Die Porträtfotografie ist wie keine andere Fotografie voller Regeln und Konventionen. Und obwohl viele Grundsätze von Fotografen bereits ständig verletzt werden, gibt es dennoch einige Grundprinzipien, die beachtet werden sollten, um offensichtlich lächerliche Bilder zu vermeiden. Schauen wir uns in dieser Fotolektion die Grundlagen an und finden heraus, wie man Porträts für Anfänger richtig fotografiert.

Porträtfehler Nummer 1. Unbeholfenheit der Situation, Absurdität der Posen

Wenn sich Ihr Modell in einer ungünstigen Position befindet, ist es unwahrscheinlich, dass Sie anständige Fotos machen. Ihr Model sollte sich entspannt und nicht angespannt fühlen und dem Fotografen vollkommen vertrauen. Bevor Sie mit dem Fotografieren beginnen, insbesondere wenn Sie zum ersten Mal mit einem Model arbeiten, müssen Sie unbedingt besprechen, welche Arten von Fotos Sie machen möchten. Dazu sollte jeder Fotograf zwei Auswahlmöglichkeiten haben: erfolgreiche und erfolglose Fotos. Zeigen Sie einige Beispiele Gute Fotos Erklären Sie, warum diese Bilder „funktionieren“, wodurch diese oder jene Fotokarte im Vergleich zu anderen vorteilhaft aussieht.

Erklären Sie dem Model, was es tun soll, wie es steht oder sitzt, und sagen Sie ihm, wie es von außen aussieht. Ihre Aufgabe ist es, die angenehmsten Bedingungen zu schaffen, in denen Sie sich durch die Kommunikation nicht eingeengt oder unbehaglich fühlen.

Selbst wenn das Model auf bestimmten Dingen besteht, ist es einfacher, ihr zuzustimmen und dann etwas zu sagen wie: „Das ist großartig, jetzt versuchen wir es ...“ Es kommt oft vor, dass Models sagen, dass es unangenehm sei, ihre Hände auf eine bestimmte Art und Weise zu halten, Sie fühlen sich unnatürlich an und die Pose wirkt unbequem. Auf den Fotos wirken jedoch oft die von Ihnen vorgegebenen Posen vorteilhafter. Vergessen Sie nicht: Der Fotograf kontrolliert alles, was auf seiner kreativen Plattform geschieht.

Porträtfehler Nummer 2. Ungeschickte Hände

Unerfahrene Models wissen oft nicht, was sie mit ihren Händen machen sollen. Der Fotograf stellt möglicherweise fest, dass das Model einfach die Arme senkt und sie leblos an ihrem Körper baumeln lässt. Die Position der Hände sieht viel vorteilhafter aus, wenn sie scheinbar entlang der Oberschenkel gleiten. Diese Technik funktioniert in vielen Fällen gut.

Auch verschränkte Arme können sehr beeindruckend wirken, achten Sie jedoch darauf, keine visuelle Barriere für den Betrachter zu schaffen.

Wenn Sie nicht möchten, dass das Bild Angst oder Anspannung vermittelt, achten Sie darauf, dass die Hände des Models entspannt und nicht zu Fäusten geballt sind. Es hilft, den gewünschten Effekt zu erzielen, wenn Sie das Model bitten, etwas in die Hand zu nehmen oder eine Stütze in der Nähe zu berühren.

Befindet sich das Model beispielsweise hinter einer sitzenden Person, können Sie Ihre Hände auf die Stuhllehne oder auf die Schultern der anderen Person legen.

Aus Erfahrung können wir sagen, dass das größte Problem für Anfängermodels die richtige Platzierung ihrer Hände ist. Darüber hinaus stehen die Hände im Porträt nach den Augen im Mittelpunkt und sind oft noch ausdrucksvoller als die Augen. Deshalb sollte sich der Fotograf in diesem Bereich sehr sorgfältig vorbereiten – Beispiele und Möglichkeiten durchdenken, darüber nachdenken, was er mit dem Foto ausdrücken möchte und welche Gesten dies im Foto hervorheben.

Porträtfehler Nummer 3. Nein – schräge Klafter in den Schultern!

