. base científica. En 1838, Wheatstone presentó un informe histórico sobre la obtención de imágenes tridimensionales ante la Royal Society de Londres. El informe se tituló “Sobre algunos fenómenos de la visión binocular notables y hasta ahora no observados”.

¿Por qué Wheatstone utilizó dibujos en lugar de imágenes fotográficas en su estereoscopio? La respuesta es sencilla: la fotografía fue inventada por el francés Daguerre sólo seis años después del descubrimiento de Wheatstone, en 1839. Wheatstone presentó al público las primeras fotografías tomadas con el método estereoscópico recién en 1851 en la Exposición Mundial de Londres.

La primera cámara con dos lentes, diseñada para crear pares estéreo, fue creada en 1849 por el científico escocés David Brewster. Brewster es también el creador de un estereoscopio sencillo sin espejos. En 1855, el francés Bernard creó el primer accesorio de espejo para cámaras convencionales de un solo objetivo, que permitía fotografiar pares estéreo. Un poco más tarde, el inglés Barun mejoró este diseño.

Uno de los primeros en apreciar el potencial de la fotografía 3D fue el reportero inglés Roger Fenton, que viajó por Rusia en los años 60 del siglo XIX y es autor de una serie de fotografías dedicadas a la guerra ruso-turca. En esos mismos años, el famoso fotógrafo francés Antoine Claude se interesó por la fotografía tridimensional, quien inauguró el "Templo de la Fotografía" de Londres en 1851. Según Claude, el estereoscopio, en su forma económica y compacta, proporciona un modelo de todo lo que existe en diferentes partes del mundo. Curiosamente, fue Claude quien, en 1853, patentó un método para obtener fotografías estéreo.

En 1858, el francés Joseph d'Almeida descubrió un método anaglifo para crear imágenes tridimensionales, que permitía ver imágenes tridimensionales utilizando gafas con lentes rojas y verdes. Este método se ha utilizado para crear libros, postales, cómics, mapas geograficos. En la década de 1920 aparecieron las primeras películas anaglifos, que se denominaron plastigramas.

A principios del siglo XX, el físico francés Jonas Lippmann descubrió un método para crear imágenes que no requería dispositivos de visualización especiales. Las imágenes deben tener una superficie especial basada en una rejilla de lente (raster). La superficie consta de microlentes, debajo de las cuales se encuentran fragmentos de imágenes para el ojo derecho e izquierdo. Al ver la imagen desde cierto ángulo, puede ver una imagen tridimensional. El fotógrafo Maurice Bonnet utilizó por primera vez el método rasterizado en la década de 1930 para crear retratos tridimensionales.

Hoy en día, el método de creación de imágenes rasterizadas implica preparar un sustrato de papel en una computadora, que luego se imprime por medios convencionales y se le proporciona una pantalla de plástico con una trama lenticular. Este método Se utiliza al crear calendarios de bolsillo con imágenes tridimensionales o imágenes cambiantes (efecto vario).

La fotografía estéreo apareció casi simultáneamente con la fotografía convencional. Sin embargo, le llevó casi cien años ganar popularidad masiva. A principios del siglo XX, la fotografía estéreo se percibía como un entretenimiento de masas, no como una forma de arte. Las atracciones basadas en el efecto estereoscópico eran populares. Se generalizaron las cajas con imágenes estereográficas, que representaban vistas de países lejanos tomadas por viajeros, bocetos de pueblos y modelos desnudas.

En la primera mitad del siglo XX, el interés por la fotografía estéreo era muy grande. Las primeras cámaras lanzadas por Franke & Heideke fueron diseñadas específicamente para fotografía estéreo: la Heidoskop (1920), que disparaba en láminas, y la Rolleidoskop (1922), que utilizaba película en rollo (formato de par estéreo de 6 x 13 cm). Pronto aparecieron a la venta el Stereoflektoscop de Voigtlander (formato 6 x 13 cm) y el Verascope del francés Julius Richard (formato 45 x 107 cm, tipo de película 127).

