Handwerker schaffen mit Miniaturwerkzeugen und Fräsern verschiedener Formen prächtige „Knochenspitze“ und strukturierte Oberflächen. Shtikhel ist ein Schneidwerkzeug, ein Stahlmeißel, mit dessen Hilfe Schnitzer ausdrucksstarke Figuren von Tieren, Menschen, Skulpturengruppen sowie Gravur- und Reliefbilder auf verschiedenen Knochenarten schaffen.

Eines der unter Schnitzern am meisten verehrten Materialien ist Mammutelfenbein. Mammuts sind vor etwa 10.000 Jahren ausgestorben, und die Erkenntnis, dass wir in unserer Zeit eine tausendjährige Geschichte berühren können, die Zeiten, in denen diese majestätischen Tiere auf der Erde lebten, ist bewundernswert.

Es wird angenommen, dass sich im russischen Norden noch immer mehr als 500.000 Tonnen Stoßzähne befinden. Doch intakte, gut erhaltene Stoßzähne sind eine Seltenheit, denn sie zerfallen oft wie rohes Holz.

Die Überreste von Mammuts werden meist an verlassenen Orten gefunden: auf Inseln, die nur mit dem Hubschrauber erreichbar sind, in der Tundra, wo sich über viele Kilometer verlassenes Gelände erstreckt. Die Größe eines Mammutstoßzahns kann einen Durchmesser von bis zu 2 Metern erreichen und sein Gewicht kann 120 kg betragen! Tatsächlich sind Mammutstoßzähne ein einzigartiges fossiles Material, zu dem es keine Analogien gibt; es ist stärker als Elfenbein und der Hauptunterschied besteht darin, dass Mammutstoßzahnknochen verschiedene Farben haben. Tatsache ist, dass die Stoßzähne im Laufe der Jahrtausende, die sie unter der Erde verbrachten, einer Mineralisierung unterlagen und im Laufe der Zeit eine Vielzahl von Farbtönen annahmen – von Braun und Orange bis hin zu Rosa und Lila. Aufgrund seines einzigartigen Farbspektrums wird Mammutelfenbein seit der Antike zur Herstellung teurer Kisten, Figuren, Kämme, Armbänder und anderen Schmuckstücken verwendet; es wurde auch zur Verzierung teurer Waffen verwendet.

Walrossstoßzahn - sehr schönes Material, das eine heterogene Struktur aufweist. Der Stoßzahn weist oft versteckte Risse auf, die bereits zu Lebzeiten des Walrosses entstehen. Die Oberflächenfarbe ist entweder reinweiß oder leicht gelblich. Manchmal gibt es fleckige Reißzähne, die mehrere zehn oder hundert Jahre im Boden gelegen haben; einige dieser Exemplare haben bräunlich-grünliche Farbtöne.

Walskelettknochen sind ein ungewöhnliches Material, das sich durch seine Größe (z. B. erreichen die Rippen bis zu 2 Meter) und seine poröse Struktur (insbesondere die Wirbel) auszeichnet. In Tschukotka darf pro Jahr nur ein Wal gefangen werden. Um seine Knochen zu verwenden, muss man also mehr als ein Jahr warten, da man dem Skelett noch die Möglichkeit geben muss, vollständig zu trocknen und überschüssige Feuchtigkeit zu entfernen.

In Russland ist diese Art von Kunst vor allem in den nördlichen Regionen verbreitet: Region Archangelsk (Kholmogory geschnitzter Knochen), Autonomer Kreis der Jamal-Nenzen (Jamal geschnitzter Knochen), die Stadt Tobolsk (Tobolsk geschnitzter Knochen), Jakutien und Tschukotka (Tschuktschen geschnitzt). Knochen).

Schach. Erste Hälfte des 18. Jahrhunderts

Die Knochenschnitzerei im fernen Jakutien ist einzigartig und bildet dank des Einflusses russischer Siedler und der bereits vorhandenen Fähigkeiten der Jakuten in der Verarbeitung dieses edlen Materials eine lebendige lokale Kunstschule. Der Aufstieg der Knochenschnitzkunst der Meister aus Nischni Nowgorod und St. Petersburg im 18.-19. Jahrhundert war nur von kurzer Dauer. Die Fähigkeit des Knochenschnitzens erwies sich in der Provinz Archangelsk in Kholmogory, ihrem Bezirk und Archangelsk sowie in Jakutien als äußerst stabil. Es waren die Knochenschnitzer aus Kholmogory und Jakut, die uns eine reiche Bevölkerung hinterlassen haben. Weder Tobolsk noch Tschukotka – bekannte Zentren der sowjetischen Volksschnitzkunst, sondern Knochen – wurden im 18. und 19. Jahrhundert als eigenständige Zentren künstlerischer Schnitzkunst gegründet. Sehr bald entwickelten sie ein Interesse an der dreidimensionalen Skulptur, die zu Sowjetzeiten entwickelt wurde. Obwohl die Entstehungsgeschichte der Knochenschnitzerei in Tobolsk am Ende des 19. Jahrhunderts einigermaßen bekannt ist, ist es äußerst schwierig, die Werke und ihre künstlerische Spezifität zu beurteilen. Nur wenige Beispiele von Tobolsk-Produkten haben das Nacktalter erreicht. Ende des 19. Jahrhunderts zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Skulpturengruppe Alexander der Große, zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Kholmogory- eine Art Vorläufer der raffinierten Schnitzkunst, die in den Hauptstädten neue, sozusagen akademische Formen annahm und im fernöstlichen Jakutien die Merkmale der lokalen Kultur aufnahm. Die stilistischen Merkmale der Werke, kombiniert mit historischen Fakten, werden uns helfen, den gemeinschaftlichen Entwicklungsprozess der verschiedenen Formen der Knochenschnitzkunst nachzubilden, der in Russland jahrhundertelang existierte und sich auch heute noch weiterentwickelt.
In der Fachliteratur wird die Frage der Produktionstechnologie für geschnitzte Knochenprodukte recht ausführlich behandelt. Die Werke von A. Selivanov, G. Roganov, B. Zubakin und anderen Autoren enthalten Daten zu den Eigenschaften von Knochen – einem Material für künstlerisches Handwerk, zu den wichtigsten Methoden seiner Vorverarbeitung und beleuchten den Schnitzprozess selbst.
Interessante Informationen zum Färben von Knochen geben S. Vanin und S. Vanina im Buch „Techniken der künstlerischen Möbeldekoration“, in dem sich die Autoren auf das Manuskript „Über das Färben eines Gefäßes“ aus dem 16.-17 zum Schwärzen der Tinte“ und schließlich zum Erlass „Über das Schwärzen der Kreuze der Seehechtfische“.
Darüber hinaus besteht heutzutage ein erhöhtes Interesse an der Wiederbelebung heller Knochenfarben oder gravierter Designs.
Die Kunst des Knochenschnitzens unter russischen Meistern hat die tiefsten Traditionen. Die erhaltenen archäologischen Stätten ermöglichen es uns, uns vorzustellen, wie sich die Fähigkeiten des Knochenschnitzens nach und nach entwickelten und wie ornamentale Muster entstanden (einige davon – das „Augenornament“, also ein Kreis mit einem Punkt in der Mitte – wurden bis zum 19. Jahrhundert traditionell). ), wie dreidimensionale Formen und Bildmotive in der Schnitzkunst entwickelt wurden, wie sie in der plastischen Kleinplastik zum Erfolg gelangten. Es ist kein Zufall, dass viele Ausländer über die im Moskauer Staat des 16.-17. Jahrhunderts weit verbreitete Knochenschnitzerei schrieben – S. Herberstenn, D. Fletcher und andere. Einige von ihnen, zum Beispiel ein Diptychon mit der Darstellung von Fjodor, Dimitri, Gregor und Andrei Stratelates, das von Meistern aus Solwytschegodsk, offenbar für die Stroganows, ausgeführt wurde, verblüffen durch die Filigranität des Reliefs und die Vielfigurigkeit der komplexen Komposition. In dieser Hinsicht konkurriert das Diptychon mit Knochenschnitzereien Moskauer und nordrussischer Meister des 16. Jahrhunderts. Dieser Zeit kann eine kleine Knochenikone aus dem 16. Jahrhundert aus der Sammlung der Staatlichen Eremitage zugeordnet werden, die Feiertage darstellt. Seine kompositorische Struktur ist eindeutig geometrisch. Jede Briefmarke enthält Mikrokompositionen mit detaillierten Inschriften. Zahlreiche Figuren sind hauptsächlich frontal platziert, aber die Fähigkeit, sie in jeder Markierung zu platzieren, die Plastizität der Modellierung, die gefundene Proportionalität – alles spricht von der geschickten Hand des Schnitzers, der möglicherweise nicht nur an Knochen, sondern auch an Holz gearbeitet hat . Es ist schwierig, diese Ikone mit genau kommentierten Werken gleichzusetzen, da nur eine geringe Anzahl von ihnen bekannt ist. Diese Ikone kommt der Schnitzerei des Kilizischen Kreuzes aus dem Spaso-Prilutsky-Kloster Wologda am nächsten. Es ist jedoch flexibler in der Interpretation. Eines ist sicher: Ohne die traditionelle Kontinuität des Schnitzhandwerks wäre die Schaffung eines solchen Werkes nicht möglich.

Ein Nadelkissen in Form eines Zuges. 1840er Jahre

Nordrussische Knochenschnitzer haben in dieser Hinsicht bedeutende Erfolge erzielt.
In der Fachliteratur werden immer wieder die Namen der Schnitzer erwähnt, die in den Dokumenten der Rüstkammer aufgeführt sind und deren Werke im letzten Jahrhundert von A. Viktorov und A. Uspeshky veröffentlicht wurden. Dies waren unübertroffene Künstler geschnitzter Grasornamente, in die verschiedene Tierbilder eingewebt waren. Der Thron war vollständig mit Reliefknochenplatten bedeckt, von denen einige im Laufe der Zeit verloren gingen.
Die Sheshsnns haben mehrere Reliefs neu geschnitzt, um den Zeremonienthron wiederherzustellen und allein dadurch den Ruhm der Kunst der nordrussischen Meister des 17. Jahrhunderts zu bewahren. Und in der Waffenkammer ist dieses einzigartige Werk ausgestellt. Dort wird auch ein halbrunder Knochenkamm aufbewahrt, der von einem der Sheshenins hergestellt wurde. Ein Doppeladler, ein Einhorn, ein Löwe und Grasmuster bilden das Reliefschnitzmuster auf dem durchgehenden Hintergrund. Die Art der Ausführung gibt uns Freiheit und spricht Bände über die umfangreiche Erfahrung des Künstlers. Aus Archivdokumenten geht hervor, dass der letzte Schnitzer dieser Familie, Wassili, noch im Jahr 1723 arbeitete. Deshalb stehen die Namen von Shesheniykh, Denis Zubkov, Ivan Katerinin und anderen neben den Namen der polnischen und weißrussischen Meister Kirill Tolkachev, Danila Kokotka, Ivan Dracula, Samoila Bogdanov, Ivan Nikitin und des „Ausländers“ Ivan Gan.
Einerseits verfeinerte eine Schule wie die Moskauer Waffenkammer die Kunst der Knochenschnitzer und brachte sie an die Spitze der Künstler. Andererseits brachten sie bei ihrer Rückkehr in ihre Heimat lebendige Eindrücke mit, entwickelten einen künstlerischen Geschmack, verfeinerten darstellerischen Fähigkeiten und einen verfeinerten Stil. Auf hiesigem Boden wurde all dies noch einmal durch die leuchtende Quelle der Volkskunst bereichert, und dieser ganze Prozess dauerte unendlich lange. Doch gerade in diesem Prozess lag die Kraft der Kunst der nordrussischen Meister. Aus diesem Grund wurden die Knochenschnitzer aus Kholmogory seit Beginn des 18. Jahrhunderts zu regelmäßigen Gästen der neuen Hauptstadt St. Petersburg.
Aus dem 16. Jahrhundert ist eine etwas größere Anzahl von Knochenschnitzarbeiten erhalten. Kämme, Schatullen, Kisten, Schachspiele und andere kunstvolle Haushaltsgegenstände bildeten das Sortiment geschnitzter Knochenprodukte. Normalerweise waren sie mit einer durchgehenden Verzierung üppiger Blütenpflanzen verziert, in die durchbrochene Details, Vasen und seltener Menschenfiguren eingewebt waren. Ihre Reliefschnitzerei ist großformatig, ähnelt gemusterter Holzschnitzerei und steht gleichzeitig zweifellos im Zusammenhang mit der Verzierung von Buchkopfbedeckungen, die nach russischen Holzschnitten des 17. Jahrhunderts hergestellt wurden.

Teller mit einem Porträt von M. V. Lomonosov. Anfang des 19. Jahrhunderts

Als eines der charakteristischen Beispiele dieser Art künstlerische Produkte Als Sarg kann ein Teremok aus der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert aus der Sammlung des Museums für Ethnographie der Völker der UdSSR dienen. Dem Meister gelang das üppige Kräutermuster aufgrund seiner Saftigkeit, dem lebendigen Gefühl einer Pflanze voller Säfte und kraftvoller Vitalität. Auf dem Deckel in der Mitte befindet sich ein Turm mit zwei Fenstern, in dem eine Märchenprinzessin mit Kleeblattkrone auf dem Kopf, im Mantel über einem langen Kleid und auf den Knien ein Totenkopf sitzt. Auf der Facette, im Zentrum der Ornamentkomposition, ist ein Mann im Kaftan mit Rüschen und flauschiger Perücke dargestellt, umgeben von Locken mit schlangenähnlichen Köpfen. Es ist schwer zu sagen, welche Art von Bildern der Knochenschnitzer in die dekorativen Schnitzereien des Deckels einbringen wollte. An der Vorderwand des Sarges befanden sich inmitten des Laubwerks, das die spitzen Gebäude umgab, zwei sitzende Frauenfiguren mit wallendem Haar – dieser Prozess dauerte endlos lange. Doch gerade in diesem Prozess lag die Stärke der Kunst der nordrussischen Meister. Aus diesem Grund wurden die Knochenschnitzer aus Kholmogory vom Beginn des 15. bis zum 3. Jahrhundert zu regelmäßigen Gästen der neuen Hauptstadt St. Petersburg.
Eines der charakteristischen Beispiele für diese Art von künstlerischen Produkten kann ein Sarg-Teremok aus der Wende des 17. und 18. Jahrhunderts aus der Sammlung des Museums für Ethnographie der Völker der UdSSR sein. Dem Meister gelang das üppige Kräutermuster aufgrund seiner Saftigkeit, dem lebendigen Gefühl einer Pflanze voller Säfte und kraftvoller Vitalität. Auf dem Deckel in der Mitte befindet sich ein Turm mit zwei Fenstern, in dem eine Märchenprinzessin mit Kleeblattkrone auf dem Kopf, im Mantel über einem langen Kleid und auf den Knien ein Totenkopf sitzt. Auf der Facette, in der Mitte der ornamentalen Komposition, ist ein Mann in einem Kafgan mit Rüschen und flauschiger Perücke dargestellt, umgeben von Locken mit schlangenähnlichen Köpfen. Es ist schwer zu sagen, welche Art von Bildern der Knochenschnitzer in die dekorativen Schnitzereien des Deckels einbringen wollte. An der Vorderwand des Sarges befanden sich zwischen dem Laubwerk rund um die spitzen Gebäude zwei sitzende Frauenfiguren mit wallendem Haar in langen Kleidern. Eine hat ein totenkopfförmiges Gefäß auf den Knien. Solche Bilder lassen sich erklären, wenn wir uns an die besondere Vitalität anthropomorpher Bilder in der mündlichen Volkskunst der pommerschen Bevölkerung erinnern. Im Norden bewahrte die Mythenbildung das Bild einer Meerjungfrau, die im Sommer im Roggen lebt und Mittag genannt wird, und im Frühling im Wasser. Anscheinend entpuppte sich die geschnitzte Knochenschatulle als das Objekt, auf dem die Fantasie des Meisters kühn die vielfältigen, aber bedeutungsvollen Figuren eines Herrn voller Realität in europäischer Kleidung und einer für die Mythologie traditionellen Meerjungfrau kombinierte. Sie ist der Geist der Natur, daher war es so natürlich, sie in das üppige Gras der geschnitzten Ornamente einzuführen. Hier scheinen Vorstellungen von der Kraft der Natur und ihrer gewaltigen Schönheit zu verschmelzen. Der Meister drückte seine Liebe zu dekorativen Mustern, Fantasie und Realität aus. Er verkörperte seinen Plan in der Harmonie des geschnitzten Musters, in seiner besonderen Proportionalität, die mit einer musikalischen Phrase verglichen werden kann, einem klaren Klangrhythmus, der nicht gestört werden kann, weil dann die Einheit des Künstlerplans zerstört würde.
Ein weiteres Beispiel prächtiger Knochenschnitzerei nordrussischer Meister des frühen 18. Jahrhunderts ist der Sarg-Teremok aus der Eremitage-Sammlung.
Die durchgehende Schnitzerei, die die Oberfläche verziert, ist auf vergoldeter Folie überlagert, wodurch eine zarte Farbharmonie mit dem warmen Knochenton entsteht. Das Schnitzmuster zeichnet sich durch den Reichtum und die Üppigkeit der sich ausbreitenden Gräser aus. An jeder Wand befindet sich ein kompositorisches Zentrum: An den Stirnwänden befindet sich eine Rosette einer Blume, von der zwei Paare von Akanthuszweigen mit Fruchtbüscheln symmetrisch zu verschiedenen Seiten divergieren, an der Vorder- und Rückwand befindet sich ein doppeltes Akanthuskleeblatt mit Zweigen mit seitlich ausgebreiteten Blüten. Das kompositorische Zentrum des Deckels ist das Bild des Hauptretters. In den Werken der Ikonenmaler nahm es einen Ehrenplatz ein, es wurde anstelle des Densus oder darunter auf der Ikonostasetafel platziert. Die von E. Smirnova geäußerte Meinung, dass dieses Bild in der nördlichen Region besonders verehrt wurde, ist offenbar richtig. Warum sollte es sonst auf einer so prächtig geschnitzten Knochenschatulle platziert werden, die von nordrussischen Kholmogory-Meistern angefertigt wurde? Es ist interessant, auf ein weiteres Detail zu achten – zwei Monstermasken, die sich zwischen den Zweigen auf den Abschrägungen des Deckels befinden. Solche Masken waren typisch für die angewandte Kunst westeuropäischer, insbesondere deutscher Meister. Man findet sie ständig auf Holzschränken, Stühlen, Kisten und anderen Gegenständen des 13. Jahrhunderts. Dieselben Masken sind jedoch in der Verzierung von Buchkopfbedeckungen und in Stichen aus der Zeit Peters des Großen zu sehen. Beim Knochenschnitzen wurden daraus konventionelle Bilder wie Palmetten. Die Neuinterpretation entlehnter Motive führte zur Bereicherung neu geschaffener Kompositionen, die im Einklang mit lokalen Traditionen aufgeführt wurden. Der Meister war offensichtlich in Kunstfragen bestens informiert und vereinte deren Elemente zu einem künstlerisch ganzheitlichen Werk.