Im Allgemeinen sind die Schultern der breiteste Teil des menschlichen Körpers. Sogar Frauen. Beim Fotografieren, wenn das Model streng frontal positioniert ist, erscheinen die Schultern optisch breiter, was die Frau nicht schöner machen kann, was bedeutet, dass das Image des Models verloren geht.

Drehen Sie das Modell leicht schräg zur Kamera und Sie erhalten gepflegte Schultern und eine dünne Taille, alle Linien werden anmutig geschwungen, was dem Betrachter und der porträtierten Person nur gefallen kann.

Im Allgemeinen sieht ein Frontalporträt ohne Biegungen oder Bewegungen meist wie ein Passfoto aus.

Porträtfehler Nummer 4. Der Hals sollte schön und glatt sein!

Wenn der Körper Ihres Motivs so von der Kamera weggedreht ist, dass sich physiologische Falten am Hals bilden, müssen Sie sicherstellen, dass diese auf dem Foto nicht sichtbar sind.

Bitten Sie das Model beispielsweise, den Kragen einer Jacke oder eines Hemdes hochzuschlagen oder einen Schal oder ein Taschentuch um ihren Hals zu legen. Alternativ können Sie auch einen anderen Aufnahmewinkel verwenden. Bitten Sie die Person, sich der Kamera zuzuwenden, nicht indem sie den Kopf dreht, sondern indem sie ihren Körper in der Taille stärker dreht.

Andrey Belkin

Kurven ziehen wie alle Linien die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Sie können nicht nur mit Dingen „drapiert“ werden, sondern sogar mit den Händen und bedecken die Stelle, an der sich die Falten bilden.

Porträtfehler Nummer 5. Spuren von Kleidung.

Abdrücke auf der Haut durch einen Gürtel, BH, Mieder, andere unterstützende Accessoires oder Socken mit Strumpfhosen sind klassische Fehler, die meist vergessen oder einfach nicht berücksichtigt werden.

NW-Modelfotograf

Wenn Sie ein Fotoshooting planen, bei dem Schmuck zum Vorschein kommt oder der Hals des Models freigelegt wird, müssen Sie darauf achten, dass Sie im Voraus alle Kleidungsstücke ausziehen, die Spuren auf der Haut hinterlassen. Die Haut muss vollständig wiederhergestellt sein, bevor Sie mit dem Fotoshooting beginnen. Planen Sie für diesen Vorgang etwa 30 Minuten ein. Es ist besser, das Model im Voraus zu bitten, lockere Kleidung zu tragen, die keine Spuren hinterlässt.

Porträtfehler Nummer 6: Vermeiden Sie es, steif zu sein.

Typischerweise benötigt die Porträtfotografie nur wenig Platz um das Motiv herum. Achten Sie jedoch darauf, dass die Person im Bild nicht vollständig eingequetscht wird, insbesondere wenn das Model zur Seite schaut. Ihr Blick sollte nicht auf dem Rand des Rahmens ruhen, es sollte immer genügend Luft im Foto sein.

Achten Sie darauf, wie viel Freiraum Sie um das Modell herum haben, insbesondere wenn sich die Person bewegt oder die Kamera eingeschaltet ist. Dieser Sachverhalt stellt den Fotografen vor zusätzliche Schwierigkeiten, daher sollte man berücksichtigen, wie harmonisch die Lage des Motivs im Sucher ist und wie viel Freiraum um ihn herum vorhanden ist.

Theoretisch führt das Einklemmen oder Abschneiden eines Gliedes am Rand des Rahmens zu Unbehagen für den Betrachter. Es liegt eine gewisse Spannung im Bild, und der Betrachter hat ein Gefühl des Unbehagens. Daher sollten Sie die Gliedmaßen im Allgemeinen nicht an den Gelenken einklemmen und abschneiden. Wenn es jedoch die Aufgabe des Fotografen ist, Spannung zu zeigen, kann die Technik des Einklemmens des Bildes eine gute Ergänzung sein.

Porträtfehler Nummer 7.Köpfe in einer Reihe

Wenn Sie mehrere Personen gleichzeitig im Rahmen haben, sollten Sie diese nicht genau entlang des Lineals platzieren, bzw. so, dass alle Köpfe auf gleicher Höhe sind. Das „Streng in einer Reihe“-Layout macht das Foto primitiv und mittelmäßig.