En 1939, el estadounidense William Gruber fundó la empresa View-Master, que un año después produjo una cámara estéreo de película estrecha. View-Master ha producido muchos dispositivos innovadores para tomar y ver fotografías y películas en 3D.

La llegada de la película de diapositivas en color Kodachrome, muy detallada, a finales de la década de 1930, así como la creciente popularidad de las cámaras compactas de película estrecha, contribuyeron a la aparición en las décadas de 1940 y 1950 de un gran número de cámaras estéreo con un formato de fotograma de 24 x 23. mm (Edixa, Iloca, Kodak Stereo, Stereo-Realist) y 24 x 29 mm (Belplasca, Verascope F40). Las empresas alemanas Zeiss (Contax) y Leica ofrecen adaptadores de espejo que le permiten tomar fotografías tridimensionales con cámaras de telémetro convencionales. Tenga en cuenta que el diseño con una tercera lente de observación o telémetro no ha sufrido cambios fundamentales hasta el día de hoy.

En las décadas de 1950 y 1960, hubo un gran interés por la fotografía estéreo. Se producen cámaras especiales, accesorios estéreo y estereoscopios para ver imágenes. Se venden juegos de souvenirs que consisten en diapositivas emparejadas que representan atracciones mundiales. Se utilizaron cámaras estéreo para fotografiar la superficie de la Luna, Marte y el Sol en los programas espaciales estadounidenses.

En el futuro, la fotografía 3D probablemente atraerá mucha más atención de la que recibe actualmente. Por supuesto, esto depende de base técnica, que se mejora constantemente. Mientras tanto, existen dos formas sencillas de crear fotografías en 3D.

Técnicas fotográficas para transmitir la profundidad del espacio en una fotografía.

Controlar la profundidad de campo

Sin embargo, nuestras lentes tienen una propiedad similar a la del dispositivo de visión. Ésta es la profundidad de campo, la profundidad del espacio representado con nitidez. ¿Crees que esto no es cierto porque en general vemos todo lo que nos rodea como nítido? Lleva tu dedo a tu nariz y concéntrate en él. El fondo se volverá borroso. Utilizando poca profundidad de campo, resaltamos el sujeto principal de la fotografía, enfocándonos en él. Al mismo tiempo, los personajes secundarios y el fondo se difuminan, imitando nuestro mecanismo de visión.
Por supuesto, este método no se utiliza en fotografía de paisajes, donde todos los planos deben estar en la zona de nitidez.

Cómo conseguir poca profundidad de campo y un hermoso bokeh:

• Cuanto más abierto, más borroso.
• Utilice lentes rápidos. Por ejemplo, la mayoría de las veces fotografío con valores de apertura en el rango de 1,8 a 2,2;
• Cuanto mayor sea la distancia focal, mayor será el desenfoque, más hermoso será el bokeh, más plástica será la imagen;
• Cuanto más cerca del modelo (más grande es el retrato), mayor es el desenfoque;
• cámara con matriz completa da más desenfoque que recorte;
• Para tener algo que difuminar, no es necesario colocar el modelo cerca del fondo (al lado de la pared, cerca, árbol). Siempre es mejor separarlos en planos con diferentes zonas de nitidez. Este consejo también se aplica a la fotografía de estudio.

Muy a menudo en el estudio, con paredes brillantes de fondo y muchos accesorios, es difícil distinguir el modelo. Pero si lo alejas del fondo y disparas con la apertura abierta, las fotografías parecen mucho más hábiles, con énfasis en lo principal. ¡También necesitas saber cómo trabajar con el interior!

Dividir toda la escena en primer plano y fondo.

Seguro que todo aquel que tenga una mínima idea de composición sabe que hay que intentar utilizar varios planos en una fotografía. Al fotografiar paisajes, todo el mundo recuerda esto, pero al fotografiar retratos, a menudo lo olvidan. Pero nadie ha anulado el efecto de la planificación como forma de transmitir profundidad.