Podchasnik. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts

In der Praxis ist die Rolle des Ornamentmusters bis heute äußerst wichtig. Der Meister steht jedes Mal vor der Aufgabe, die Besonderheiten des Materials zu berücksichtigen und das Muster harmonisch mit der Form des Objekts zu verbinden. Die Besonderheit des Ornaments und der Konvention, die es nicht zulässt, dass es sich um ein vollständiges, unabhängiges Werk handelt, das von der Form und dem Zweck des Objekts isoliert ist. Unabhängig davon, auf welchen Prinzipien die Gestaltung des Ornaments basiert, behält es immer das Recht, im Gesamtplan des Meisters als dekoratives Element bezeichnet zu werden. Daher ist die Rolle des Kräuterschmucks in der Kunst des 17. und frühen 18. Jahrhunderts ebenso wichtig und entscheidend wie Samenanlagen, Perlen, Mäander und Akanthustriebe mit Rosetten, Kränzen und Girlanden für die Kunst des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts.
Die Stilmerkmale der Zeit kamen in den ornamentalen und figurativen Knochenschnitzereien nordrussischer Meister nicht nur an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, sondern auch in den folgenden Jahrzehnten voll zum Ausdruck.
Mit dem Erscheinen des Buches „Symbole und Emblemata“ in der russischen Übersetzung von 1705 begannen verschiedene Handwerker, darunter auch Knochenschnitzer, es in großem Umfang zu verwenden. Die Schnitzer aus Kholmogory kauften mehr als ein Exemplar dieses Buches. Beispielsweise kaufte der Knochenschmied Andrei Protopopov im Jahr 1718 gleichzeitig sieben Exemplare dieser reich illustrierten Publikation in der Gemüsestraße in Moskau. Aus diesem Grund erschienen auf Knochenprodukten Relief- und Gravurbilder, die die Zusammensetzung runder Medaillons aus der Amsterdamer Ausgabe variierten. Als Hinweis dienen zwei Hörner zum Pulverisieren von Schießpulver aus der Hermitage-Kollektion. Sie wurden ausschließlich dekorativ im Geiste der Zeit Peters des Großen gestaltet. Die Pulverflasche von 1719 ist nur mit einem Relief mit einer recht komplexen Komposition aus symbolischen Bildern und Erklärungen sowie anderen Inschriften verziert. Auf der einen Seite nimmt Amor der vielköpfigen Hydra das Herz weg, was wie folgt erklärt wird: „Niemand wird es mir nehmen“; auf der anderen Seite schwebt Amor über einem Altar mit vier Herzen – „Eins reicht mir“, hier steht das Datum: „1719“. Der Seitenrand ist mit einer dreidimensionalen Figur eines liegenden Löwen verziert und das Ende des Horns hat die Form eines Monsterkopfes. Die Blattlocken der Kartusche, Abgrenzungsstreifen, Inschriften und Figuren – alles ist im Relief ausgeführt, recht niedrig, mäßig verallgemeinert, mit einem Wort, wie es in der Kunst des ersten Viertels des 18. Jahrhunderts üblich war. Die Logik der Konstruktion einer ornamentalen und dekorativen Lösung, ihre völlige Einheit mit der Form des Objekts, gibt uns das Recht, dieses kleinformatige Objekt als eines der typischsten seiner Zeit zu betrachten. Die handwerkliche Tradition besteht hier darin, dass der Knochenschnitzer alles berechnete und entsprechend dem künstlerischen Stil der Zeit richtig über die Komposition und die einzelnen Bilder entschied.

Dekorativer Schrank mit Clavichorden. 1830-1840er Jahre

Ebenso präzise war die Platzierung des gravierten Bildes auf einem weiteren Pulverkolben aus dem ersten Viertel des 18. Jahrhunderts mit dem eingravierten Monogramm des Schnitzers „IH“. Seine Form ist die gleiche – ein leicht abgeflachtes Horn mit Relieffiguren eines Löwen und eines Drachen am oberen Rand und einem Monsterkopf am spitzen Ende. Auf den Seiten sind Szenen aus dem Kampf Simsons mit den Philistern zu sehen. Das dargestellte Ereignis wird durch den entsprechenden Text oben in der Komposition bestätigt. Hervorzuheben ist die Technik, mit der der Meister die feindliche Armee darstellte: Zahlreiche, mit der Spitze nach oben gerichtete Spitzen bilden eine dichte Menschenmenge, während es nur sehr wenige Kriegerfiguren gibt. Auf die Füße der Besiegten (von denen es auf beiden Seiten mehrere gibt) tritt Samsa mit einem kriegerisch erhobenen Schwert in der rechten Hand. Auf der anderen Seite des Horns befindet sich die Figur eines Mannes, der einen Korb mit einer schweren Last auf der Schulter trägt. In der Ferne ist ein Dorf mit mehreren Häusern abgebildet; Die Vegetation wird durch drei sehr anmutige Zweigbüsche dargestellt, die für Kholmogory-Knochenschneider charakteristisch sind. Die Konventionalität des Bildes, die Betonung der Hauptfigur war schon immer ein besonderes Merkmal künstlerische Kreativität Nordrussische Meister. Die Linie der Zeichnung wurde mit dunkler Farbe gelöscht. Dadurch entsteht die Illusion eines gravierten Bildes, insbesondere weil der Hintergrund des Knochens hell ist, wie der Hintergrund des Papiers, auf das die Gravur gestempelt wurde. Der Meister nutzte den gravierten Druckbogen ungeniert als Vorlage für seine Komposition auf Knochen. Reliefschnitzereien in Form von dreidimensionalen Tierfiguren sind nur zur Verzierung der Rippen und der Hornspitze erhalten. Werke dieser Art stammen aus der Zeit der größten Begeisterung für Kupferstiche, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts zu beobachten war. Bezeichnend hierfür ist eine Gruppe aus Knochen geschnitzter Pulverflaschen aus der Sammlung der Staatlichen Eremitage und des Staatlichen Historischen Museums, die im ersten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts hergestellt wurden. Sie verbinden ein gemeinsames Design mit den obligatorischen dreidimensionalen Tierfiguren am Rand sowie einer identischen Schnitzerei der Spitze in Form des Kopfes eines Seeungeheuers, möglicherweise eines Wals oder eines Delfins. Szenen von jagenden und kämpfenden Tieren sind das Hauptthema der Reliefschnitzereien auf Pulverflaschen. Der Vergleich von Pulverflaschen mit einzelnen Werken von Kholmogory-Knochenschnitzern aus der ersten Hälfte des 18 zur gestellten künstlerischen und dekorativen Aufgabe. Daher sehen wir Variationen der berühmten Stiche aus „Symbole und Embleme“. Ein Adler, der einen Hasen überholt, oder ein Reiter, der einen Strauß jagt, einerseits, andere Beispiele gaben den Schnitzern die Möglichkeit, eine Bärenjagdkomposition zu schaffen. Die hitzigen Kämpfe der Tiere, ihr intensiver Kampf werden durch die Elemente der Landschaft und die benachbarten ruhigeren Figuren betont. Das Friesdesign der Kompositionen auf den Pulverflaschen ist durchaus logisch, aber auf einer der Schachteln, offenbar einer Zigarettenschachtel, sieht es weniger gerechtfertigt aus, dass der Schnitzer mehrere Szenen aufgeführt hat: Bärenjagd, ein Rentiergespann im Wald, Rast in der Nähe Pest der Nordländer in Malitsy, und alle sind in Streifen mit einer offensichtlichen Überlastung an Reliefschnitzereien dargestellt.
Und einige Werke behalten die schräge Schattierung des Hintergrunds bei, den unbestrittenen Einfluss der Gravur mit ihrer spezifischen Unterteilung des Hintergrunds. Und in den 1730er Jahren und in der Mitte des 18. Jahrhunderts wird diese Quelle in geringerem Maße spürbar sein, da sich Schnitzer von der subtilen Modellierung des Reliefs in raffinierter Schnitzerei, von der Schaffung einzigartig kunstvoller Kompositionen, kombiniert mit hinreißen lassen Porträt- und Motivbilder. Einzelne Zeichnungen wurden jedoch im Laufe des 18. Jahrhunderts mehrfach wiederholt. Unter ihnen erfreuten sich „Das Urteil König Salomos“, „Adam und Eva im Paradies“, „Samson und der Löwe“, „Der Wal, der Jona austrieb“, „Die Frucht des gelobten Landes“ und viele andere besonders großer Beliebtheit. Sie wurden Sonderpublikationen entnommen, sorgfältig studiert, kopiert, die Hauptfiguren und Details neu gezeichnet und auf dieser Grundlage eigenständige eigenständige Kompositionen geschaffen. Im gesamten 18. Jahrhundert waren literarische und grafische Themen eng in die Arbeit der Knochenschnitzer integriert. Es ist bekannt, dass sie manchmal sogar Laken für zeremonielle oder maßgeschneiderte Arbeiten verwendeten.
Ein markantes Beispiel hierfür ist der dekorative Teller nach dem ersten Stichblatt „Die theologische These von Sylvester Kulyabka“. Wie Sie wissen, wurde 1744 ein großer feierlicher Kupferstich angefertigt, der Kaiserin Elisabeth Petrowna gewidmet war. Sie ist auf einem Thron sitzend dargestellt, neben ihr sind Peter II. und Anna, Herzogin von Holstein. Neben den mit prachtvollen barocken Schnitzereien verzierten Thronen stehen allegorische Figuren, die gut mit symbolischen Kompositionen in sechs runden Medaillons über dem Mittelteil abgestimmt sind. Auch Medaillons sind in üppigen Zierrahmen aus Blattlocken gefasst. Im oberen Teil der Komposition schweben Figuren von Peter I. und Katharina I. in den Wolken; sie senken eine Kette mit einer Krone auf Elisabeths Kopf, sie sind von Engelsfiguren umgeben. Die Gruppe der Höflinge, die Elizabeth Petronna die Treue schwören, ist voller Dynamik. Es befindet sich malerisch am Fuß des Throns und etwas tiefer befindet sich in großen ovalen Kartuschen des Stichs der Text der Dissertation von Sylvester Kulyabka, dem damaligen Rektor der Akademie in Kiew. Der auf sechs Tafeln ausgeführte Stich war eine komplexe, eindeutig in Auftrag gegebene Arbeit. Die charakteristischen Merkmale des künstlerischen Stils der Epoche fanden hier ihren typischen Ausdruck in der Struktur der Komposition, in der Verwendung von Allegorien und Symbolen, üppigen Kartuschen und umfangreichen verherrlichenden Texten. Dem Knochenschnitzer gelang es, Zugang zu einem solchen Stich zu erhalten, was bereits auf seine Sonderstellung und die Möglichkeiten hinweist, sich mit Kunstwerken in geringer Auflage der damaligen Zeit vertraut zu machen. Der Knochenschneider verwendete nur den zentralen Teil der Komposition und veränderte ihn stark – die Engelsfiguren in den Wolken verwandelten sich in Köpfe mit Flügeln, durchsetzt mit runden, konvexen Wolken. Der Schnitzer verwendete nur drei zentrale Figuren auf den Thronen. Anscheinend wurde er von ihrer besonderen Feierlichkeit und ihrem Prunk angezogen.
Trotz der im Vergleich zum Kupferstich stark veränderten kompositorischen Lösung wird das Relief in seiner Plastizität als ein vollendetes Werk der angewandten Kunst der 1740er Jahre wahrgenommen, recht ausdrucksstark und charakteristisch. Zu dieser Zeit erlangte der Barockstil bei Künstlern große Anerkennung. Dieses Schild bestätigt dies. In der Regel gaben Knochenschnitzer eigene Versionen von Kompositionen an, wobei sie jedoch die Gravur als Grundlage verwendeten. Die einzige Ausnahme bildet eine geschnitzte Knochenplatte in der Größe eines Buchblattes, auf der die gesamte Komposition der Titelseite des Buches „Symbole des Emblemats“ (Staatliches Historisches Museum) vollständig kopiert ist. Im Relief wiederholte der Schnitzer das Porträt von Peter I. und die ihn umgebenden Medaillons mit symbolischen Bildern. Wir sollten nicht auf alle bekannten Verwendungen von Gravuren für kompositorische und reine Porträtschnitzereien eingehen. Sie alle sind schon deshalb unabhängig, weil sie in Relief, in ein anderes Material, in eine andere Art von Arbeit übersetzt werden, sie alle werden sozusagen neu und auf völlig originelle Weise gelöst.

Büste eines unbekannten Kaufmanns mit Auszeichnungsmedaillen. Werk von Ya. Seryakov. 1868