Dies lässt sich ganz einfach vermeiden, indem man die Modelle in unterschiedlichen Höhen zueinander platziert. Jemand kann auf einem Stuhl sitzen, ein anderer kann auf der Armlehne platziert werden und eine dritte Person kann einfach und bequem auf dem Boden sitzen.

Eine solche Verteilung kann helfen, ein weiteres Problem zu lösen – genau diese „Dreiecksdynamik“ zu erzeugen, nach deren Kanons sich der Blick des Betrachters zwischen Objekten und um den Kreis des Fotos bewegt. Das Foto wird dynamisch und harmonisch in der Komposition sein.

Porträtfehler Nummer 8. Unerwünschter „Kopfschmuck“

Während der Fotograf die Haltung des Models beobachtet, kann es durchaus passieren, dass er vergisst und nicht darauf achtet, was sich im Hintergrund abspielt. Vergessen Sie nicht, völlig unnötige Dinge zu vermeiden, die aus dem Kopf einer Person „wachsen“: Stangen, Lampen, Stützen, Pflanzen und Bäume.

Nur wenn etwas im Hintergrund als zusätzliches Element zur Erzeugung des beabsichtigten Bildes dient, kann es vorhanden sein. Bei allen anderen Optionen erhalten Sie einen kritischen Fehler, der vermieden werden muss, um nicht als Anfänger oder Laie in der Fotografie zu gelten.

Porträtfehler Nummer 9. Schauen Sie nicht nach oben

Und während in manchen Fällen das Fotografieren von unten nach oben dafür sorgt, dass Ihre Fotos besser aussehen und ein optisches Kompliment für das Model darstellen (z. B. dadurch, dass die Beine länger aussehen), werden bei Aufnahmen von unten nach oben meist viele Kinn sichtbar Die Probanden vergrößern die Beine und machen den Kopf unverhältnismäßig kleiner.

Sie sollten sorgfältig überwachen, wie viel Sie sich hinsetzen müssen, damit das Foto möglichst wirkungsvoll und ohne unangenehme Verzerrungen des menschlichen Körpers ausfällt.

Porträtfehler Nummer 10. Verlassen Sie sich nicht auf das Bewusstsein von Kindern

Manchmal haben Fotografen Glück und Kinder können sogar ein paar Minuten vor der Kamera posieren, vor allem, wenn sie schon einmal fotografiert wurden oder in einem Alter sind, in dem sie kleine Models von wichtigen großen Kinderangelegenheiten ablenken und sie für einen Moment dafür interessieren können Prozess des Fotografierens.

Sie müssen sich separat vorbereiten. Der Fotograf muss bedenken, dass das Fotografieren erwachsener Models und Kinder nicht dasselbe ist. Die Fotosessions liegen nicht einmal nahe beieinander. Sie müssen darauf vorbereitet sein, dass Sie am meisten treffen müssen kurze Zeit Da Sie sich um die Modelle bewegen, um den richtigen Winkel zu finden, bewegen Sie die Requisiten, anstatt die Kinder aufzufordern, sich zu bewegen, um einen besseren Winkel zu erhalten. Geduld wird belohnt, wenn alles richtig gemacht wird.

Natürlich kann ein moderner Mensch, der sich auch nur oberflächlich mit Fotografie auskennt, von dem klassischen „Fotoporträt im Innenraum“ nicht überrascht sein. Aber wie Sie wissen, war jeder Klassiker einst modern, genau wie das Genre der „Umweltporträts“, dessen Ursprung im Namen Arnold Newman liegt.

In der Mitte des 20. Jahrhunderts, in der Zeit, als A. Newman lebte und arbeitete, war dieses Genre eine Innovation. Ein fotografisches Porträt des 20. Jahrhunderts ist eine eher gesichtslose Reihe von Standardposen und -winkeln, die Menschen unabhängig von ihrem Lebensstil und ihren persönlichen Qualitäten darstellen.