Antecedentes - antecedentes. Debe elegirse de manera que nada sobresalga del modelo y quede bellamente borroso en el bokeh (por supuesto, si no es un paisaje). Utilice las reglas de la perspectiva lineal, aérea y de color (más información a continuación). Tiro medio- este es nuestro modelo, el tema principal del rodaje. Sería bueno colocar algo más en el mismo plano que el modelo que estará en la zona de nitidez (un arbusto, ramitas con hojas o flores en un árbol). Esto dará una sensación adicional de profundidad y planificación.

El primer plano es lo que a menudo se olvida. en fotografía de retrato. Ayuda a transmitir profundidad aún mejor. Desde el primer plano se puede crear una especie de marco que enmarca la trama, una forma eficaz de construir una composición. Además, de esta forma se transmite la sensación de voyeurismo cuando se quiere transmitir la soltura y naturalidad de la escena.
Puede utilizar ramas de arbustos, flores y ramas bajas de árboles como primer plano. Si no hay ninguno cerca, pídale a un asistente que sostenga las ramas preparadas frente a la cámara. En el estudio puedes utilizar accesorios y flores adecuados y mirar desde detrás de puertas entreabiertas.

El primer plano también puede ser simplemente hierba, borrosa en el bokeh: simplemente baje el punto de disparo y dispare mientras está sentado o acostado. Si el tiroteo involucra objetos voladores (pétalos de flores, hojas de otoño, plumas, páginas de papel, confeti, etc.), pídale a su asistente que los esparza en diferentes planos del modelo para que queden tanto en la zona de nitidez como borrosos en el primer plano y el fondo. Estos detalles efectivamente "introducen" al espectador en la imagen, cuando parecen volar de la vida real a la fotografía.
Sucede que no es posible colocar algo en primer plano inmediatamente al disparar (por ejemplo, no encaja en el encuadre). Luego, puede fotografiar una rama adecuada por separado y luego agregarla usando Photoshop, o usando el mismo programa, crear un primer plano a partir de espacios en blanco sobre un fondo transparente que se encuentra en Internet. No olvides difuminarlos en diferentes grados en diferentes planos.

La fotografía de paisajes suele utilizar una lente gran angular para capturar el primer plano. Los objetos situados delante (piedras, troncos, puentes, etc.) parecen atraernos a la imagen. La distorsión geométrica de un gran ángulo en este caso solo es beneficiosa. La misma técnica se puede utilizar en retratos, realzando el primer plano y el efecto de “arrastre”.

perspectiva lineal

Este es un cambio natural en la escala de las imágenes de diversos objetos ubicados en un plano. Cuanto más cerca está un objeto de la cámara, más grande es.

El primer signo de la perspectiva lineal es una disminución en la escala de los objetos que se alejan, el segundo es la tendencia de los objetos paralelos a converger en un punto de la línea del horizonte.
Que hacer para transmitir esta perspectiva muy lineal en el marco:

• Elige un buen fondo. Un camino que se pierde en la distancia (recto o sinuoso), una carretera, vías, una hilera de casas, un largo pasillo, pilares o columnas: todo esto ayuda a transmitir la perspectiva y crear el efecto de la presencia del espectador en el encuadre;
• intentar colocar el modelo y la convergencia de líneas de perspectiva en puntos de poder, pero no en el mismo;
  No coloques las líneas de tal manera que desvíen la vista del encuadre. La mirada debe seguir el interior del encuadre y recorrerlo;
• A veces puedes utilizar una lente gran angular mientras te acercas al modelo. Potencia la transferencia de perspectiva, ya que en la vida también miramos el mundo desde un ángulo amplio. En este caso, coloque el modelo en el medio, ya que las distorsiones geométricas aumentan hacia los bordes del marco.