Drei Prunkkelche aus der Mitte des 18. Jahrhunderts des Monografenmeisters „AD“ können als Beispiel für das kreative Verständnis zeitgenössischer Knochenschneidequellen dienen. Der kegelförmige Körper jedes Kelchs ist vollständig mit einem Relief mit Bildern bedeckt, die Medaillen und gravierten Blättern von I. Shtenglin, I. Sokolov entlehnt sind, mit Emblemen und Sprüchen: „Er hat keine Angst vor beidem“, „Belohnung den Gläubigen.“ “, „Erneuert die Hoffnung“ und andere aus dem Buch „Symbole und Emblemata“, das von Meistern der angewandten Kunst geliebt wird. Die Pracht der Kelche liegt nicht nur in der prächtigen Schnitzerei, sondern in der gekonnten Kombination des malerischen, semantischen Anfangs mit dem rein dekorativen mit Locken, unruhigen Konturen der emporsteigenden Amoretten. Eine solche Vielfalt an Reliefschnitzereien findet sich vor allem in Holz, insbesondere wenn wir uns an die vergoldeten Schnitzereien in den Innenräumen von Palästen, Herrenhäusern und Kirchen der damaligen Zeit erinnern. Hier, in den Knochenbechern des Meisters „AD“, sehen wir uns mit einem lebendigen Ausdruck der charakteristischen Merkmale der Barockkunst mit ihrer emotionalen Intensität der Formen, dem Reichtum der Dekoration und dem Reichtum der kompositorischen Lösung konfrontiert. Medaillons, Kartuschen, Locken üppiger Pflanzen, flatternde Bänder mit Inschriften, figurative Motive in s sind zu einem einzigen Ensemble üppiger dekorativer Schnitzereien verschmolzen.
Ein überraschend vollständiges Werk dieser Zeit ist die Knochenscheide eines Dolches mit eingraviertem Staatswappen und der Jahreszahl „1754“ auf einem geschnitzten Griff in Form des Kopfes eines knurrenden Löwen. Amorettenfiguren mit und ohne Pfeile verschmolzen förmlich mit dem Reliefornament aus Muschellocken. Die Schnitzerei besticht durch ihre Plastizität, Dynamik und außergewöhnliche Handwerkskunst. Der Knochenschnitzer verwendete ornamentale und bildliche Motive in ihrer Einheitlichkeit, Unteilbarkeit und zweifelsfreien Ausdruck des damaligen Stils und seiner künstlerischen Tendenzen. Und dann gibt es eine spürbare Veränderung in der Art des Schnitzens, in der Verwendung scheinbar bekannter Motive. Nach und nach erfasste die Leidenschaft für den Klassizismus auch die Knochenschneider (dekorativer Reichtum in Werken der Kleinplastik). Seine Variationen in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts sind bezeichnend. Die Reliefmodellierung jeder Locke und jedes Muschelgeflechts, die in den Werken der Kholmogory-Knochenschnitzer der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts sehr häufig vorkommt, besticht durch ihre Subtilität und Gründlichkeit in der Ausarbeitung. Wenn Sie sich die Werke von O. Dudin ansehen, in denen das Muschelornament in seiner Ausführung seinen Höhepunkt erreichte, können Sie sich von seiner höchsten Perfektion überzeugen.
Damit verbunden ist die große Nachfrage nach Kunsthandwerk, die durch den Reichtum der herrschenden Klassen bedingt ist.
Die Verbreitung von Knochenprodukten wurde durch die Entwicklung des Außen- und Binnenhandels erleichtert. Das Messennetz wurde im Land erweitert, was sich positiv auf den Handelsaustausch zwischen verschiedenen Regionen des Landes auswirkte. Es ist schwer zu sagen, wie und unter welchen Bedingungen das Kunsthandwerk der nordrussischen Knochenschnitzer dorthin gelangte, aber dies geschah in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, als nicht nur die Entdecker von Archangelsk auf der Suche nach neuen, unberührten Naturgebieten in den Osten gingen Ressourcen und Möglichkeiten für ihre Entwicklung.
Anscheinend deuten die Methode der flächigen Verteilung geschnitzter Bilder und ihre Erhaltung sogar auf dreidimensionalen Gegenständen auf Dudins Neigung hin, eine für die Volkskunst typische Technik beizubehalten, die mit dem traditionellen Prinzip der bäuerlichen Kreativität verbunden ist. In gewisser Weise ist dies der Fall Volksbasis zeigt sich auch in der Wiedererkennung der kontrastierenden Farbgebung in der gesamten dekorativen Gestaltung des Objekts. Die Tafeln aus der Sammlung des Staatlichen Russischen Museums sind brillant in der Ausführung. Eine der Tafeln ist relativ klein; die kompositorische Reihenanordnung von sechs Porträts in einer freien ornamentalen Umgebung vor einem Hintergrund aus dunkelbraunem Knochen macht sie zugleich ungewöhnlich klar und zugleich frei und leicht wahrnehmbar. Sowohl dieser Teller, der aus der alten Sammlung der Eremitage stammt, als auch eine Reihe von ihm nahestehenden Dingen haben in der Schnitzart viele Gemeinsamkeiten mit genau zugeschriebenen Werken von Dudin. Daher können sie in das Werk des bereits im 18. Jahrhundert berühmten Meisters aufgenommen werden.
Das Porträt von Katharina II. ist in der Mitte größenmäßig hervorgehoben. Der Meister zeichnete sich durch einen Sinn für extreme Dekorativität aus, der ihn auch in diesem Format nicht veränderte. Es ist unwahrscheinlich, dass es in St. Petersburg in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts außer Dudin einen anderen Meister gegeben hätte, der mit einem so dekorativen Teller wie diesem zurechtgekommen wäre. Die grundsätzliche Ähnlichkeit mit den Porträttafeln aus der Hermitage-Sammlung steht außer Zweifel. Dieses Werk fällt nicht außerhalb des Kreises von Dudins Werken.
Nach der Großen Sozialistischen Oktoberrevolution nahm es seinen rechtmäßigen Platz in der Rüstkammer des Moskauer Kremls ein. Ein weiterer Becher mit 58 Porträts – von Rurik bis Katharina II. – wird heute in der Staatlichen Eremitage aufbewahrt. Zuvor befand es sich im Winterpalast, davor in der Kunstkammer, dem ersten russischen Museum für verschiedene Raritäten der Natur und Kunst, das von Peter I. organisiert wurde. Grundlage für seine Entstehung war das Werk von M. V. Lomonosov „Ein kurzer russischer Chronist“. , veröffentlicht im Jahr 1750. Zu dieser Medaillenserie kamen künftig Einzelexemplare hinzu und ergänzten sie. Knochenschnitzer nutzten diese Quelle äußerst gerne. Wir können dies sowohl anhand der Arbeit von Y. Shubny – seiner großen eleganten Porträttafel von 1774, die im Staatlichen Historischen Museum aufbewahrt wird – als auch anhand anderer Werke dieser Art beurteilen.
Kenntnisse über Geschichte, Bildmaterial, die Kunst der Kleinplastik und das Verständnis für die Aufgaben der Kunst seiner Zeit halfen Dudin bei seiner Arbeit und ermöglichten es ihm, Kompositionen verschiedener hochkünstlerischer Werke zu schaffen, die seine Zeitgenossen begeisterten.
Dudin erreichte Perfektion in der harmonischen Kombination verschiedener Schnitztechniken, in der weit verbreiteten Verwendung raffinierter Rokoko-Ornamente mit Porträtbildern historischer Persönlichkeiten. Viele Knochenschneider folgten ihm. Deshalb erfreuten sich die Medaillen von S. Guen, T. und Vanov, L. Schultz, I. Gedlinger, I. Wechter, S. Yudin, I. Gass und anderen so großer Beliebtheit. In diesem Phänomen lässt sich wie in Dudins Werk der Prozess der Konvergenz der im Wesentlichen volkstümlichen Bauernkunst mit der raffinierten urbanen Kunst der Hofkünstler verfolgen. Die Stadt mit ihrer im Vergleich zur Bauernschaft hohen allgemeinen Kultur lockte Meister mit unterschiedlichem künstlerischem Potenzial in ihren Kreis. Tatsächlich konnte das gleiche Phänomen irgendwann im vorangegangenen 17. Jahrhundert beobachtet werden. Dieses allgemeine Muster bleibt jederzeit bestehen.
Das ruhige Gleichgewicht des Ornaments schien zu fehlen. Muschelartige, pflanzliche Locken wirbelten in einem dynamischen Rhythmus. Der Effekt wurde durch die Einführung von Farbe in die Gravur und die Gesamtfärbung der Platten verstärkt. Die Kombination von Durch- und Reliefschnitzerei (mit farbigem Fleck und Muster sowie mit einer höchst komplizierten Form des Objekts) führte zu einer grundsätzlich neuen Lösung. Der Stil der geschnitzten Knochen entsprach nicht nur den Haupttypen der russischen Kunst der Mitte des 18. Jahrhunderts, sondern bereicherte diese auch erheblich.
Wereschtschagin eignete sich bereits in seiner Kindheit gute Fähigkeiten im Knochenschnitzen an. Ein Paar eiförmiger Vasen, die vor 1790 hergestellt wurden, wurde Katharina II. geschenkt. Entlang des Mittelteils des Körpers befindet sich ein dekorativer Gürtel mit der Aufschrift:
„Diese vier Zeiten lassen in allen gegenwärtigen Zeitaltern Frucht wachsen.“ Die vergangene Inschrift betonte die Handlungsseite der kunstvollen Schnitzerei. Wenn der gesamte Körper der Vase eine eiförmige Figur der dünnsten Form ist durch den Faden Dann arrangierte der Meister in diesem durchbrochenen Gitter des oberen halbkugelförmigen Teils vier Medaillons mit allegorischen Bildern, gelöst im Geiste gewöhnlicher Genrekompositionen. Das Motiv einer anmutig kletternden Pflanze, das das Muster der dekorativen Schnitzereien bildet, verschmilzt überraschend harmonisch mit den Medaillons und stützt sie im Raum. Eines davon zeigt ein Bild eines heißen Sommers. Vor dem Hintergrund des teilweise komprimierten Feldes ließen sich mehrere Frauen nieder, um sich auszuruhen. Eine von ihnen, in Kokoshnik und russischer Nationaltracht, liegt zurückgelehnt und auf ihren Arm gestützt (die andere sitzt fast mit dem Rücken zum Betrachter, die dritte steht stehend und trinkt aus einem Krug: Sicheln liegen daneben. Der Meister, mit Mit sehr begrenzten Mitteln gelang es, die Bedingungen der sommerlichen Bauernarbeit und die Müdigkeit der Schnitter zu vermitteln.
Ein weiteres Medaillon stellt die Herbsternte im Obstgarten dar. Einige Leute entfernen Obst, andere tragen gefüllte Körbe weg. Hier zeigte der Künstler die menschliche Arbeit und den Reichtum der Natur.
Diese Szene zeichnet sich durch Spontaneität und Wahrhaftigkeit aus.
Das nächste Medaillon zeigt den Winter. Vor der Kulisse kahler Büsche und spärlicher Bäume saßen drei Personen um das Feuer. Ein bärtiger alter Mann beugt sich über das Feuer, daneben steht ein junger Mann, die vermummte Gestalt wendet dem Betrachter den Rücken zu. In ihrer Nähe liegt eine Axt auf dem Boden. Und die Lösung zeichnet sich durch ihre Einfachheit und Aussagekraft aus – vor uns liegt ein Bild der Realität.
Das letzte Medaillon schließlich enthält eine Szene, die den Frühling symbolisiert. Auf der Terrasse neben der Balustrade stehen mit einer Vase ein Herr und eine Dame in eleganten Adelskostümen. Das Dienstmädchen serviert das Essen auf einem Teller. Diese Szene kann als Prozession junger Menschen interpretiert werden, die ganz mit dem Erwachen der Natur, mit dem Beginn eines neuen Lebens, dem kommenden Frühling, verbunden ist.
Rillen sind eine Variante dekorativer Kompositionen, die im 18. Jahrhundert ihren Platz in der russischen Kunst fanden. Hier ist einer davon: „Der Sommer, gekrönt von Ähren, hält in einer Hand eine Garbe und in der anderen eine Sichel. Der Herbst hält Weintrauben in den Händen oder einen Korb mit Früchten auf dem Kopf [...| Winter, gekleidet in ein warmes Kleid, mit bedecktem Kopf, steht vor einem Baum, dessen Blatt abgefallen ist […]“ usw. Aber wenn dieses „Lexikon“ ein aus dem Französischen übersetztes Werk wäre. dann können wir uns an die älteren Beschreibungen erinnern, die russische Meister im 17. Jahrhundert verwendeten. Nanrp/Frühling wurde wie folgt charakterisiert: „Die Jungfrau ist geboren, geschmückt mit wundervoller, strahlender Schönheit und herrlich.“ Ich bewundere ihre Freundlichkeit gegenüber allen, die es sehen, und bin lieb zu allen […].“ Bilder der Allegorie dieses Themas sind in verschiedenen Werken zu sehen, einige davon sind in den Sammlungen handschriftlicher Museumsbücher und Bibliotheken erhalten. Die früheste Version von Allegorien der Jahreszeiten waren die Gemälde der Hohlkammer des Moskauer Kremls aus dem 16. Jahrhundert. Sie wurden 1672 von Simon Ushakov beschrieben. Im Jahr 1801 reiste Wereschtschagin in seinem nächsten Urlaub nach St. Petersburg, wo er 29 Tage blieb. Der Grund dafür war höchstwahrscheinlich die kreative Arbeit des Künstlers und nicht die Produktionsangelegenheiten des Mitarbeiters. Offenbar arbeitete er zu dieser Zeit an zwei Vasen aus der Serie „Jahreszeiten“, die derzeit im Staatlichen Russischen Museum aufbewahrt werden. Auf dieser Grundlage wurde seine Unterschrift mit dem Datum „1802“ versehen. und den Rang, den er gerade erhalten hatte, über den er die Karriereleiter hinaufstieg. Eines davon wird heute im Staatlichen Historischen Museum aufbewahrt, das andere in der Sammlung der Staatlichen Eremitage. Insgesamt sind uns also acht Werke Wereschtschagins bekannt, sechs davon sind den Jahreszeiten gewidmet.
Die Virtuosität seiner Kunst ist unbestreitbar. Er war der beste Vertreter des frühen Klassizismus in der Knochenschnitzerei. Wereschtschagin überschreitet wie Dudin die Grenze der primitiven Schönheit der bäuerlichen Volkskunst. Beide sind typische Vertreter der städtischen Kunst, die mit der gesamtrussischen Kultur verbunden ist. Sie sind einer seiner Schöpfer, seine Schöpfer.
Der Klappdeckel wird in ein Nadelkissen verwandelt. Die Schnitzereien der Wände verblüffen durch die Klarheit der kompositorischen Lösung einer streng klassischen Komposition. Palmetten, hängende Handtücher, an Bändern mit Schleifen befestigt, Medaillons mit den Symbolen des Ersten Donnerstags des 19. Jahrhunderts, Streitwagen, Amoretten, Trauerbäume über den Urnen, Akanthuswürfe mit steilen Locken und schließlich Karyatiden, Hermen, stehend aus 11 mm von jeder Wand. Alle diese Schnitzereien sind auf einem leuchtenden Hintergrund aus blaugrüner und scharlachroter Folie überlagert, was einen dekorativen Kontrast schafft und eine zusätzliche Farbreflexion auf dem geschnitzten Knochen hervorruft.
Der Ankleidespiegel steht in seiner Gestaltung den beiden uns bekannten Nähkästen ungewöhnlich nahe. Sein Sockel hat einen rechteckigen Korpus mit Schubladen, auf dem zwei Podeste in Form von Baluster montiert sind, die an Vasen mit Blumensträußen erinnern, sie halten einen ovalen Spiegel. Sein Rahmen ist mit Reliefmuscheln, Früchten, Palmetten, Netzen und Perlen verziert. Die Vasen-Steher sind mit einem eingeschnittenen Muster aus Akanthustrieben und Bukranien verziert. Der Körper ist mit geschlitzten Platten vor einem Hintergrund aus grüner und scharlachroter Folie bedeckt. Ovale und rechteckige Medaillons mit auf einer Schaukel schwingenden Amoretten stechen wirkungsvoll hervor. eine auf einem von Löwen gezogenen Streitwagen sitzende Göttin, tanzende Menschenfiguren mit Blumengirlanden, und all diese antiken Motive sind mit Akanthuslocken, Rosetten und anderen dekorativen Elementen gewebt, die für die frühen Klassiker charakteristisch sind und von den einzigartigen ungewöhnlichen Funden in beeinflusst wurden die neu entdeckte Kunst. unter der Asche von Pompeji und Herculaneum.
Es ist jedoch unwahrscheinlich, dass irgendjemand das Risiko eingehen würde, solch ein zerbrechliches Ding für praktische Zwecke zu verwenden. Die gleichen fein gearbeiteten schrägen Netze mit zarten Blumenmustern schmückten viele Schatullen, Kisten, Rahmen für Ikonen und Porträts. Manchmal verwendeten sie ein überlagertes Relief in Form von Füllhörnern, einem Köcher, einem Bogen mit Pfeilen usw. Oftmals wurden die Wände von eingesetzten ovalen oder quadratischen Körben, die in große Kisten eingesetzt wurden, mit der gleichen Technik des Durchschneidens (schräg) hergestellt Netz mit Blumengirlanden). Sie alle zeichnen sich durch kompositorische Klarheit und außergewöhnliche Handwerkskunst aus. Leider ist keines dieser Werke mit dem Namen eines bestimmten Meisters verbunden. Werke des 19. Jahrhunderts müssen in den meisten Fällen nach ähnlichen Stilmerkmalen gruppiert und auf dieser Grundlage datiert werden. Zwar wurde versucht, das Werk einem bestimmten Meister zuzuordnen. Daher gibt es die Meinung, dass Kisten, die mit durchgehenden Maschenschnitzereien mit Girlanden verziert sind, charakteristisch für die Arbeit von Olontsov und Maksimov sind. Den literarischen Daten nach zu urteilen, lebte Olontsov an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. Daher konnte der Kholmogory-Knochenschnitzer in einer Zeit, in der barocke Formen gepflegt wurden, nicht plötzlich die für den Klassizismus charakteristischen Formen und Ornamente wählen. Auch Maksimov Sr. lebte und arbeitete den vorliegenden Daten zufolge bis in die 80er Jahre des 19. Jahrhunderts. Tatsächlich liebte er es, Schachteln herzustellen, die mit einem schrägen Netz und Blumengirlanden verziert waren. Sein frühe Arbeiten wurden genau in diesem Stil gefertigt und daher auf das erste Viertel des 19. Jahrhunderts datiert. Es ist schwer zuzugeben, dass der Meister sein ganzes Leben lang die Konstanz des künstlerischen Geschmacks bewahrt hat, zumal die Mitte des Jahrhunderts beharrlich seine eigenen Gesetze des künstlerischen Stils diktierte.
Eine Reihe von Schatullen und Schatullen, die teilweise für Kartenspiele gedacht waren, zeichnen sich durch eine strengere, voluminösere Reliefornamentik aus geschnitztem Knochen aus. So befindet sich in der Sammlung der Staatlichen Eremitage eine flache rechteckige Schachtel aus den 1820er Jahren, die sich durch brillante Handwerkskunst auszeichnet. Die schlichte Form der Box wird durch ihre dekorative Verzierung betont. Die Knochenplatten sind mit Akanthustrieben, Bändern, Kränzen, Perlenschnüren, Vierpassen mit besonders geschwungenen Reliefblütenblättern und anderen Elementen verziert. All dies wird auf einem hellen, funkelnden scharlachroten Folienhintergrund überlagert. Die Schnitzmodellierung zeichnet sich durch eine saubere Verarbeitung aus. Das Ornament bedeckt die gesamte Oberfläche der Schachtel und berücksichtigt dabei deren Gestaltungsmerkmale: Auf der Ebene des Deckels, an den schmalen Seitenwänden wird die Komposition des Musters durch diese Form bestimmt. Die Hauptqualität geschnitzter Ornamente ist ihre strikte Einhaltung der Prinzipien des vorherrschenden künstlerischen Stils in der Kunst. Das rhythmische Muster in moderatem Maßstab belastet die gesamte Fläche gleichmäßig und unterteilt sie in Rechtecke, Quadrate und horizontale Stäbe, die in ruhiger Proportionalität der Teile sanft angeordnet sind.