A. Newmans künstlerische Vision erkannte diesen Mangel und schlug Wege zur Lösung des Problems vor, die später die Grundlage seiner Arbeit bildeten. Der Fotograf beschloss, anders zu fotografieren, fotografische Porträts zu machen, sodass das Bild zu einer Minibiografie wird, einem psychologischen Porträt, das sowohl persönliche Qualitäten als auch die Lebensatmosphäre eines Menschen beschreibt. Diese Idee brachte der Fotograf aus der Malerei mit, wo diese Technik schon lange angewendet wurde.

Im Laufe der Zeit wurden auf diese Weise aufgenommene Fotografien zu Klassikern und ihr Schöpfer A. Newman wurde ein berühmter Fotograf. Autorenporträts von A. Newman berühmter Persönlichkeiten aus Kunst und Politik des 20. Jahrhunderts: M. Dietrich, D. F. Kennedy, G. Truman, Mondrian, Picasso, A. Miller, M. Monroe, R. Reagan, O. Hepburn und viele andere wurden einer von beste Werke in der Welt der Fotografie.

Pablo Picasso

Komposition und Ästhetik

Das Werk dieses Künstlers ist jedoch nicht nur von der Entwicklung eines neuen Genres geprägt. Er hat auch viel zur Entwicklung der Ästhetik der Fotografie beigetragen. Die Werke von Arnold Newman gelten zusammen mit den Werken eines anderen Meisters, A. Cartier-Bresson, als Ideal der Komposition. Tatsächlich ist jedes „Hintergrunddetail“ von A. Newmans Fotografien, sein Rhythmus, seine Linien, Formen, Farben und Nuancen der Umgebung eine harmonische Fortsetzung der Persönlichkeit der porträtierten Person und spiegelt die Atmosphäre und seinen Lebensstil wider.

Igor Strawinsky. Komponist. Foto von Arnold Newman.

Fotografien von E. Warhol, I. Strawinsky, P. Picasso und S. Dali können als hervorragende Illustrationen dieser These dienen. So lässt Strawinskys Foto, das später als Meisterwerk anerkannt wurde, zum Zeitpunkt seiner Entstehung jedoch von der Kundenzeitschrift „Harper’s Bazaar“ nicht akzeptiert wurde, den Betrachter mit seiner Strenge und seinen abstrakten Linien in die Atmosphäre idealer klassischer Musik eintauchen. Während das skandalöse Porträt des grausamen „Kanonenkönigs“ Alfred Krupp uns einen zynischen Teufel in seinem eigenen „Königreich“, in einer Industrieanlage, zeigt.

Alfred Krupp

Besonders interessant ist es zu beobachten, wie der Autor in Porträts von Künstlern den Zusammenhang mit deren Werk betont. Dieser Zusammenhang lässt sich leicht nachvollziehen, wenn man sich die Werke von Künstlern, Bildhauern und Fotografen ansieht, die Newman fotografierte:

Richard Lindner, Künstler:

Malen mit seinem Pinsel:

Milton Avery, Künstler:

Sein Bild:

Pie Mondrian, einer der Begründer der abstrakten Kunst:

Sein Job:

Max Ernst, berühmter surrealistischer Künstler:

Sein Bild:

Joan Miro, Künstler:

Sein Job:

Isamu Noguchi, japanischer Bildhauer:

Seine Skulptur:

Alexander Kalder, Pendelspezialist und Designer:

Und seine Arbeit:

Jean Arp, Bildhauer:

Seine Skulptur:

Man Ray, berühmter Fotograf:

Sein Job:

Bill Brandt, Fotograf:

Sein Job:

Marc Chagall, Künstler:

Sein Job:

Nicht nur berühmt...

Arnold Newmans Arbeit beschränkte sich nicht nur auf Porträts berühmter Persönlichkeiten. Unter seinen Fotografien gibt es viele Bilder von gewöhnlichen Menschen (die „Americans“-Serie). Auch bei diesen Fotografien blieb er seinen gestalterischen Prinzipien der Innenporträtmalerei treu. Sein Ziel war es, eine kleine Geschichte zu erzählen, die den Zuschauer unabhängig davon begeistert und in Erinnerung behält sozialer Status Person im Objektiv.

Beim Fotografieren versuchte der Autor nicht, über die objektive Welt zu sprechen, er drückte nur seine Vision aus, indem er mit den Ausdrucksmitteln der Fotografie die Persönlichkeit des Porträtierten, die umgebende Atmosphäre, seine Gefühle und Gedanken darüber, was passiert ist.