  Perspectiva tonal

  Se trata de un fenómeno físico cuya esencia es que la luz que pasa a través de un medio transparente, el aire, se refracta, se dispersa y se refleja. Dependiendo del estado de la atmósfera, su contaminación y humedad, la luz se dispersa en mayor o menor medida en la capa de aire. Luego vemos una neblina de aire (distancias resaltadas). ¿Entiendes ahora por qué estos paisajes aéreos se obtienen temprano en la mañana o en la niebla, cuando el aire está limpio y húmedo?
  Para transmitir una perspectiva aérea, recuerda que cuanto más lejos esté el objeto:

• los tonos menos saturados;
• contornos menos claros de los objetos fotografiados (neblina);
• contraste más suave;
• Detalles más claros.

Si tuvo suerte y tomó fotografías temprano en la mañana al amanecer, quizás la cámara transmita todos estos matices. De lo contrario, esto puede simplemente tenerse en cuenta durante el procesamiento:

• reducir la saturación de fondo;
• aumentar la nitidez y claridad del modelo (y el primer plano del paisaje);
• aumentar el contraste de los objetos cercanos, dejando el fondo con bajo contraste;
• agregue puntos de luz al fondo o dibuje niebla o neblina (con un pincel blanco de baja transparencia en el modo de fusión "Pantalla");
• oscurecer el primer plano, hacer una viñeta.

Color

El color y el volumen también están estrechamente relacionados. Los colores que sobresalen (cálidos) se perciben más cerca, los colores que retroceden (fríos) se perciben más lejos de su posición actual. Este fenómeno se llama estereoscopía cromática. Los artistas utilizan con éxito este efecto para transmitir formas tridimensionales. Su eficacia ha sido probada en la práctica de la pintura y en el trabajo con interiores y armarios. Los colores que retroceden y sobresalen pueden distorsionar visualmente el espacio tridimensional o hacer que un plano parezca voluminoso y en relieve.
Los colores cálidos y fríos ubicados cerca se ayudan mutuamente a sonar más brillantes y fuertes. Lo cálido se vuelve aún más cálido y el frío se vuelve aún más frío.

Usando el contraste de frío y calor, puedes resaltar lo principal en la foto. Las propiedades espaciales también se ven influenciadas por la diferencia de luminosidad y el contraste de las manchas de color del objeto. Con un alto contraste, una mancha de color más pequeña se vuelve llamativa y se destaca como figura, y una más grande se percibe como fondo. Los colores llamativos y contrastantes destacan y destacan. Con un contraste bajo a medio, se eliminan los colores grises.

Cómo utilizar la reproducción cromática para mejorar el efecto de volumen en fotografía:

adoptar un enfoque reflexivo en términos de color al elegir el modelo (color de cabello), fondo, ropa, elementos interiores y accesorios;

Puede utilizar fuentes de luz de diferentes temperaturas al tomar fotografías. En un estudio, esto podría ser luz fría de una ventana combinada con luz artificial cálida constante; también son adecuadas fuentes constantes de diferentes temperaturas de color. En el interior, se puede combinar la luz natural de una ventana o la luz reflejada de un flash en combinación con la luz cálida de lámparas, velas, guirnaldas en el fondo o en primer plano;

Tiñe la foto en el posprocesamiento. Hay muchas opciones: desde tonificar por separado (tonos divididos) luces y sombras en cálidas o frías en modo "semiautomático" utilizando las funciones de Photoshop hasta pintar los objetos deseados con un pincel (en el modo "Luz suave"). ;

Preste atención no sólo a las combinaciones de colores armoniosas, sino también a la cantidad de cada color en la foto. Resalte los objetos y detalles principales en los que desea centrarse;

trabaje correctamente con la saturación: los colores saturados y puros se perciben más cerca y los menos saturados, más lejos.

Lo ideal es que la fotografía utilice varias de las técnicas anteriores. Entonces tus fotos cobrarán vida y brillarán, como en la realidad tridimensional.