Im Inneren der Box befinden sich außerdem sechs kunstvoll gestaltete quadratische Boxen mit mehrfarbigen Knochensplittern, Stifthalter für Buntstifte, Pinsel und anderes Zubehör. Wenn Sie sich diese Kartenspielbox aus Knochen ansehen, werden Sie erstaunt sein, wie geschickt der Künstler war.
Ein interessantes Werk von Knochenschnitzern im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts waren Porträttafeln mit dem Bild von M. V. Lomonossow. Der rechteckige Rahmen ist äußerst typisch für die ornamentalen Schnitzereien nordrussischer Schnitzer dieser Zeit – eine Girlande, die sanft über einen Netzhintergrund fließt. Dass sich die Knochenschnitzer von Kholmogory dem Porträt des großen Landsmannes zuwandten, ist ein völlig natürliches Phänomen. Sie stützten das geschnitzte Porträt auf einen Stich von Fessar und Wortman, der zu Lomonossows Lebzeiten angefertigt wurde. Der Wissenschaftler sitzt an einem Tisch neben einem Schrank, in dem Bücher, Retorten und andere Gegenstände stehen; Dahinter befindet sich eine Fensteröffnung, durch die eine Waldlandschaft mit Gebäuden sichtbar ist. Wie Sie wissen, stellte sich Fessar eine Meereslandschaft vor dem Fenster vor. Auf Empfehlung von Lomonossow wurde es in Wortmans Stich durch eine Ansicht der Ust-Ruditsk-Fabrik ersetzt – die Idee des großen Wissenschaftlers. Dort begann seine Arbeit auf dem Gebiet der Chemie, auf dem Gebiet des Schmelzens von farbigem Glas und Smalt, was später zur Herstellung von farbigem Glas in der Staatlichen Manufaktur in St. Petersburg sowie zur Herstellung von Mosaiken führte. Die Knochenschnitzer, die die Platten mit dem Porträt von Lomonossow schnitzten (mehrere sind bekannt – in den Museen von Leningrad und Moskau), wurden nicht alle gleichermaßen von brillanten Künstlern verrottet. Allerdings hat jedes der Porträts zweifellos einen gewissen Charme. Es ist kein Zufall, dass Zeitgenossen mit Interesse auf diese Werke reagierten, und auf einem von ihnen erschien die Inschrift: „Dem gnädigen Herrscher Pavel Petrovich Svinin als Zeichen des Respekts und zum Gedenken an Panaev am 5. März.“ 1826 St. Petersburg.
V. I. Panaev und P. P. Svinin waren leidenschaftliche Sammler russischer Kunstwerke. Letzterer veröffentlichte 1829 einen Katalog mit dem Titel „Eine kurze Bestandsaufnahme der Objekte, aus denen das Russische Museum von Pavel Svinin besteht“. In diesem Inventar ist bereits dieses Porträt (Sammlung des Staatlichen Russischen Museums) enthalten, das P. P. Svinin bei der Arbeit an den neu entdeckten Manuskripten von M. V. Lomonosov erlangte und 1827 von ihm veröffentlichte. Anscheinend hat Svinin diese Porträttafel nicht nur aus ethnografischem Interesse an der Kultur des russischen Volkes und seiner Geschichte in seine Sammlung aufgenommen, sondern auch wegen der eigentümlichen Höhe professionelle Exzellenz ihre Hinrichtung.
Man kann nur bedauern, dass die Meister ihre Werke nicht signiert haben. Es ist schwer zu sagen, welche der erhaltenen Ikonen zu diesem Thema Lopatkin gehört. Derzeit befindet sich Zaozerskys Werk im Zentraldepot der Vorstadtpaläste-Museen von Leningrad, wo es aus dem Alexanderpalast stammte. Wenn die Schnitzerei des Denkmals für Minin und Pozharsky leicht beschädigt ist, sind alle Inschriften perfekt erhalten. Insbesondere auf der rechten Seite des Sockels befindet sich die Signatur des Autors: „Die Kunst von Kozma Zaozersky“. Vor uns liegt eines der seltensten Signature-Produkte der Knochenschnitzer aus Kholmogory. Der Name Kozma Zaozersky taucht zum ersten Mal auf. Bisher galt dieses Werk als das Werk von Ivan Zaozersky, der sich offenbar auf die Erstveröffentlichung des Moskauer Flugblatts im Jahr 1898 verlassen konnte.
Die Paraphrasierung des Originals führte, wie immer in der Arbeit der Kholmogory-Schnitzer, zu einer eigenen, originellen Lösung. In den Kompositionen tauchten neue Details auf, einige einzelne, wichtigste Punkte oder Details wurden hervorgehoben. In diesem Zusammenhang ist es interessant, auf einer der Versionen des Knochendenkmals für Minin und Pozharsky (Staatliche Eremitage) eine von einem Knochenschnitzer neu eingeführte Figur eines Kresminin zu bemerken, der ein Bündel mit möglicherweise einigen Wertgegenständen trägt , da die Gemeindezusammensetzung der Spende der Bürger von Nischni Nowgorod zur Rettung des Vaterlandes gewidmet ist. Die Alltäglichkeit dieser kleinen Figur, ihre unkomplizierten künstlerischen Eigenschaften lassen die Figur einerseits unsichtbar erscheinen und ziehen andererseits die Aufmerksamkeit auf sich. So drückte der Knochenschnitzer seine Einstellung zum Thema aus, so gab er dem bekannten und bewährten Original eine neue Note.
Da das Denkmal von Martos in Moskau errichtet wurde, nachdem seine Kammerreproduktion aus geschnitztem Knochen erschienen war, ist es offensichtlich, dass die Meister einen der ersten Skizzenstiche verwendeten, der den Entwurf des Denkmals wiedergab. Im Jahr 1810 wurde Martos‘ zweites Projekt, das in Nischni Nowgorod gegossen und installiert werden sollte, genehmigt und zur Arbeit angenommen. Sein Bild und der Text der Inschrift wurden der Komposition II beigefügt. Chekalevsky „Die Erfahrung, kolossale Statuen aus Bronze in einem Schritt zu formen.“ Die Schnitzer konnten nur diese eine Quelle nutzen. Daher sind wir einmal mehr von der besonderen Beweglichkeit der Knochenschneider überzeugt, von ihrer Fähigkeit, sich in der neuesten Kunst zurechtzufinden und die neuesten und interessantesten Dinge für ihre Kreativität auszuwählen. In diesem Zusammenhang sollten wir den talentierten Knochenschnitzer Andrei Korzhavin hervorheben, der als einer der ersten das Original von Martos im Miniaturformat mit außergewöhnlicher Freiheit des plastischen Könnens nachahmte. In der Staatlichen Tretjakow-Galerie befindet sich eine Kammerreproduktion von „Minin und Poscharski“, die zwischen der Veröffentlichung des gravierten Bildes (1810) und der Eintragung in Dokumente von 1811 im Archiv der Staatlichen Eremitage entstand. Dokument:>Dieser Wurm „Denkmal […] aus dem Zimmer von Herrn Obergof Marschall und Kavalier Griffin Tolstov (Leiter des Gerichtsbüros) wurde am 25. Januar 1811 mit einem Haftbefehl an die Eremitage geschickt. Denkmal für die Arbeit des Bauern Andrey Korzhavin in der Nähe der Stadt Archangelsk. Es verging nur ein Jahr, bis die Eremitage zwei identische Werke von Korzhavin erhielt (das zweite wird im Staatlichen Russischen Museum aufbewahrt). Auffallend ist die außergewöhnliche Spannung im Schaffen der Schnitzer. Es ist bedauerlich, dass so wenig Informationen über talentierte Knochenschnitzer erhalten sind.
Kleine volumetrische Plastik aus geschnitztem Knochen zeigt deutlich die entwickelten verborgenen Fähigkeiten nordrussischer Meister. Keiner von ihnen konkurrierte jemals mit ausländischen Knochenschnitzern, die in der Vergangenheit ihre Kunst der ganzen Welt vorführten. Um ihnen entsprechend ihrer künstlerischen Tendenzen folgen zu können, mussten die russischen Knochenschnitzer ihr ästhetisches Credo grundlegend ändern. Unterschiedliche kulturelle Traditionen, eine andere nationale Schule, unterschiedliche kreative Bedingungen – all das trug dazu bei, dass russische Knochenschnitzer in erster Linie den Prinzipien der Flachrelief- und ornamental-dekorativen Schnitzerei folgten und nicht der Kammer-Miniaturskulptur ausländischer Schulen. Vergleicht man ähnliche Zeichnungen eines geschnitzten Musters oder eines Motivbildes russischer und westeuropäischer Meister des 17.-18 Plastizität und künstlerische Ausdruckskraft.
Ein Nähkästchen in Form einer Dampflokomotive mit Rädern, einer Antriebskette, einem Rohr und anderen Teilen, mit durchbrochen geschnitzten Wänden und einem Dach – einem Nadelkissen aus Samt. Die Praktikabilität solcher Dinge ist höchst fraglich. Sie existierten offenbar als eine Art „Kunststyuki“ ihrer Zeit.
Mitte des 19. Jahrhunderts war bei den Arbeiten nordrussischer Knochenschnitzer allgemein ein Rückgang des künstlerischen Geschmacks zu beobachten. Aber einzelne Meister schaffen weiterhin interessante Dinge, sowohl hinsichtlich der allgemeinen Kompositionsstruktur als auch hinsichtlich der Ausführungstechnik. Auffällige Muster, die Einführung neuer Techniken der zweischichtigen Schnitzerei und des Hochreliefs waren in dieser Zeit ganz natürliche Phänomene. Der strenge Klassizismus ist längst vergessen. Der Eklektizismus erfasste auch die Knochenschnitzerei. Viele Werke aus dieser Zeit sind erhalten, die meisten lassen sich jedoch nicht dem Namen des einen oder anderen Meisters zuordnen. Eines der seltenen Signaturstücke ist eine Brosche, die ein Rentiergespann mit Kapuze darstellt. Dem Künstler gelang es, mit wenigen Strichen die Besonderheiten der nördlichen Natur zu vermitteln.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts waren der Vater und der Sohn der Bobretsovs aktiv. MP Bobretsov war der Organisator des Trainingskurses zu Hause. Gleichzeitig setzte M. M. Bobretsov seine Arbeit fort kreative Arbeit. Das interessanteste signierte Werk von M. M. Bobretsov ist eine runde dekorative Tischskulptur auf vier kleinen Kugelfüßen, die in der Sammlung der Staatlichen Eremitage aufbewahrt wird. Auf der Grundlage von Martosovs Original des Lomonosov-Denkmals führte Bobretsov es als Relief aus. Die Dreivierteldrehung ermöglichte es Bobretsov, die Figur Lomonossows von der Vorderseite zu zeigen und die Silhouette des Denkmals deutlich zu zeichnen. Über dem Denkmal befinden sich rechts und links zwei Wappen: auf der einen Seite das Wappen von Archangelsk, auf der anderen Seite das Wappen von Kemi. Reliefsymbole dieser Städte sind gekonnt in das durchgehende Geflecht des Hintergrunds eingewebt: Erzengel Michael im Kampf gegen den Drachen, eine Perlenkette aus Flussperlen, die früher in großen Mengen im Kem abgebaut wurden und andere nördliche Flüsse.
Der große Wissenschaftler war in seiner Jugend mit diesen Städten verbunden, daher war es kein Zufall, dass M. M. Bobretsov diese Embleme wählte. Zur gleichen Art von Arbeit gehört ein dekoratives Tablett mit geometrischen Schnitzereien am Rand und einem eleganten Monogramm in der Mitte eines mit rotem Samt bedeckten Feldes; dem gleichen Schnitzer kann ein Schachspiel in Form von Figuren barbarischer Krieger zugeschrieben werden, auch in der Staatlichen Eremitage aufbewahrt.
Vier Brüder von M. M. Bobretsov waren ebenfalls Knochenschnitzer, gingen aber zur Arbeit nach St. Petersburg. Nur neunzehn Kutter blieben an Ort und Stelle, Bobretsov galt als der stärkste von ihnen.
Einerseits war die Doronin-Werkstatt ein Beispiel für traditionelles „Geschäft“. Andererseits war es ein Beispiel für die Ausbeutung sowohl von Anfängern als auch von ausgereiften Knochenschnitzern durch unternehmungslustige Menschen, die vollständig vom Eigentümer abhängig wurden. Es ist beispielsweise bekannt, dass einer der bedeutendsten Knochenschnitzer von Kholmogory, Wassili Petrowitsch Gurjew, in einer solchen Abhängigkeit war. Er bildete zusammen mit seinen Kameraden Grigori Jegorowitsch Petrowski, Wassili Timofejewitsch Usikow und ihrem Lehrer Maxim Iwanowitsch Perepelkin den Kern der Knochenschnitzer, die ihre Erfahrungen und ihr Wissen an sowjetische Knochenschnitzer weitergaben.
Der Rückgang des künstlerischen Geschmacks führte zu einer Vergröberung der Formen und einer Schwäche der technischen Ausführung. Die Gründe für den Rückgang waren auf die Entwicklung der kapitalistischen Industrie zurückzuführen, die das Wachstum der individuellen Kreativität einschränkte.
Unter kapitalistischer Unterdrückung hatten talentierte Handwerker manchmal keine wirklichen Möglichkeiten, berufliche Fähigkeiten zu entwickeln. Der künstlerische Wert der Werke ging dadurch zwangsläufig verloren. Der Wunsch des Meisters wurde auf die größtmögliche Anzahl von Produkten reduziert. Allerdings wurde sein Handwerk durch eine Maschine ersetzt und die Konkurrenz war nicht zugunsten des privaten Herstellers.
Die wahre Meisterschaft der Knochenschnitzerei blieb nur in den Händen der ältesten talentierten Meister – M. I. Perepelkin und seines Schülers V. II. – erhalten. Guryev, V. T. Uzikov und G. E. Petrovsky. Es gelang ihnen, die Traditionen der nordrussischen Knochenschnitzkunst auf sowjetische Knochenschnitzer zu übertragen.
Die Provinz Nischni Nowgorod ist seit langem für ihre Meister der Holzschnitzerei und Malerei bekannt. Diese Region ist reich an Wäldern; Holz war ein zugängliches Material, das die Haupttätigkeit der lokalen Bevölkerung bestimmte. Es gab wunderbare Tischler und Schiffbauer, Schnitzer verschiedener Dekorations- und Haushaltsgegenstände, Ornamentalisten mit einer reichen Fantasie, die sich am deutlichsten in der Kunst des Haus- und Schiffsschnitzens ausdrückte. Gleichzeitig wurde der Bezirk Gorbatovsky in der Provinz Nischni Nowgorod mit einer Reihe von Dörfern für die Kunstfertigkeit der Schmiede berühmt. Ihre Arbeiten waren stets komplex in Form und Design. Die führende Rolle in dieser Angelegenheit kam dem Dorf Pawlow am Fluss Oka zu, wo es bereits 1621 eine beträchtliche Anzahl von Schmieden gab. Die Schmieden in Pawlowsk beschäftigten sich mit der Herstellung von Waffen sowie mit „verschiedenen bäuerlichen Handwerken“. Rohstoffe wurden im Ural von Industriellen gekauft. Die Bearbeitung erfolgte vor Ort. Sheremetev nannte sein Unternehmen eine „Schlosserfabrik“. Dies wurde einst durch einen Erlass an das Hausbüro des Grafen Scheremetew bekannt.
Das Dekret gibt einen Eindruck von der Art der ausgeführten Arbeiten, über die Qualität der Produkte und ihre künstlerische Gestaltung wird jedoch nichts gesagt, außer einem subtilen Hinweis und einer Botschaft Scheremetews in den 1750er Jahren an den Kurfürsten der Dorf Pawlowa. Es ist interessant festzustellen, dass Pawlowsker Handwerker bereits in den 1790er Jahren viele verschiedene Dinge für N. P. Schepometew herstellten, darunter „zwei Löwenkojen unter Sweschniks“. Ein Paar Löwen mit drei Anhängern. Zwei Paar Burglöwen sowie mehrere Paar Zigarettenspitzen, „Zucker- und Nuss-Crushes“, „ein Dutzend Schukow-Taschenmesser“. Ein Dutzend seiner eigenen. Ein Dutzend Doppelpennecks“ usw.
Offenbar waren die Käufer nicht nur mit der Qualität des Metalls zufrieden, sondern auch mit der zusätzlichen Arbeit der Schnitzer. Es ist möglich, es anhand isolierter Dinge zu beurteilen. Erhalten ist beispielsweise ein Tischset aus Messern und Gabeln mit Perlmuttgriffen, verziert mit eingravierten Inschriften und Vignetten mit allegorischen Bildern. „Liebe und Harmonie“, „Ehre, Mut, Ruhm“, „Liebe und Erweckung“ – das sind die Inschriften über den Bildern von Vögeln, Tieren, Waffen usw. Auf den Metallklingen befinden sich neben den Zeichnungen auch Inschriften, einschließlich der Signatur der Meister: „Ivan Alekseev. N. A. Terebnn.“ Der Inschrift auf dem Gehäusedeckel nach zu urteilen, wurde diese für A. II angefertigt. Sheremeteva „Pawlowsker Erbe des Bauern Iwan Elagin“ im Jahr 1839.
Jammern, vielleicht haben diese Handwerker nicht nur an Perlmutt gearbeitet? Die Bilder rufen Mitgefühl hervor, sie sind voller Lyrik und manche zeugen von wilder Märchenphantasie. Ein liegender Löwe mit grinsendem Maul sieht aus wie ein strenger Wächter des Hauses. Tatsächlich wurden Löwen ähnlicher Art in der Zeit des frühen Klassizismus zu einer notwendigen Ergänzung der Dekoration von Villen und ihren Zäunen, in Fliesen und dekorativen Vasen, in Gemälden, Modellen und Porzellan. Auf dem Miniaturgriff eines Taschenmessers sieht dieses königliche Biest sogar monumental aus, da der uns unbekannte Schnitzer aus Nischni Nowgorod seine Silhouette und Ausdruckskraft der Pose so genau definiert hat.
Eine interessante Mikroskulptur, die einen nackten jungen Mann zeigt, der sich auf eine Keule stützt. Vielleicht wollte der Meister Herkules darstellen, aber das Ergebnis war eine humorvolle Figur eines frechen kleinen Mannes, der ein gutmütiges Lächeln hervorruft. Aufgrund der Plastizität ihrer Form verdient die Figur einer traurigen Frau, die auf einem Schrank sitzt, mit der eingravierten Inschrift: „Trauriger Nachwuchs“ den Weinwahn. Die Figur ist mit einer Decke bedeckt. Die Gesamtsilhouette ist mit ihren glatten Linien weich. Der Meister stellte einen trauernden Mann dar, dessen Bild wiederholt in der russischen Kunst und insbesondere in geschnitzten Knochen auftauchte. Hier war es unmöglich, sich eine Figur vorzustellen, die sich über eine Urne und unter den Zweigen einer Birke beugte; es war notwendig, die kompositorische Lösung zu vereinfachen, die dennoch den Zeitgeschmack und die typischen Merkmale der Kunst des späten 18. Jahrhunderts bewahrte.
Die Vogelfiguren aus Knochen sind ausdrucksstark, ungewöhnlich elegant und mit grünlichen und schwarzen Farben bemalt. Mit feinen Strichen zeichnete der Meister das Gefieder der Flügel und des Schwanzes aus, schattierte den Kopf und betonte die Augen und den Schnabel. Ohne Kolorierung wagte der Autor offenbar nicht, sein Werk „zu Ende zu bringen“ – es war zu klein und hinterließ beim Betrachter nicht den richtigen Eindruck.
Sehr attraktive Henkelskulpturen in Form eines jungen Mannes im Frack oder einer Dame mit breitkrempiger Haube – typische Vertreter der Gesellschaft zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Der Meister fand und charakterisierte sowohl die allgemeine Form als auch die Details genau, indem er den Frack und den Schal auf den Schultern der Dame mit Farbe schattierte. Solche Berührungen verstärken die Ausdruckskraft der Figuren. Es besteht kein Zweifel, dass die Knochenschnitzer, die in der Provinz Nischni Nowgorod arbeiteten, ein gutes Gespür für den damaligen Stil hatten und in ihren Miniaturskulpturen gekonnt die charakteristischsten Merkmale hervorhoben. Interessant ist noch ein weiteres stilistisches Merkmal. Zum gleichen Werksortiment gehört eine kleine Handsäge mit geschnitztem Holzgriff in Form eines Greifs und einer dekorativen Schriftrolle mit der Jahreszahl „1836“ und dem Geburtstag des Meisters „MP“. Die fantastischen Knochenfiguren eines Greifs und eines Drachen auf einem Taschenmesser sind aufgrund ihrer Ungewöhnlichkeit und der Art der Schnitzerei einigermaßen mit ihnen vergleichbar, gehören aber eindeutig einer anderen Zeit an. Dem Stil und der Plastizität der Schnitzerei nach zu urteilen, ist der Knochendrache älter. Das Thema exotischer Tiere ist für das Volkskunsthandwerk nicht neu. Varianten von Löwenbildern, die in blühende Weinreben- und Akanthusblätter eingewebt sind, sind typisch für die Schnitzereien von Bauernhütten im Wolga-Oka-Becken. Dieses Thema war in den kleinen Knochenskulpturen der Meister aus Nischni Nowgorod zu hören.