Auch A. Newman schenkte der Fotoausrüstung keine große Aufmerksamkeit. Schließlich, so der Meister, sei Fotografie in erster Linie eine Aussage des Autors über die Welt.

In seinen Interviews riet er angehenden Fotografen immer wieder dazu, nicht die Ideen anderer Menschen (einschließlich ihrer eigenen) zu übernehmen, sondern die eigene Autorensicht zu entwickeln, die in der Fotografie wertvoll ist.

Neben dem Porträtgenre fotografierte Arnold Newman auch abstrakte Stillleben. In Newmans Archiven sind sie aufgeführt als frühe Arbeiten. Aus diesen Stillleben kann man deutlich erkennen, wie der Autor einen Sinn für Komposition entwickelt hat.

Chronologie des kreativen Weges und der Veröffentlichungen des Autors

Arnold Newman wurde 1918 in New York geboren. Er studierte Kunst an der University of Miami, musste das Studium jedoch aufgrund finanzieller Schwierigkeiten abbrechen. Von diesem Zeitpunkt an fertigte er Porträts in Philadelphia an und verlangte dafür 49 Cent.

Der Beginn seines Ruhmes als Fotograf wurde durch einen Appell an den Abteilungsleiter des Museum of Modern Art in New York erleichtert. Dort lernte er später A. Stieglitz kennen, der das Potenzial des jungen Fotografen zu schätzen wusste. Von diesem Moment an bis zu seinem Tod im Jahr 2006 entwickelte sich A. Newmans Karriere kontinuierlich weiter.

A. Newman fotografierte für viele berühmte Magazine: Life, Look, Esquire, Harper’s Bazaar, The New Yorker und veröffentlichte mehrere Dutzend Bücher:

• „Bravo Strawinsky“
• „Die Porträts und andere Fotografien von Arnold Newman“,
• „Gesichter in die USA“
• „Künstler: Porträts aus vier Jahrzehnten“,

Zu den bedeutendsten Auszeichnungen zählt der International Center of Photography Award in Manhattan, der International Photo Award for Excellence in the Field Portraitfotografie, Medaille der Royal Photographic Society usw.

Viele Fotografen entscheiden sich für die Verwendung von natürlichem Licht, fast schon aus Stolz. Natürliches Licht ist eine großartige Quelle, die eine einfache Handhabung und eine vorteilhafte Ausleuchtung Ihres Motivs ermöglicht. Sie sollten es jedoch wie Studiolicht verwenden. Sie möchten Licht und Schatten erzeugen, die Emotionen oder Stimmung verleihen, und keine flache Beleuchtung, die keine Form, Textur oder Charakter vermittelt. Ich hoffe, diese Tipps helfen Ihnen dabei, einen Weg zu finden, Ihre klassischen Porträts bei natürlichem Licht zu verbessern.

№1 – suchen Qualität Sweta Und Schatten

Finden Sie zuerst das Licht gute Qualität– vorzugsweise ein offener Schatten, da dieser weiches diffuses Licht und weniger Kontrast ergibt. Vermeiden Sie direktes Sonnenlicht als Hauptlicht, da dies zu harten Schatten und Schielen führt, was bei Porträtaufnahmen überhaupt nicht erwünscht ist.

Offenen Schatten findet man zum Beispiel unter einer Markise, am Rand eines Baumes oder Gebäudes sowie in einer Tür oder einem Fenster. Auf diesen Bildern sind die Mädchen etwa 1,5 m (5 Fuß) vom Eingang der alten Scheune entfernt.

Schauen Sie sich die Schatten an; sie sind gleichermaßen wichtig. Schatten absorbieren Licht und schaffen Form und Stimmung.

Wenn Sie sich für einen Standort entschieden haben, überprüfen Sie den Hintergrund. Auch wenn Sie den perfekten Platz im offenen Schatten finden, achten Sie darauf, dass der Hintergrund nicht zu stark zu den beleuchteten Bereichen kontrastiert. Dies kann optisch ablenken. Versuchen Sie daher, einen einfachen Hintergrund mit wenig Kontrast zu wählen, der dunkler ist als die Person, die Sie fotografieren. Dadurch wird das Gesicht hervorgehoben und der hellste Ton vor dem dunklen Hintergrund hervorgehoben (alle Fotos in diesem Artikel zeigen dies).