Auf den Klingen von Taschenmessern wurden häufig Markierungen angebracht. Moka, sie sind nicht alle entziffert. Und nur auf einem Messer, auf der Rückseite seines Knochensockels, gravierte der Meister: „Vorsma Nlugin Dorf.“ Die Inschrift ist auf einem flatternden Band angebracht und zeichnet sich durch die gleiche Plastizität aus, die auch die geschnitzte Figur selbst besitzt. Es ist schwer zu sagen, wer Plugin ist. Zu den in der Literatur erwähnten Vorsma-Meistern gehören Baranov, Bratanov, Devyatoe, Koryttsev, Eropkin, Zavyalov. Und doch verriet die Unterschrift auf dem Messer den Namen eines der Knochenschnitzer aus Nischni Nowgorod. Dies ist der Schlüssel zur Identifizierung einer interessanten Gruppe von Werken der dekorativen und angewandten Kunst der Provinz Nischni Nowgorod.
Das charakteristische Messer aus der Sammlung des Historischen Museums hat ein Doppel genau desselben Messers mit einer Figur eines liegenden Löwen aus der Sammlung der Eremitage. Unter Berücksichtigung ihrer Identität, unter Berücksichtigung der stilistischen und konstruktiven Ähnlichkeit der geschnitzten Figuren, der Typizität der zum Schnitzen ausgewählten künstlerischen Bilder, die für den frühen russischen Klassizismus mit seiner Bindung an antike Motive, heroische Themen und Genres charakteristisch sind, können wir dies tun Datieren Sie die ursprünglichen Taschenmesser, die von Vorsma-Meistern hergestellt wurden, auf das Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit waren die Traditionen der Charta der „Schlosserfabrik“ des 18. Jahrhunderts noch nicht vergessen; Erinnerungen an Befehle, vielleicht auch an grafische Hilfsmaterialien, die in die Hände der Pawlowsker und Vorsma-Bauern – außergewöhnlicher Meister der Volkskunst – fielen - waren noch frisch. All dies bestimmte den allgemeinen künstlerischen Stil der Werke, der einer bestimmten Epoche entsprach.
Die figürliche Schnitzerei der Griffe von Taschenmessern hat eine originelle Form und zweifellos einen künstlerischen Wert. Die Einfachheit und Konstruktivität der Form werden durch die Spontaneität und Lebendigkeit eines kreativ begabten Künstlers belebt. Alle diese Figuren sind Beispiele für kleine Skulpturen der Volkskunst der Region Nischni Nowgorod mit etablierten Traditionen. was die Kunst der Metallhandwerker bereicherte.
Derzeit wird versucht, vergessene Traditionen im alten Zentrum der Schmiede- und Metallverarbeitung sowie der Herstellung von Messern mit geschnitzten Griffen auf hohem künstlerischen Niveau wiederherzustellen.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts machte einer der Forscher der dekorativen und angewandten Kunst, A. Felkersam, auf die Notwendigkeit aufmerksam, die Knochenschnitzkunst in den Hauptzentren der Antike und Neuzeit zu studieren: Kiew, Nowgorod, Moskau, Archangelsk, und St. Petersburg. Heute wurden bedeutende archäologische und faktische Materialien gesammelt. Es gibt nur wenige spezielle Studien zur Geschichte der Knochenschnitzerei. Im Wesentlichen beziehen sie sich auf die Kunst der nordrussischen Knochenschnitzer. Unterdessen wurde St. Petersburg, dessen Chronologie im Jahr 1703 begann, aktiv gebaut und weiterentwickelt und zog Wissenschaftler und Architekten, Handwerker und Kunsthandwerker verschiedener Fachrichtungen an. Menschen kamen aus allen Provinzen Russlands zur Arbeit, insbesondere aus Orten, die sich durch fruchtbares Land auszeichneten. Längst herrscht eine „Verschwendungskultur“ – Handwerkerteams machen sich an die Arbeit. Zimmerleute und Maurer, Gießer und Tischler, Schneider und Weber, Vergolder und Juweliere, Kupferschmiede und Knochenschnitzer kamen nach St. Petersburg. Ausländische Handwerker ließen sich in der Nähe der Moika, in der sogenannten Deutschen Straße (heute Khalturina), nieder. Der Abschnitt vom Marsfeld bis zur Zaporozhsky-Gasse wurde wegen der hier lebenden Ausländer als griechische Siedlung bezeichnet. Unter den besuchenden Handwerkern und Kunsthandwerkern lebte in dieser Gegend der führende Architekt der Stadt, D. Trezzini, der 1703 nach Russland kam. In Okhta ließen sich russische Tischler, Zimmerleute und Schnitzer nieder. Doch in fast allen im Bau befindlichen Stadtteilen lebten jene Menschen, deren Hände die neue Hauptstadt schufen. Viele Handwerker waren eng mit dem Admiralitätskolleg verbunden, nicht nur, weil der Bau von Werften und der Schiffbau geschickte Hände und einen schlagfertigen Verstand erforderten, sondern auch, weil es in den ersten Jahren der St. Petersburger Zeit die wichtigste Organisation war, die alles leitete Schlüsselarbeit in der Stadt. Seit 1706 war die Verwaltungsführung im Amt für Stadtangelegenheiten konzentriert, das dann dem Amt für Bauten übertragen wurde.
In dieser frühen Periode der Geschichte St. Petersburgs sticht die von 1705 bis 1735 bestehende Drechslerei hervor. Seine Organisation ist mit den Produktionsbedürfnissen des Landes, mit der Entwicklung einer Reihe von Industriebetrieben sowie mit rein künstlerischen Interessen verbunden.
27 Maschinen waren für künstlerische Arbeiten vorgesehen. Dazu gehörten „iositure“, „ovale“ und „rosa“ Autos. Die Arbeiten an den Maschinen erfolgten manuell.
Es war möglich, mehrere runde Medaillons zu verbinden, an einem Quersteg zu befestigen und mit dekorativen Figuren in Form von Zacken zu versehen. Nach diesem Prinzip entsteht ein dekoratives Kreuz mit dem Bild eines Kruzifixes und Heiligen auf runden Knochenscheiben. Das Ebenholz der rund profilierten Rahmen schattierte und betonte die edle Schönheit des Knochens.
Bis heute sind drei einzigartige Kronleuchter aus Knochen erhalten. Ihr Design ist immer gleich: Der mit Äpfeln und anderen Zierfiguren verzierte Stamm diente als Träger für die erforderliche Anzahl verzweigter Kerzenleuchter, die eine Art Blumenstrauß bildeten, sowohl strukturell sinnvoll als auch dekorativ. Diese Arbeit zeigte die Fantasie der Handwerker, die verschiedenste gemeißelte Figuren auf den Stab setzten – oval, kugelförmig, zylindrisch, durchbrochen, birnenförmig; Die Kerzenständer begeistern nicht nur durch die zahlreichen geschwungenen Linien, die Form der Hörner und Endstücke, sondern auch durch die Vielfalt der sternförmigen und floralen Fassungen. Drei Etagen dieser verzweigten Kerzenständer bilden eine leichte, durchbrochene und überraschend elegante Dekoration.
Es ist wahrscheinlich, dass einige andere Werke von Sacharow erhalten geblieben sind. Möglicherweise handelt es sich dabei um Knochenmedaillons aus Medaillen, die in der Sammlung der Staatlichen Eremitage aufbewahrt werden. Eines davon reproduziert eine Medaille für den Tod von Peter I.
Am unteren Ende der runden Basis des Beins ist sein Monogramm und das Datum 1748 eingraviert.“ Die vom Meister offenbarte Schönheit des Knochens und seine zitternde Transparenz sind erstaunlich. Vielleicht war Kushelev neben Goman, Melis, Galaktion Shchelkunov und Erik Lundholm einer der Hofknochendreher, die Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts in St. Petersburg arbeiteten. Es besteht kein Zweifel, dass jeder der Meister zur Entwicklung der Kunst des Drechselns mit Knochen, Schildkröten und anderen Materialien beigetragen hat.
Es sind die allgemeinsten Bestimmungen aus der Geschichte der Organisation der Zunftstruktur in Russland im 18. Jahrhundert zu beachten. In den Papieren von Peter I. fällt unter seinen verschiedenen Notizen eine kurze Notiz vom 14. Januar 1715 mit dem Titel „Über die Zünfte“ auf. Es diente als eine Art Ausgangspunkt für die Entwicklung und Veröffentlichung von Sondergesetzen, die das Leben der Handwerksbevölkerung Russlands neu ordnen. Dabei handelte es sich um die „Reglements or Charter of the Chief Magistrate“ von 1721 und das Dekret „On Guilds“ von 1722. Die Einführung der Zunftorganisation in das Leben Russlands hatte eine positive Wirkung: Sie nahm die städtischen Handwerker unter ihren Schutz und verteidigte ihre Rechte. Im Gegensatz zu europäischen gab es in russischen Werkstätten keine mittelalterlichen Orden, nur die alte, akzeptierte Hülle blieb erhalten. Ein charakteristisches Merkmal der russischen Werkstattorganisation ist die Tatsache, dass die Werkstätten keine strenge Produktionsregulierung erhielten und der Zugang zu ihnen für Menschen verschiedener Klassen frei war.
Es ist kein Zufall, dass in alten Dokumenten jene Drechsler hervorgehoben werden, die „das Handwerk von Kupfer, Knochen, Eisen und Holz“ beherrschen. Und in diesem Zusammenhang wird es interessant sein, sich an die Anweisungen zu erinnern, die der Obermagistrat von St. Petersburg am 24. August 1727 an die Tischlerei gegeben und in die Liste der russischen Werkstätten für 1701 aufgenommen hat, offenbar als Erinnerung für Tischler und Schnitzer und Dreher. In 39 Absätzen der Anweisungen werden die Beziehungen zwischen den Mitgliedern der Werkstatt, ihre Verantwortlichkeiten, die Art ihres Verhaltens und ihre Einstellung zu ihrer Arbeit festgelegt. In diesem Zusammenhang ist Absatz fünf von besonderem Interesse: „Jeder Meister achtete darauf, seine Kunst immer zum Besseren zu produzieren, ohne wie zuvor zu begründen, dass, wenn er was tut, weil die Werkstatt entweder Arbeit für seine Arbeit oder für.“ Die Billigkeit seiner Arbeit von einem anderen Meister zieht einen für immer an, wie kann man später gute Fähigkeiten in der Arbeit und einen angemessenen Preis beim Verkauf oder für die Arbeit erwähnen, so dass aus solch obszönem Neid in der Fähigkeit, einen gegen den anderen bei der Arbeit zu vernachlässigen, und daraus Bei der Förderung von Beleidigungen und insbesondere zwischen Meistern der Kunst sollte es keine Blasphemie geben.“
Vielleicht verbirgt sich dahinter der Wunsch der Regierung, den Handwerkern nur hohe technische Fähigkeiten zu vermitteln. Aber wenn der Handwerker hochprofessionell und Arbeiten an Knochen, Holz, Schildkröte usw., dann sollten wir auch über die künstlerische Seite des Handwerks, über Kunst sprechen. Die Erhebung des Handwerks auf die Ebene der Kunst war den Aktivitäten „kleiner“ Künstler, sogenannter Artisan, nicht fremd.
Aus diesem Vergleich wird deutlich, dass am Ende des 18. Jahrhunderts das Verhältnis zwischen Knochenschnitzern und der Gesamtzahl der Handwerker unverändert blieb. Sie haben nie ganz mit ihrem Heimatland gebrochen. Sie wichen nicht von der typischen nordischen Kholmogory-Vorstellung von der Schönheit geschnitzter Knochen ab. Nachdem sie die traditionelle Handwerkskunst in sich aufgenommen, die spirituelle Kultur bereichert und die Innovationen von hundert persönlichen Künsten gemeistert hatten, erreichten sie die Höhen und gingen weit über die Grenzen der gewöhnlichen Kreativität hinaus. Ihre Kunst ist ein Beispiel für eine logische Synthese der Kreativität der Ureinwohner, der Bauern und der städtischen Kultur die neuesten Trends. Ohne jegliche Künstlichkeit und Eklektizismus vollzogen sie einen natürlichen Übergang von einem historisch etablierten Kunststil zu einem anderen, sie hielten mit der Zeit und ihren Herausforderungen Schritt, sie waren Gewinner auf dem Gebiet der dekorativen und angewandten Kunst, denn eine ihrer Arten ist die Knochenschnitzerei .
Einer der Knochenschneider der Werkstatt, der Kholmogory-Meister Sergei Ugolnikov, wurde 1820 dem St. Petersburger Knochendrehbetrieb zugeteilt. Anscheinend war er ein qualifizierter Knochenschnitzer, da er sofort in die Kategorie der Meister einstieg. Bereits 1820 beteiligte er sich an der Einstellung von Alexander Alekseev, einem ehemaligen Diener des Kollegiatsassessors Dubrowin, als Lehrling. Er wurde in die St. Petersburger Knochendreherei aufgenommen „und es wurde eine Verpflichtung übernommen, für die korrekte Zahlung der Steuern zu sorgen, unterzeichnet von den Meistern Pjotr ​​Larionow, Pjotr ​​Akulow und Sergej Ugolnikow.“
Im Jahr 1811 wurde Lawrenti Moiseevich Lukashevich, einer der entlassenen Hofdiener des Würdenträgers Shipnevsky, in die Drechslerei in St. Petersburg aufgenommen. Im selben Jahr wurde auch Ivan Matveevich Bezin registriert, der ursprünglich aus Staatsbauern der Provinz Archangelsk im Bezirk Kholmogory stammte. Im Jahr 1816 arbeitete der achtundvierzigjährige Knochenarbeiter Grigori Michailowitsch, ein Freigelassener des Grafen I. Peremetew, in einer Moskauer Handwerkswerkstatt.
Die Liste der Handwerker, die Knochen bearbeiteten, könnte wahrscheinlich erheblich erweitert werden, wenn mehr Dokumente in unsere Zeit gelangt wären. Allerdings wird schon jetzt darauf hingewiesen, dass ein sehr erheblicher Prozentsatz der Handwerker aus dem Norden stammt. Anscheinend waren die Professionalität und Originalität des künstlerischen Stils der Kholmogory-Schnitzer schon zu Beginn des 19. Jahrhunderts konkurrenzlos.
Es ist möglich, dass die nördliche Region Handwerker für die kontinuierlich laufenden Bauprojekte in St. Petersburg lieferte. Es ist davon auszugehen, dass sich unter denjenigen, die an der Errichtung des Palastes, beispielsweise in Gatschina, beteiligt waren, auch Nordländer waren. Hier sind ihre Namen: Galaktion Shchelkunov, Fedor Strong, Mnkhanlo Mikhailov, Kvdokim Mikhatin, Ivan Kuvychkin, Andrey Veloy, Alexander Tarbasov, Ivan Petrov, Visily Nikitin und die Studenten Konstantin Serov, Maxim Klimov, Grigory Karamyshev. Dies waren Handwerker, die sich mit dem Drehen von Kupfer, Knochen, Eisen und Holz auskannten. Sie begannen nach ihrem Schulabschluss im Büro des Oberhofmeisters in Vorstadtpalästen zu arbeiten. Diese Schule spielte eine bedeutende Rolle bei der Ausbildung von Fachkräften – Meistern des künstlerischen Handwerks. Die dortigen Schüler studierten Geometrie, Arithmetik, Architektur und Zeichnen. Nur diejenigen, die bestimmte Kenntnisse beherrschten, wurden zum Meister ausgewählt. Aus den formellen Listen der Schüler geht hervor, dass unter ihnen Söhne von Zimmerleuten, Schnitzern und Drechslern waren. Folglich könnte die erbliche Übertragung beruflicher Fähigkeiten vom Vater auf den Sohn durch die Ausbildung in einer speziellen Stadtschule verbessert werden. Aber Studierende könnten solche handwerklichen Fähigkeiten vom Meister einer bestimmten Werkstatt erwerben. Es ist schwer zu sagen, wie genau die Meister diese Regel befolgten. Von den nordrussischen Knochenschnitzern ist bekannt, dass sie im 19. Jahrhundert für kurze Zeit nach St. Petersburg kamen und dann in ihre Heimat zurückkehrten. Anscheinend hat einer dieser Meister 1870 in St. Petersburg (Sammlung der Staatlichen Eremitage) einen geschnitzten Knochenfächer in einem Etui in Form eines Köchers mit Pfeilen hergestellt. Der Fächer besteht aus 20 ovalen Knochenplatten, die oben mit einem weißen Seidenband verbunden sind, an der Basis mit einem Metallstift, der durch eine Struktur in Form eines Hirschkopfes mit verzweigtem Geweih am Griff befestigt ist. Jede der Tafeln ist eine komplexe ornamentale und dekorative Komposition aus Jagdattributen, Symbolen einer Kaufmannszunft (zwei gekreuzte Schlüssel), Symbolen einer Hafenstadt am Meer (ein Anker mit Delfinen), Daten und Buchstaben, die eine Widmungsinschrift aus St . Petersburger Bürger. Auf den Außenplatten ist ein Miniaturbild des Wappens der Stadt Archangelsk (Erzengel Michael tötet den Drachen) zu sehen, das in die Gesamtkomposition eingebunden ist. Dies ist eine Art Unterschrift des Meisters.
Niemand außer dem nordrussischen Meister, einem Einwohner von Archangelsk, hätte dieses Emblem in die elegante Schnitzerei des Fächers eingefügt. Folglich konnte der Fächer nur von einem Meister der Knochenschnitzerei aus Archangelsk angefertigt worden sein, der damals geschickteste unter ihnen M. Bobretsov und seine Brüder, die sich mit St. Petersburg verbündeten. Die Arbeit von V. T. Uzikov ist mit derselben Stadt verbunden. Er wurde von M. I. Perepelkin erzogen, arbeitete lange Zeit unter seiner Aufsicht und reiste 1903 nach St. Petersburg, wo er eine Stelle als Meister des Knochenschnitzens an einer Schule für Volkskunst annehmen wollte. Sein Deckel ist mit einer Skulpturengruppe gekrönt – einem Rentiergespann mit einem Musher. Die leichte Anmut des ornamentalen Schnitzmusters erzeugt das Gefühl eines Schneewirbels, der mit der Plotgruppe auf dem Deckel harmoniert. Dieses Objekt ist signiert und datiert und befindet sich im Zentrallager des Suburban Palace Museums. Natürlich spiegelt Uzikovs Arbeit die besten Traditionen der Knochenschnitzerei wider.
Es ist schwierig, diese Schätzung jetzt zu bestätigen, da die Arbeit unbekannt ist.
Die allerersten Biographen von Jakow Serjakow stellten die extreme Gleichgültigkeit der Akademiebeamten fest. Der junge, begabte Autodidakt, ein Meister der feinen intimen Porträtmalerei, wurde von der Akademie der „drei bedeutendsten Künste“ nicht aufgenommen.
. Einst konnte man dort ein „Porträt auf Knochen in einem Medaillon“ von Serjakow sehen. Tatsächlich schnitzte er neben voluminösen Büsten und Figuren uns unbekannter Personen häufig Reliefporträts wie Medaillons oder auf rechteckigen Platten. Auf dem Porträt, das in der sechsten Ausgabe der Illustrierten Zeitung von 1863 abgebildet ist, sitzt Jakow Panfilowitsch Serjakow an einem Tisch, an dem drei aus Knochen geschnitzte Büsten und ein ovales Medaillon stehen.
In der äußerst spärlichen Literatur, die diesem Knochenschnitzer gewidmet ist, heißt es, dass er sich entweder einer grafischen Quelle bediente oder direkt nach dem Leben schnitzte. Dort konnte er sich mit den Blättern, die ihn interessierten, vertraut machen und diese erwerben. Dies stand in der Tradition der Knochen- und Holzschnitzer. Doch die zweite Möglichkeit – das direkte Einschneiden in das Material während der Sitzung – ist fraglich. Entweder war Serjakow ein Wundermeister, oder er fertigte noch eine vorläufige Skizze an. Höchstwahrscheinlich handelte es sich bei seiner Skizze nicht um eine Zeichnung, sondern um eine plastische Darstellung. Der Ton oder das Wachs muss ihm vertraut gewesen sein. Schließlich sind Jakow Serjakows Werke aus Biskuitporzellan, Gips, Bronze und Gusseisen bekannt; Alle erforderten vor dem Gießen eine vorbereitende Vorbereitung. Geschnitztes Holz sowie Knochen, insbesondere Marmor, waren nach der Arbeitsskizze ebenfalls sekundäre Materialien. Der scharfe aufmerksame Blick des Schnitzkünstlers zeichnete nicht nur auf äußere Formen, sondern verstand es auch, in das Wesen der Natur einzudringen.
Die Gesichter, Figuren und das Kaufmannskostüm wurden sorgfältig entworfen. Die Modellierung der Oberfläche zeigt das Können des Schnitzers. Charakteristisch für seine Werke ist vor allem die realistische Interpretation. Porträts sind mit psychologischen Eigenschaften ausgestattet; Sie sind ausdrucksstark und emotional. Die klare Handschrift, in der die Inschriften verfasst sind, lässt es heute nicht mehr glauben, dass der Knochenschnitzer seit Kurzem das Lesen und Schreiben beherrscht. Zeitgenossen bemerkten seine Beharrlichkeit nicht nur bei der Beherrschung der Schnitzkunst, sondern auch beim Erlernen des Schreibens und Lesens anhand verschiedener Handbücher bereits in einem ziemlich reifen Alter. Porträts zeichnen sich durch eine besondere Qualität aus – die Feinheit psychologischer Merkmale.
Andere sind von der allgegenwärtigen menschlichen Güte überwältigt. Typisch hierfür sind die Reliefprofilporträts des Militärsanitäters Georgi Stepanowitsch Petrow und der Kinderfrau von Alexander Sergejewitsch Puschkin, Arina Rodionowna. Besonders attraktiv ist das Bild einer russischen Dorffrau mit kaum wahrnehmbarem Lächeln. Die Plastizität der geprägten Büste wird durch die glatten Linien der Falten des Kopftuchs verstärkt; sie verallgemeinern das Bild und tragen dazu bei, einen Kontrast zu seiner Masse klarer, ausdrucksstarker, individueller Gesichtszüge zu bilden.
Ein interessantes Werk in Roznomdorovo ist ein Porträt des dramatischen Schauspielers V. V. Samolov. Die Brust ist leicht getönt. Es ist schwer zu sagen, was den Künstler dazu bewogen hat, diese Technik anzuwenden. Aber wir können der Meinung von E. Tomilovskaya zustimmen, dass die Wurzeln von Seryakovs Werk in der Volkskunst liegen. Die Aufrichtigkeit, die den meisten seiner Kenntnisse innewohnt, spiegelt sich in den Holz- und Knochenschnitzereien volkstümlicher Handwerker wider. Es ist davon auszugehen, dass Serjakow mit nordrussischen Knochenschnitzern auf die gleiche Weise kommunizierte wie mit Lithografen und Graveuren. In dieser Zeit gab es in St. Petersburg nicht wenige von ihnen – sie waren in der Knochendreherei eingeschrieben und kamen vorübergehend, um Geld zu verdienen. Ein skulpturales Brustbild eines Kaufmanns mit zwei Auszeichnungsmedaillen um den Hals und einer im Knopfloch stammt aus dem Jahr 1868 (Staatliche Eremitage). Die Sauberkeit der Verarbeitung entspricht der Klarheit der künstlerischen Ausführung. Die Hand eines brillanten Meisters der Knochenschnitzkunst zeichnet sein letztes bekanntes Werk aus.
Wenn man sich die Werke eines talentierten Autodidakten im Allgemeinen ansieht, kann man die Einheit des Stils, die Subtilität psychologischer Merkmale, eine gewisse Strenge der Entscheidung ohne übermäßige Lockerheit in Bewegung oder Mimik feststellen. Er gehörte weder der akademischen noch der romantischen Richtung an. Dies ist ein Realist, der es geschafft hat, die Gesetze der bildenden Kunst selbst zu studieren.
Serjakows Werke sind sowohl aus ikonographischer Sicht von Interesse, denn er schuf eine Galerie mit Porträts seiner Zeitgenossen, von kleinen Beamten bis hin zu den bedeutendsten Persönlichkeiten, als auch aus schauspielerischer Sicht.
Die Veröffentlichung künstlerischer Werke von St. Petersburger Knochenschnitzern ermöglicht es, die charakteristischen Merkmale und spezifischen Schattierungen dieser Kunst, die in die städtische Kultur ihrer Zeit überging, deutlich zu machen. Der Reichtum an Formen und Ornamenten, Variationen in der Handlungskomposition, technisches Können – all diese Merkmale sind nicht nur der Knochenschnitzerei eigen, sondern auch der gesamten russischen dekorativen und angewandten Kunst. Ohne Kontinuität, ohne das Studium der Werke früherer Generationen wäre es so Es ist schwierig, das vom sowjetischen Volk geschützte künstlerische Erbe richtig einzuschätzen.
Die im Norden Russlands so fest verwurzelte Kunst des Knochenschnitzens beeinflusste zu einem bestimmten historischen Zeitpunkt die künstlerische Kreativität einiger sibirierischer Völker. Das war kein Zufall. Dafür gab es bestimmte historische Voraussetzungen. Die Kunst des Knochenschnitzens wurde bei den Jakuten weiter entwickelt als andere.
Sibirien mit seinen riesigen Taiga-Ausdehnungen, die sich in Waldtundra und schließlich in der Tundra in der Nähe des Arktischen Ozeans in den Breiten des Permafrosts verwandeln, birgt noch immer großen Reichtum – Mammutstoßzähne. Fossile Mammutknochen sowie Walrossstoßzähne, die sogenannten „Fischzähne“, wurden von Industriellen an der Meeresküste abgebaut und in sibirische Städte und von dort nach Moskau und ins Ausland transportiert – nach China, Mercien und in andere Länder. Nicht nur im 17. Jahrhundert, sondern auch im gesamten 18. und 19. Jahrhundert war Knochen ein äußerst attraktives Produkt; er wurde abgebaut und zu jakutischen Messen exportiert, von denen die größte in Jakutsk selbst stattfand.
In den Jahren 1660-1662 wurden „Fischgräten“ von den Küsten des Ozeans nach Moskau gebracht – 339 Pfund (25,5 Pfund). Dies ist nicht der einzige Hinweis auf die Ankunft von Lieferungen wertvoller Knochen in der Hauptstadt des Moskauer Staates. Die Zahlen sind aussagekräftig, sie zeigen, wie viel Wert auf dieses wertvolle Material gelegt wurde.
Der Übergang zum künstlerischen Schaffen begann nicht sofort mit der Herstellung einfachster Formen von Haushalts-, Jagd- und Angelgeräten. Es liegt auf der Hand, dass der Einfluss russischer Siedler mit ihrer Kultur und ihrem Kunsthandwerk entscheidend für die Entstehung und Entwicklung der künstlerischen Knochenschnitzerei der Jakuten war. V. Seroshevsky machte als erster auf den Einfluss der Russen auf die Technik der Knochenverarbeitung bei den Jakuten aufmerksam. M. Rekhachev drückte die Idee des Einflusses russischer Einwanderer aus Pommern deutlicher aus. Er bemerkte: „Die Ustjuschaner und Pommern waren mit der Technik der Knochenverarbeitung und -schnitzerei bestens vertraut und hatten zweifellos einen entsprechenden Einfluss auf die Entwicklung der Knochenschnitzerei in Sibirien.“ Gleichzeitig legte er besonderen Wert auf die Tatsache, dass die Schnitzerei in Tobolsk und Jakutsk von der Knochenschnitzerei in Kholmogory und Ustjug (Solvychegodsk) beeinflusst war. S. Ivanov beschreibt dieses Phänomen noch detaillierter. Bereits im 18. Jahrhundert entstanden neben antiken Ornamenten und religiösen Skulpturen die Keime einer neuen Kunst, die sich rasch zu entwickeln begann und sich im 19. Jahrhundert zu einem eigenständigen Bereich der Haushaltskunst entwickelte.“ Wie Seroshevsky wird auf die Nutzung russischer Erfahrungen in Knochenverarbeitungstechniken und in der Ausleihe von Werkzeugen hingewiesen. Aber das Wichtigste war die Bekanntschaft mit der russischen Volkskunst, die sich durch ihren Reichtum an Formen, Ornamenten und Handlungen auszeichnete, was den Jakuten half, ihre eigenen Fähigkeiten bei der Schaffung von Kunstwerken zu erkennen und ihre Talente voll zu entfalten.
Der Weg nach Osten verlief lange Zeit entlang der nördlichen Flüsse - von Moskau aus ging es zur nördlichen Dwina, und dann begann die lange Reise nach Wytschegda, Petschora, Kama, zum Oberlauf der Tura, nach Tobol, zum Irtysch - jenseits des Uralkamms. Noch am Ende des 16. Jahrhunderts segelten die Russen zum Ob und hielten eine ständige Verbindung mit Sibirien über die „Nordstraße“ aufrecht, das heißt, von der Barentssee aus gelangten sie zur Ob-Bucht, über die Tazovskaya-Bucht nach Mangazeya. Die Ergebnisse der Ausgrabungen von Mangazeya, die unter der Leitung von M. Belov durchgeführt wurden, zeigten, dass Pomoren aus Kholmogory, Wologda, Pustozersk, Moskau, Tobolsk und Berezov diese nördliche Stadt des 17. Jahrhunderts bewohnten, eine Stadt in den Breiten des Permafrosts . Die entdeckten Materialien weisen auf die Entwicklung vieler Handwerke dort hin, darunter auch die Knochenschnitzerei. Erhalten sind geschnitzte Schachfiguren aus Knochen und Rohlinge aus Walrossstoßzähnen. Dies ist eines der interessantesten Beispiele dafür, wie Einwanderer ihr Berufsspektrum durch ihr Auftreten an einem neuen Ort bestimmen.
Die Entstehung einer städtischen Siedlung setzte verborgene Kräfte in Gang, die in den Wirkungsbereich aller eindrangen Herstellungsprozesse. Die Tätigkeit der Handwerker war den Bedürfnissen der Stadt und ihrer Wirtschaft untergeordnet.
Es ist nicht nötig, im Detail auf alle Wege einzugehen, auf denen Entdecker in die sibirische Taiga vordrangen, indem sie die Strömungen tiefer, mächtiger Flüsse hinunter oder hinaufgingen und entlang ihrer Nebenflüsse tiefer in die Taiga Ostsibiriens vordrangen. Zu den berühmtesten Entdeckern des 17. Jahrhunderts, Menschen aus Kholmogory, Weliki Ustjug, Kargopol, Wjatka, Perm und anderen nördlichen Städten Russlands, gehörten Semjon Deschnew und Fjodor Alekseew, Jerofei Chabarow, Pantelei Ustjuschanin, Wladimir Atlasow und andere. Ist es nicht bezeichnend, dass es auch heute noch in relativer Nähe zur Mündung des Jenissei eine Siedlung Kolmogory gibt? Allein dieser Name spricht für sich. Es muss nur angemerkt werden, dass seit dem 14. Jahrhundert keines der frühen pommerschen Dörfer an der nördlichen Dwina Kolmogory (heute Kholmogory) hieß.
In den 1020er Jahren ebneten Abteilungen russischer Industrie- und Dienstleistungsleute entlang der Unteren und Podkamennaja Tunguska sowie entlang der Angara von Mangazeya und Jenisseisk aus den Weg in die Baikalregion und nach Jakutien. 1630 wurde die Festung Ilimsk gegründet, 1631 die burjatische und 1643 eine Festung an der Lena, also Jakutsk. Ganze Familien von Bauern, Soldaten und Bürgern reisen hier durch die Region Jenissei. Dies sind Einwohner von Ustjuschan, Einwohner von Kolmogorsk, Einwohner von Belozersk, Einwohner von Mezen, Einwohner von Usoltsy, Einwohner von Pinezhan, Einwohner von Wologda, Einwohner von Vazhan und andere.
Am Ende des Jahrhunderts gab es bereits 39 russische Dörfer am Ufer der Lena. Zu seinen „auswärtigen Gästen“-Händlern gehörten Stepan Filippov aus Weliki Ustjug, Nikandr Borodin aus Moskau, aber offenbar auch viele andere. Eine Privatsammlung enthält wie üblich einen rechteckigen Kamm mit häufigen und seltenen Zähnen an den horizontalen Seiten, der im Mittelteil mit einer Vignette und dem in Flachrelief geschnitzten Monogramm des Besitzers verziert ist.
Eines der frühesten datierten Objekte ist derzeit ein rechteckiger geschnitzter Kamm aus dem Jahr 1743 aus der Sammlung des Staatlichen Historischen Museums Moskau. Allein die Inschrift zeugt eindeutig für die russische Handwerkskunst bzw. spricht von ihrem ungewöhnlich starken Einfluss auf den jakutischen Schnitzer. Namen, die sich hinter den Anfangsbuchstaben von Monogrammen verbergen, sind in der Regel nicht zu entziffern. Aber die Figuren eines Löwen und eines Einhorns erinnern uns sofort an typische Bilder russischer Kunst
XVII Jahrhundert. Die Ikonographie dieses Wappenbildes geht auf das Relief des Tores der Moskauer Druckerei zurück. Seit ihrem Erscheinen sind der Löwe und das Einhorn zu einem festen Motiv in der dekorativen Gestaltung von Kupfertintenfässern sowie geschnitzten, gravierten, ziselierten Silber- und Kupferprodukten geworden. „Diese Bilder“, wie V. Vasilenko feststellt, „drangen früher, in der Feudalzeit, aus dem Osten oder Westen in Russland ein, hatten eine symbolische Bedeutung, die auf unterschiedliche Weise interpretiert wurde.“ Viele von ihnen, wie das Bild des Greifs, erwiesen sich als naheliegend
an eine russische Person. Sie waren ausnahmslos wohlwollende, beschützende und beschützende Wesen.“ Jakutische Knochenschneider verwandeln Einhörner und Löwen in Tiere, die den kleinen, kräftigen Pferden, wie sie in Sibirien bis heute vorkommen, sehr ähnlich sind. Es gibt eine merkwürdige Methode zur Darstellung der Mähne eines Einhorns, die an ein breites, etwas längliches ovales Blatt mit einem Schnitt erinnert, und die Mähne eines Löwen kann sehr oft mit den Blütenblättern einer Blume verglichen werden, so dekorativ ist ihr Design Carving. Ein typisches Beispiel ist einer der geschnitzten Knochenkämme, der ein Einhorn zeigt, das in angespannter Haltung steht, als würde es auf den Vormarsch eines Feindes warten. Es ist von Blattornamenten umgeben. Die Integrität des Designs wird gut mit der Lösung des Flachreliefs und seiner strengen Verarbeitung kombiniert. Sowohl diese als auch eine andere Märchengeschichte mit Polkan sprechen von einer engen Verbindung zur russischen Kunst. Auf einigen Knochenkämmen findet man das Bild zweier gegensätzlicher Figuren, eines Reiters und eines Zentauren. Für die nordrussische Kunst war eine solche Komposition im 17. und frühen 18. Jahrhundert durchaus üblich, insbesondere in Volksmalerei. Auf Schatullen und Kopfstützen, die von Handwerkern aus Weliki Ustjug angefertigt wurden, ist zwischen üppigem Blattwerk und Blumen häufig der Kampf zwischen dem fantastischen Polkan und dem russischen Helden zu sehen. Es wird als märchenhafte Handlung mit symbolischer Konnotation interpretiert – ein Held im Kampf gegen einen gewaltigen, erbitterten Feind, der die äußeren Feinde des russischen Staates verkörpert. Auf dem Jakut-Kamm kämpft ein Kosak mit Speer und Säbel mit dem Zentauren Polkan, zwischen ihnen ist das trennende Element das allsehende Auge – ein Dreieck mit einem Auge in der Mitte. Der Hintergrund für die beiden Relieffiguren ist ein durchgehendes schräges Netz. Das eigentliche Prinzip des Durchschnitzens beweist das Wissen über die verschiedenen Arbeiten der Knochenschnitzer aus Kholmogory. Warum dieses Bild eines Zentauren, genannt der russische Märchenpolkan, auf dem Boden der künstlerischen Kreativität der Jakuten Wurzeln schlug, lässt sich erklären!“ Ähnlichkeit von Folklorebildern. Höchstwahrscheinlich verband das Bild eines Zentauren die älteste Bildform mit einer Folkloreform und fand daher bei den Jakuten so leicht Eingang in die Knochenschnitzerei. Dies sollte als Ausdruck kulturellen Einflusses und als Bereicherung lokaler Formen dekorativer Kunst angesehen werden. Eine Reihe ähnlicher Werke sollte eine halbzylindrische Box mit reinen Genre-Schnitzbildern enthalten, die russischen Knochenartefakten entlehnt sind. Die gesamte Box ist in der Durchschnitztechnik gefertigt, lediglich der Boden besteht aus einem glatten, massiven Stück Knochen. Das Hauptmotiv der Schnitzerei ist eine Teeparty-Szene. Auf einer Seite stellte der Knochenschnitzer einen Tisch mit Samowar, Damast und einer Teekanne dar. An den Seiten des Tisches sitzen zwei Frauen auf Stühlen mit hoher Rückenlehne und trinken Tee. An den Seiten des Festes befinden sich zwei Häuser in ursprünglicher Form mit einer Fensteröffnung und einem Dach in Form eines umgedrehten Regenschirmblütenstandes einer exotischen Pflanze. An den seitlichen halbkreisförmigen Wänden hat der Meister geschnitzt Raubvögel Anscheinend sind Adler ein typisches totemistisches Bild der Jakuten, eines der am meisten verehrten. Wenn in der Tea-Party-Szene von russischer Herkunft die Rede ist, dann sind die übrigen Elemente charakteristisch für die künstlerische Weltanschauung der Jakuten.
Als die Soldaten der Moskauer Zaren in den 1630er Jahren in Jakutien ankamen, fanden sie dort eine etablierte jakutische Nation mit einer charakteristischen Wirtschaftsstruktur, einem gesellschaftlichen Leben und einer definierten Religion vor. Die Jakuten waren durch einen schamanischen Kult und totemistischen Glauben geprägt. Jeder Clan hatte seinen eigenen heiligen Schutzpatron in Form eines Vogels oder Tieres. Aber warum verkörperte der Adler – „toyon-kyil“, der Meistervogel – die höchste Gottheit des Lichts, den Erneuerer der Natur? Und es ist kein Zufall, dass bei vielen Ergänzungen von Subchassis, in voluminösen Schnitzereien, der Adler sehr oft im Mittelpunkt der ornamentalen Komposition steht.
Es sei darauf hingewiesen, dass Adler, Habicht und Falke den alten Altai-Stämmen gut bekannt waren; das Bild dieser starken Vögel spielte eine wichtige Rolle in ihrer Mythologie und Kunst. Besonders gut gefiel ihnen das Bild des Geiers. Es kommt in den meisten Fällen vor verschiedene Materialien, manchmal im konventionell schematischen, manchmal im realistischen Sinne. Das älteste Bild dieses Vogels stammt aus dem 7. bis 4. Jahrhundert v. Chr. h., das heißt, es ist das stabilste im künstlerischen Schaffen der sibirischen Völker.
In der Sammlung der Eremitage und des Historischen Museums befinden sich Bischofswappen mit Attributen kirchlicher Autorität; in dieser originellen dekorativen Komposition tauchten auch die den Jakuten bekannten Adler auf. Nur wenige ähnliche, offenbar rituelle Kämme sind in nordrussischem Knochen erhalten geblieben.
Das Lieblingsthema der jakutischen Knochenschnitzer war das Genrethema des Jahrhunderts; es kann in zwei Typen unterteilt werden: mit nationalen Ritualen und Feiertagen verbunden und rein kommerziell. Besonders hervorzuheben ist das Thema der schamanischen Rituale, das in einem der Werke von 1754 seinen Platz fand. Hierbei handelt es sich um einen Uhrenständer, bei dem es sich um einen speziellen Standschirm mit einem runden Loch und einem Haken zum Aufhängen einer bauchigen Uhr handelt. An sich ist dies ein Alltagsgegenstand für einen wohlhabenden Stadtbewohner. Unter der bäuerlichen Bevölkerung konnten sie nicht auftauchen, aber unter der Stadtbevölkerung, den Industriellen und den Dienstleuten existierte ein solches Objekt zweifellos. In der künstlerischen Gestaltung des Podchasnik ist der Stil der Kholmogory-Schnitzerei leicht zu erkennen; vielleicht wurde dieses Ding von einem nordrussischen Meister geschnitzt. Die Ausführung ist zu technisch, die Ornament- und Handlungsschnitzerei zu spezifisch gestaltet. Hinter allem spürt man die große Erfahrung und das traditionelle Können der Kunst. Darüber hinaus ist es unwahrscheinlich, dass die jakutischen Künstler der 60er Jahre des 17. Jahrhunderts so schnell gegen die Bündnisse des alten Glaubens verstoßen haben könnten.