Nr. 2 – Suche nach der Richtung des Lichts

Wenn Sie ein gutes Licht gefunden haben, überprüfen Sie dessen Richtung. Es ist notwendig, dass das Licht in einem Winkel von etwa 45 Grad zur Nase und aus einem höheren Winkel auf das Gesicht der zu fotografierenden Person trifft. Diese Höhe sollte als Ausgangspunkt ebenfalls etwa 45 Grad betragen.

Sie können die korrekte Platzierung des Modells anhand der Glanzlichter in den Augen überprüfen; Es sollte für etwa 0–11 oder 1–2 Stunden eine in jedem Auge vorhanden sein. (Dies hängt von der beleuchteten Gesichtsseite und der Struktur der Augenhöhle ab). Tiefliegende Augen benötigen etwas weniger Licht. Beachten Sie auch, dass der Schatten der Nase einen 45-Grad-Winkel haben sollte. Um die Blendung in den Augen zu reduzieren, müssen Sie den Winkel des Kopfes des Modells ändern, indem Sie ihn mehr oder weniger neigen. Selbst wenn Sie sich etwas weiter vom Rand des Baldachins entfernen, verringert sich der Lichtwinkel. Das ist das Gegenteil von dem, was man im Studio macht und die Lichter bewegt. Natürliches Licht ist fest vorgegeben und erfordert die Bewegung des Motivs und/oder der Kamera, um eine gute Beleuchtung zu erzielen.

№3 – Augen – Das Fenster V Seele

Die Glanzlichter in den Augen sind bei einem Porträt sehr wichtig. Sie geben nicht nur einen Hinweis darauf, woher das Licht kommt, sondern erzeugen auch ein Gefühl von Tiefe. TIPP: Keine Blendung = KEIN Foto. Wenn die Augen nicht geblendet sind, weisen die Augen nur eine minimale oder gar keine Textur und Farbe auf. Studieren Sie immer die Augen als Orientierungshilfe.

#4 – einfaches Posieren

Die hier gezeigten Porträts sind im klassischen Stil gehalten, wobei der Blick auf die Kamera gerichtet ist. Normalerweise sieht die Pose attraktiver aus, wenn Sie Ihre Schultern von der Kamera wegdrehen, was wiederum einem Winkel von 45 Grad entspricht Startpunkt. Wenn Köpfe und Körper zueinander geneigt sind, entsteht eine emotionale Verbindung. Wenn Sie aufrecht stehen oder sich zurücklehnen, zeigen Sie Distanziertheit.

Besonders bei Erwachsenen ist es auch gut, wenn die Nase leicht von der Kamera weggedreht ist. In den meisten Fällen erscheint eine Nase, die direkt auf die Kamera gerichtet ist, breiter, insbesondere in Kombination mit flacher Beleuchtung. Bei Kindern ist das nicht so kritisch und eine gute Beleuchtung sorgt für eine tolle Form.

Hände und Arme sollten eine einfache Haltung einnehmen, um nicht aufzufallen. Auf den Fotos 1 und 2 (oben im Artikel) sind die Hände gesenkt und sanft verbunden. Was Sie vermeiden sollten, sind gespreizte Finger, insbesondere an der Schulter, da das Bild dadurch unordentlich wirkt. Vermeiden Sie es, die Ellenbogen im 90-Grad-Winkel zu beugen. Hier ist ein einfaches Mantra, das Sie sich bei der Positionierung von Kopf, Armen, Beinen, Handflächen, Hüften, Schultern usw. merken sollten:

Wenn es sich verbiegt, biegen Sie es. Wenn es sich verbiegt, biegen Sie es. Wenn es sich dreht, drehen Sie es.

Die Anwendung dieser Regel hilft, statische Posen zu vermeiden.