Mit der Christianisierung wurden neue dekorative Elemente in die Knochenschnitzskulptur eingeführt, die eine natürliche Kombination mit zuvor akzeptierten totemistischen Elementen eingingen. Auf dieser Grundlage ist es unwahrscheinlich, dass der jakutische Knochenschnitzer beschlossen hätte, eine detaillierte Zusammenfassung des Schamanenrituals zu geben. Währenddessen wird die Figur eines Schamanen mit einem Tamburin in den Händen in voller Höhe dargestellt, die Plastizität der Bewegung wird bestimmt, die durch die Verzierung unterstrichen wird. Drei und zwei sitzen auf beiden Seiten des Schamanen; sie sind Teilnehmer an seinen Handlungen, an einem besonders bedeutsamen Tanz. „Bitikhiter“-Tänzer waren die Assistenten des Schamanen; sie halfen im Kampf gegen Geister. Oben über der Handlungsszene befindet sich eine interessante Schnitzerei, die so charakteristisch für das Leben der Jakuten in der Vergangenheit ist. Über dem runden Loch befinden sich zwei scheinbar schwebende Figuren, die streng in der Mitte eine Krone halten. Noch höher, auf dem Wappen der rechteckigen Uhr, befinden sich ein Datum, ein Reliefherz und als Abschlussfigur ein Adler mit ausgebreiteten Flügeln.
Der stolze, mutige Vogel fand Eingang in die Mythologie, den alten Glauben und die Kunst der Jakuten. Die Beharrlichkeit, mythologische Bilder zu bewahren, brachte im 19. Jahrhundert die Knochenschnitzerei der Figur dieses Vogels in ihrer traditionellsten Form mit sich. Das allgemeine Design des Podchasnik und die Schnitztechnik sind charakteristisch für russische Meister der Knochenschnitzerei, die Handlung spricht jedoch vom starken Einfluss der lokalen Kultur mit ihren spezifischen Ritualen auf die Knochenschnitzer. Dieser Einfluss war sozusagen der Beginn eines Prozesses, der im 19. Jahrhundert zur Entstehung der jakutischen Schule der Knochenschnitzerei führte. Daher können Sie auf geschnitzten Knochenkisten und Schatullen alle Arten von Genreszenen sowie Vorbereitungen für das jakutische Frühlingsfest der Kumis „Ysyakh“ sehen. Dieser Feiertag wurde erstmals zu Beginn des 19. Jahrhunderts von einem der im Exil lebenden Dekabristen, dem berühmten Schriftsteller L. Bestuzhev-Marlinsky, ausführlich beschrieben. „Ysyakh“ wurde von Spielen, Tänzen, Rennen und Ringkämpfen aller Art begleitet und wurde gerne in verschiedenen Versionen dargestellt. In vielen Kompositionen verwendeten die Schnitzer Bilder von Winter- und Sommerjurten, Bäumen, großen Gefäßen zur Aufbewahrung von Kumys und Menschen, die einen Würfel Kichorona verteilen und entgegennehmen, um das frisch zubereitete Getränk zu probieren. Der Frühlingsfeiertag für die jakutischen Pferdezüchter war einer der wichtigsten und hatte rituellen Charakter. Im Allgemeinen war der Umgang mit dem Pferd besonders respektvoll, was sich in Ritualen, Werken der mündlichen Volkskunst und in der Kunst des Knochenschnitzens widerspiegelte. Der Pferdekult hielt bis zum Ende des 19. Jahrhunderts an. L. Yakunina gibt einen interessanten Eintrag in ihrem Werk: „Stuten und Pferde waren einst unsere Gottheiten.
Die jakutischen Hirten kannten im 19. Jahrhundert noch kein vollständiges Sesshaftigkeitsleben. Daher wechselten sie zweimal im Jahr notwendigerweise von Winterstraßen auf Sommerstraßen und wechselten ihren ständigen Wohnsitz; die Beweidung diktierte ihnen ihre Bedingungen. Dies erklärt ihre Einstellung zum Pferd, zum „Serge“ als einem eng mit ihm verbundenen Objekt. Der heilige Anhängepfahl wurde am neuen Zuhause der Jugendlichen eingetrieben; In ihrer Nähe segneten die Eltern ihre Tochter-Braut. Auf einigen Graten gibt es Kompositionen, bei denen der Anhängepfosten eine wesentliche Rolle spielt. Ein Beispiel wäre ein Kamm mit einer detaillierten Komposition von Szenen sehr unterschiedlicher Reihenfolge. Auf einem rechteckigen Feld befindet sich im oberen Teil die Inschrift: „Jakutsk 1843“. In der Mitte, inmitten des hügeligen Geländes, steht eine Jurte, daneben ein Bottich für Kumiss. Eine Frau steht neben ihm und reicht einem Kind eine Tasse Kumiss. Hinter ihr, auf der rechten Seite der Jurte, steht ein weiterer Bottich mit Kumiss. Die linke Seite der Komposition wird durch ein ziemlich großes Bild eines Reiters mit einem hinter ihm sitzenden Kind ausgeglichen. Merkwürdig ist, dass das Pferd noch an der Leine, am geschnitzten Anhängepfosten steht, aber es scheint mit den Füßen zu treten, der Knochenschneider hat den Bewegungsrhythmus vorgezeichnet. Dieser Rhythmus setzt sich in der plastischen Gestaltung der Hügel, der runden Jurte und der ungleichmäßigen Wellenlinie am oberen Rand des riesigen Gefäßes mit Umhang auf der rechten Seite fort. Entlang der Kante des gesamten Rechtecks ​​platzierte der Meister einen sehr konventionell interpretierten Laubtrieb als Rahmen. Deren Klarheit, fast schon Geometrie, steht im Kontrast zum Rhythmus und Plan der gesamten Handlungskomposition. Auf der Rückseite des Kamms befindet sich ein weiblicher Tanz „osuokai“: Fünf Frauen in eleganter, bestickter Kleidung stehen dem Betrachter zugewandt, links ist die Figur im Profil, rechts eine Frau mit einer Schale in der linken Hand, in ihrer rechten Hand befindet sich eine Schöpfkelle zum Ausgießen von Kumis aus einem Gefäß. Die strenge Komposition ist klar umgesetzt. Das Selbstvertrauen der Hand des Knochenschnitzers zeigte sich in seinen darstellerischen Fähigkeiten. Der grafische Charakter der Linie passt gut zum flachen Relief, das ausreichend modelliert ist, alle notwendigen Details hervorgehoben und präzisiert sind.
alle Elemente. Hier gibt es keine abstrakten Bilder oder Symbole, alles ist sehr realistisch interpretiert. Im Vergleich zu anderen Kämmen zeichnet sich dieser durch zweifellose Vorteile in der plastischen und kompositorisch-rhythmischen Gestaltung aus. Es gibt Informationen, dass dieser Kamm dem Dekabristen I. Jakuschkin gehörte, er wurde zum Tode verurteilt, durch zwanzig Jahre Zwangsarbeit ersetzt, später etwas reduziert. Seit 1835 lebte Jakuschkin in einer Siedlung in Jalutorowsk, Provinz Tobolsk (heute Gebiet Tjumen). Offenbar ist der geschnitzte Knochenkamm ein Familienerbstück und wurde daher von seinem Sohn, einem Ethnographen, für die Nachwelt aufbewahrt.
Die freundschaftlichen Kontakte, die zwischen den Jakuten und russischen Siedlern in Sibirien entstanden, erinnern an einen Kamm aus dem Jahr 1844, der eine Szene der Bewirtung eines Gastes zeigt. Ein Jakut in nationaler Pelzkleidung mit einem Choron in der Hand empfängt einen Russen, offenbar einen Militärmann, da er eine Uniform trägt. Sie sitzen einander gegenüber und unterhalten sich. Die Szene ist vor dem Hintergrund des Innenraums angesiedelt. Der Künstler stellte das Gebäude im Schnitt dar. Rechts tanzende Frauen. Auf der Rückseite des Kamms sind Wohnhäuser der Jakuten und mehrere Figuren abgebildet. Die Wohngebäude der Jakuten sind zweifellos von Interesse. Eine Winterstraße ist ein Holzhaus, eine Jurte aus Lärche, in Form einer viereckigen Pyramidenstumpfform mit einem eher flachen Giebeldach. Seine ältere Form ist eine Kabine mit den obligatorischen drei Fenstern, die mit Fischblasen oder Glimmer bedeckt sind. Winterstraßen existierten bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Das Sommerhaus war Urasa – eine kegelförmige Struktur aus Birkenrinde und Stangen. Jakutische Knochenschnitzer liebten es, diese Gebäude in ihre Kompositionen einzubeziehen. Der Grat von 1844 zeigt genau diesen Gebäudetyp. Darüber hinaus gelang es dem Schnitzer, eine Art strengen kompositorischen Rhythmus der Skizze zu schaffen. Es scheint, dass die Statik der Gebäude auf kleinem Raum nicht das gewünschte emotionale Bild vermitteln kann. Dies geschah jedoch aufgrund der Einführung kleiner Menschenfiguren, einer bescheidenen Andeutung der Landschaft. Generell besticht die Kammschnitzerei durch ihre entspannte Schlichtheit, natürliche Komposition und gute Handwerkskunst.
Wenn die Schachtel der Hermitage-Sammlung mit dem Monogramm „KITD“ von 1742 gekennzeichnet ist, ist sie vollständig mit einem durchgehenden dünnen Ornament verziert, unter dem der Folienplan platziert ist, der ungewöhnlich an die Wellknochenprodukte der Kholmogory-Meister des 18. Jahrhunderts erinnert 19. Jahrhundert, dann ist auf dem Teller (Detail der Schachtel) mit einem Skifahrer und Reithunden, die unter den ausladenden Zweigen einer Zeder rennen, dieser Zusammenhang nicht zu finden. Hier, wie auch in einer Reihe anderer Kompositionen auf Kämmen und Tellern, ist die Eigenständigkeit und Originalität des künstlerischen Denkens jakutischer Knochenschnitzer deutlich sichtbar.
Achten Sie auf die Schachtel mit der Jahreszahl 18(i(J), auf deren Deckel der Kurier den zentralen Platz einnimmt. Hervorzuheben ist vor allem der charakteristische hochgekrönte Hut, eine voluminöse Tasche mit Depeschen, eine gebogene Figur bis zum Hals eines galoppierenden Pferdes, hinter dem sich bereits ein Meilenstein mit der Aufschrift „Kurier“ befindet. Die schlichte, aber lebenswahre Szene hat eine emotionale Wirkung. Ein Rennreiter, ein russischer Kutscher (nämlich die Russen). waren mit dem Kutscherfahren auf dem sibirischen Trakt beschäftigt) - das war eine auffällige Figur, und der Künstler führte sie in seine Kunst ein. Auch die Kompositionen an den Seitenwänden des Sarges sind die absolute Wahrheit des Lebens. Sie reproduzieren die Hauptszenen aus dem Feiertag. Ysyakh“ – Kumis aus einem Choron trinken, bei dem drei Männer nach dem Brauch der Brüderlichkeit an einem Schiff vorbeifahren; eine Szene eines nationalen Kampfes zwischen zwei halbnackten Männern; Transport von Fracht auf einem Kanu; Frauenvolkstanz „Osuokai“, wenn Jeder steht in einer Reihe, verschränkt die Hände in einer Linie und bewegt sich langsam und rhythmisch. Bemerkenswert ist, dass die Reliefbilder auf einem durchgehenden schrägen Netz dargestellt sind, unter dem blaue Folie angebracht ist. Und dies offenbarte erneut eine Eigenschaft, die von den Knochenschnitzern aus Kholmogory stammte – die Liebe zur Farbsättigung der Knochenschnitzarbeiten.
Die Jagdszene auf einem der Wächter ist überraschend anmutig und leicht komponiert. Im unteren Teil der rechteckigen Platte mit einem runden Loch für die Uhr befindet sich das Bild eines Kosaken, an dessen Seiten Bäume stehen. Ihre in die Höhe ragenden Äste bilden die Grundlage für die Jagdszene. Im Wald spielen sich nicht nur eine, sondern zwei Szenen ab: Rechts schießt ein Jäger mit Gewehr auf ein Reh, daneben ein Hund; Auf der linken Seite ist eine kniende Figur eines Bogenschützen zu sehen, der auf denselben Hirsch schießt. Ein leichtes Blumenornament und ein Muster aus schrägen Maschen helfen dabei, sich einen Teil des Taiga-Dickichts vorzustellen, den Rand eines Waldes, wo ein Reh herauslief. Lassen Sie ein konventionelles, aber im Wesentlichen wahres Bild, gesehen im Leben, vom Künstler in ein konkretes künstlerisches Bild verwandeln.
Es gibt ein weiteres interessantes Bild in der Komposition dieses Sub-Chasers. Auf dem oberen Gesims in der Mitte befindet sich das sogenannte „Rad des Gesetzes“ – ein Symbol buddhistischer Lehren. Und das ist kein Zufall. Angesichts der Herkunft der Jakuten aus der Baikalregion kann davon ausgegangen werden, dass dieses Kunstelement aus der Kultur benachbarter Völker eingeführt wurde, da der Buddhismus in der burjatischen Bevölkerung noch immer existiert.
In Hinsicht auf allgemeine Zusammensetzung und technische Ausführung - das gehört zu den integralen, ungewöhnlich geschickten Dingen. Die Logik der Anordnung der Bildmotive, ihre Proportionalität mit der Verzierung, die geschickte Platzierung auf der Fläche – alles zeugt vom hohen Können des Künstlers, der dieses Knochengerüst geschnitten hat.
Aus der orientalischen Kunst drangen Löwenfiguren, die meist in angespannter Pose liegen und das Tier bewachen, auf besondere Weise in die Arbeit jakutischer Knochenschnitzer ein. Gleichzeitig sind in den Reliefschnitzereien der Kapellen Löwen zu sehen, deren Aussehen den Rübenholzlöwen am nächsten kommt, die im 19. Jahrhundert die Friese der Bauernhütten in der Wolgaregion schmückten. Das Umdenken und die kreative Verarbeitung des Wahrgenommenen ist zweifellos charakteristisch für jakutische Knochenschnitzer. Dies belegen die von ihren Händen geschaffenen Werke der dekorativen und angewandten Kunst und trugen auch zu einer gewissen erfolgreichen Synthese dekorativer Motive in Werken der Knochenschnitzkunst bei . Ein Beweis dafür ist eine Reihe von Zeremonienschatullen, die etwas eklektisch, aber aus vielen Gründen von erheblichem Interesse sind (Sammlung der Staatlichen Eremitage). Einer von ihnen hat eine rechteckige Form und ist mit Skulpturen von vier liegenden Löwen und einer Vase mit einer üppigen Vase verziert Blumenstrauß und ein Doppeladler in der Mitte – datiert 1889. Die Wände der Schatulle sind ebenso wie der Deckel selbst mit durchgehenden Schnitzereien in Form von geometrischen Mustern bedeckt.
Das Merkwürdigste ist die Prozession, die den Sarg umgibt. Auf einem rechteckigen Sockel sind in unmittelbarer Nähe der Wände dreidimensionale Figuren platziert, die recht primitiv, aber ausdrucksstark geschnitzt sind. Die Komposition beginnt mit einem Hundeschlitten, dahinter steht die Figur eines Jägers mit einem Hasen hinter ihm, auf dem Kopf des Jakuten befindet sich ein Kopfschmuck aus einem nach hinten gedrehten Hirschschädel; dann ein Schlitten mit einem Kind und einem darauf sitzenden Hund, dahinter ein Jakut mit rituellem Kopfschmuck aus einem Hirschschädel, dahinter ein Hund und ein auf einen Bären schießender Jäger, dahinter ein Rentiergespann mit Kutscher, mit einem Hirschschädel auf dem Schlitten, schließlich rundet eine jakutische Figur auf einem Hirsch reitend die Prozession ab. Offensichtlich offenbart sich dem Betrachter ein wichtiger ritueller Ablauf, verbunden mit guten Wünschen für eine erfolgreiche Jagd.
In Anbetracht des besonderen Zwecks dieser Art von Schatullen konzentrierten sie wie ein Brennpunkt alles, was die jakutischen Knochenschnitzer beherrschten und was für sie charakteristisch war. Die technischen Techniken des Schnitzens, die Komposition der Komposition, die Konzentration der Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Wesentliche, die Widmungsinschriften – alles zeugt von der vollständigen und fließenden Beherrschung der Techniken des künstlerischen Schaffens. Widmungsinschriften sind auch auf anderen Schatullen und Kästen bekannt. Auf einem von ihnen ist zu lesen: „1853 Jakutsk zum Gedenken an Ekaterina Jesusovna Vasova.“ Die Bilder an den Wänden veranschaulichen den Kumys-Feiertag in verschiedenen Kompositionen. Die Kombination solcher Motivschnitzereien und Widmungsinschriften zeugt von der engen Verbindung zwischen Handwerkern und Kunden, Jakuten und Russen. Der kreative Kontakt wird durch die Schnitzerei eines doppelseitig geschnitzten Kamms belegt, der eine Kutsche mit einem Kutscher und einem Reiter auf der Straße einer jakutischen Stadt mit Winterhäusern und Straßenlaternen darstellt. Die Inschrift „Wen ich liebe, gebe ich“ umrahmt diese schlichte Genreszene in eleganter Schrift. Bei seiner Ausführung werden Proportionen, Rhythmus, Massengleichgewichte und eine durchdachte Kombination von Durchgangs- und Reliefschnitzereien beobachtet, die von Können und Beherrschung der Besonderheiten der Knochenschnitzkunst zeugen. In den Arbeiten nordrussischer Handwerker auf Knochen, Birkenrinde und anderen Materialien sind solche Inschriften eine häufige Ergänzung.
Es ist merkwürdig, dass einige jakutische Knochenschnitzer des 19. Jahrhunderts sich an der Modellierung versuchten. Das Kunstmuseum Jakutsk beherbergt eine Reproduktion einer jakutischen Festung mit acht Türmen aus dem 17. Jahrhundert, die 1867 von Knochenschnitzern angefertigt wurde. Als interessantes Beispiel geschnitzter Kunst hat dieses Modell derzeit historischen Wert. Wie Sie wissen, ist bis heute nur ein Festungsturm erhalten geblieben.
Die Kunst des Knochenschnitzens kann ohne Traditionen, ohne bereits erreichte Errungenschaften nicht leben und sich entwickeln. Deshalb wirkt sich der Wunsch, die eigene Kunst bestmöglich kennenzulernen, zunächst einmal positiv auf die Suche nach Neuem aus. Die Verbindung von Wissen mit der Entwicklung von Neuem, mit den Möglichkeiten der eigenen kreativen Individualität hilft immer wieder im Entwicklungsprozess der Kunst. Der französische Maler Courbet brachte einmal kurz und bündig das Wesen dessen zum Ausdruck, was das Merkmal eines Schöpfers sein sollte: „Wissen, um können“. Für ihn drückte dies die Essenz der Kreativität in der Malerei aus. Wir haben das Recht, die Richtigkeit seiner Worte in Bezug auf den Bereich der dekorativen und angewandten Kunst sowie der Knochenschnitzerei hervorzuheben. Das zu assimilieren, was die Vorgänger erreicht haben, bedeutet, eine solide Grundlage für die Entwicklung der Kunst in der nächsten historischen Phase zu erhalten.
Basierend auf der Übertragung der gesammelten Erfahrungen der ältesten Meister auf junge Menschen wurden sowohl in Kholmogory als auch in Jakutsk kreative Künstlergruppen wiederbelebt, die sich mit der Knochenschnitzerei beschäftigten. Bereits in den 1930er und 1940er Jahren entstanden sowjetische Schulen, in denen talentierte Knochenschnitzer arbeiteten. Ihre Arbeit, die sich der Widerspiegelung der sowjetischen Realität widmete, basierte auf realistischer Zeichnung, die sie mit traditionellen künstlerischen Schnitztechniken kombinierten. Derzeit sind Knochenschnitzer in Kholmogory im Kollektiv der nach M. V. Lomonosov benannten künstlerischen Knochenschnitzerei vereint, und in Jakutsk gibt es eine 1969 gegründete Souvenirfabrik „Sardaana“. Die Fruchtbarkeit des Studiums der eigenen nationalen Kultur und Kunst bringt den Knochenschnitzern zweifellos Erfolg. Ihre Arbeit entwickelt sich ständig weiter und verbessert sich technisch und ästhetisch.