№5 – Ausdruck

Der Ausdruck ist vor allem das wichtigste Element eines Porträts. In den meisten Fällen übertrifft ein schlecht ausgeleuchtetes und schlecht inszeniertes Porträt mit schönem Ausdruck ein technisch perfektes Porträt mit durchschnittlicher Emotion, aber das ist kein Grund, den Weg der Mittelmäßigkeit einzuschlagen.

Ausdruck ist persönlich. Ich wähle einen stimmungsvollen, gefühlvollen Stil, aber Ihre Sitzungen sollten eine Vielzahl von Emotionen wie Lachen, Lächeln, Nachdenklichkeit usw. beinhalten. Um diesen gefühlvollen Stil zu erreichen, können Sie nicht in eine hyperaktive Stimmung geraten und einen gefühlvollen Look erwarten. Der beste Ansatz Es wird einen Zen-Stil geben, der sanft die Richtung vorgibt. Solche Porträts im klassischen Stil verleihen wunderschön große Augen, entspannte Gesichtsmuskeln und natürliche Form Lippen Wirklich zeitlose, gefühlvolle Porträts, aber alles erfordert Übung.

Endeffekt

• Verwenden Sie natürliches Licht wie Studiolicht.
• Finden Sie hochwertiges weiches Licht;
• Suchen Sie nach Schatten, um Form und Stimmung zu erzeugen;
• Platzieren Sie das Modell als Ausgangspunkt im 45-Grad-Winkel zum Licht.
• Die Lichtquelle ist feststehend. Bewegen Sie daher das Modell und die Kamera, um die Höhe des Lichts in den Augen zu verringern.
• Überprüfen Sie die Augen auf Blendung.
• Vereinfachen Sie die Pose;
• Der weiche Ausdruck eignet sich am besten für klassische, zurückhaltende Porträts.

Notiz

In jedem dieser Bilder kann durch einfaches Drehen der Kamera ein anderer Winkel des Gesichts (2/3 Gesicht oder Profil) erreicht werden. Pose und Beleuchtung können gleich bleiben, passen Sie einfach die Kopfdrehung leicht an und überprüfen Sie den Hintergrund.

Auch die Farbe der Kleidung spielt für ein gutes Porträt eine wichtige Rolle. Für zurückhaltend Am besten eignet sich dunkle Kleidung. Ihr Blick sollte auf die hellsten Töne des Porträts gelenkt werden, sodass helle Kleidung ablenkt.

Liebe Kolleginnen und Kollegen. Mein Name ist Dmitry. Ich möchte Ihnen meine Geschichte über die Arbeit mit einem klassischen Studioporträt erzählen und erklären, wie man es verarbeitet. Es begann damit, dass sie mir das Beleuchtungsschema zeigten, in dem es gedreht wurde, und ich vergaß es ein Jahr lang, bis ich eines Tages, als ich in einer Wohnung drehte (damals hatte ich ein paar Studioblitze), ich hat dieses Porträt gemacht:

Ich habe es abgenommen, aber erst ein halbes Jahr später verarbeitet. Und dem Publikum gefiel diese Arbeit. Es wurde auf einem schwarzen Vlieshintergrund und mit einer einzigen Lichtquelle, einem Blitz und einer großen Softbox, aufgenommen. Da die Wohnung klein war, befand sich der Blitz nicht weit vom Modell entfernt. Somit erzeugte die Größe der Softbox und der Abstand ein recht weiches Licht.

Hier beginnt mein Streben nach einem fotografischen Porträt – so würde ich es nennen, weil mir viele Menschen von der Ähnlichkeit meiner Arbeiten mit Gemälden erzählt haben. Nächste Gut gemacht Es hat sich auch relativ zufällig ergeben, da ich die meiste Zeit mit einer Reibeplatte fotografiert habe und dann buchstäblich für etwa 10 Minuten eine große Softbox mit Reflektor an der Seite des Modells aufgestellt habe.

Nachdem ich mich an Wörterbücher gewandt und eine zum Thema passende Auswahl getroffen hatte, erhielt ich Folgendes: (vom lateinischen classicus – vorbildlich, erstklassig). Und außerdem: perfekt, vorbildlich, typisch, der Beste seiner Art, ausgezeichnet, korrekt, streng. Es gibt viele weitere Definitionen des Wortes „klassisch“, aber ich empfehle, bei den oben genannten zu bleiben.

Ein klassisches fotografisches Porträt ist für mich ein Porträt, das nach den Kanons (Regeln) erstellt wurde, die uns zu einem (aus der Sicht eines Klassikliebhabers) perfekten Ergebnis führen. Und das tun sie wirklich! Allerdings führen sie nicht immer. Die Regeln der Fotografie, die Kanons der Porträtmalerei, stammen aus der Malerei. Und sie wurden bereits in der Antike in der Malerei festgehalten.

Was sollten wir meiner Meinung nach sehen, wenn wir ein klassisches fotografisches Porträt betrachten? Tadelloses Licht, das das Volumen von Gesicht und Körper des Models korrekt wiedergibt und eine bestimmte Stimmung im gesamten Bild beibehält. Die Pose des Models ist natürlich, in allen ihren Bestandteilen ästhetisch, zurückhaltend, mit begrenzter Dynamik. Die Pose und das Licht betonen, d.h. Heben Sie die Vorzüge der Figur des Modells hervor und verbergen Sie etwaige Mängel. Tatsächlich ist das Wissen über die Prinzipien der Erstellung eines klassischen Porträts und die Fähigkeit, es anzufertigen, mit der Fähigkeit eines Künstlers vergleichbar, eine Kuh zu zeichnen.

Eine Geschichte über eine Kuh. Vor Kurzem hat das Bürgermeisteramt einer europäischen Stadt einen Wettbewerb unter Künstlern ausgeschrieben. Der Gewinner des Wettbewerbs erhielt das Recht, sein Bild an die Hauswände zu malen und so seinen Namen in der Geschichte der Stadt zu verewigen. Die Künstler stellten der Jury Skizzen zur Verfügung, alle ganz im abstrakten Stil. Die Mitarbeiter des Rathauses verstanden wenig von Kunst, insbesondere von abstrakter Kunst. Deshalb kündigten sie eine zweite Runde an, in der sie dieselben Künstler aufforderten, eine gewöhnliche, nicht abstrakte Kuh zu zeichnen. Es stellte sich heraus, dass die „Schöpfer“ dies nicht konnten, da sie alle Autodidakten waren und nie lernten, „richtig“ zu zeichnen.

In meinen Vorlesungen spreche ich so viel über die Regeln beim Erstellen eines Porträts, dass meine Studenten mir mehrmals eine leidenschaftliche und ungezügelte Liebe zum klassischen fotografischen Porträt „vorgeworfen“ haben. Das ist nicht so. Ich respektiere das klassische Porträt, weil seine Erstellung jahrhundertealtes Wissen erfordert. Und dieses Wissen kann und sollte in jeder anderen Art der Porträtfotografie genutzt werden. Ich bin dafür, dass der Fotograf „eine Kuh zeichnen“ kann. Und wenn Sie möchten oder eine besondere Autorenvision haben, können Sie auch Abstraktionen zeichnen, wie es beispielsweise Picasso getan hat. Ich bevorzuge Porträts, die nicht nur die Hauptidee eines klassischen Porträts – Ästhetik – in sich tragen, sondern noch etwas anderes. Aber dazu später mehr.

Links: Porträts von Olga Khokhlova, Picassos Frau, gemalt von ihm in den Jahren 1917 und 1923. Wie auffallend verändert sich die Haltung des Künstlers gegenüber seinem Modell im Laufe der Zeit!

Und noch eine letzte Sache. Wenn Sie sich ernsthaft mit Modefotografie befassen möchten, sollten Sie dieses Buch mit großer Vorsicht behandeln. Die für die meisten Fotografen typische Technik der Modefotografie unterscheidet sich grundlegend von der Technik der inszenierten Porträtfotografie. Unterschiedliche Prinzipien der Lichteinstellung, ein anderer Ansatz bei der Belichtungsmessung und darüber hinaus in einem größeren Ausmaß, Arbeiten mit dem Modell. Auf die Hauptunterschiede beim Filmen dieser beiden Genres werde ich in den entsprechenden Themen eingehen. Berücksichtigen Sie einfach den Teil des Wissens der klassischen Porträtmalerei, der Ihnen in der Modefotografie nützlich sein kann. Das ist, was ich tue.