Das Büro. Pommersches Gewehr aus der Mitte des 18. Jahrhunderts, Werk von L. Khorkov, Pulverflasche aus dem 17.-18. Jahrhundert. Pulverflasche aus dem frühen 18. Jahrhundert, erste Hälfte des 18. Jahrhunderts
Podchasnik. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts

Produkte aus Tierknochen werden aufgrund der Qualität der geleisteten Arbeit und der Materialkosten sehr oft mit Dingen aus Edelmetall gleichgesetzt. Je natürlicher die Figur aussieht und je sorgfältiger ihre kleinen Details verarbeitet sind, desto wertvoller wird eine solche Knochenschnitzerei eingeschätzt.

Geschichte des Handwerks

Die Arbeit mit Knochen hat historisch gesehen einen langen Weg zurückgelegt – nämlich Knochenschnitzerei wurde zu einer der ersten menschlichen Aktivitäten. Im Laufe der Zeit erhielten die Menschen dank des Volkshandwerks nicht nur Werkzeuge: Nadeln, Stecknadeln, Knöpfe, Werkzeuggriffe, Spitzen, sondern die Produkte begannen auch eine dekorative Funktion zu erfüllen. So begann man, Haushaltsgegenstände aus Knochen mit komplizierten Mustern und Ausschnitten zu verzieren. Darüber hinaus erschien Schmuck in Form von Halsketten, Armbändern, Ohrringen und Ringen sowie Haarnadeln.

Jede Nation hat Besonderheiten der Knochenschnitzerei in Form einzigartiger Motive bewahrt. In Russland handelt es sich um eine Kholmogory-Knochenschnitzerei, die historisch im Bezirk Kholmogory der Region Archangelsk entstanden ist.

Die Traditionen der gemusterten Schnitzerei im Kholmogory-Stil entstanden im Laufe des 17. und 18. Jahrhunderts. Die Hauptmerkmale der Kholmogory-Schnitzerei sind die Muster, mit denen sie reichlich vorhanden ist:

• geschnitztes Ornament mit durchgehenden Löchern;

• Reliefkompositionen;

• mehrfarbige Gravur von Elementen;

• Legen Sie farbige Folie unter das Ornament.

Als Basis verwenden Handwerker in der Regel Mammut- oder Walrossknochen, aber wenn es nicht möglich ist, so teure Materialien zu kaufen, verwenden sie Tierknochen – Kühe oder Pferde.

Werkzeuge und Materialien

Die Kunst des Schnitzens von Knochen und Horn erfordert das Vorhandensein spezieller Werkzeuge, ohne die eine sorgfältige Verarbeitung des Produkts nicht möglich ist. Dazu gehören ein Bohrer und ein Meißel – spezielle Schneidwerkzeuge mit spitzen Spitzen in verschiedenen Formen, die zum Schneiden, Sägen, Schaben, Bohren und Schleifen von Knochenoberflächen bestimmt sind.

Eine kompakte Bohrmaschine, die für den persönlichen Gebrauch und nicht für die Ausführung von Industrieaufträgen gedacht ist, kann viele verschiedene Geräte ersetzen – alles hängt von der Wahl des Aufsatzes ab:

• grobe Sägetipps – Entfernen der obersten unnötigen Schichten;

• Schleifaufsätze – Schleif- und Schleiffunktionen;

• scharfe, dünne Düsen – zum Hervorheben feiner Linien;

• Düsen mit Kugeln mit einem maximalen Durchmesser von bis zu zwei Millimetern – zur Entlastung kleiner Teile;

• Gummigranulatköpfe – Polieren der Oberfläche des Produkts;

• Bürsten, weiche Materialien – Polieren der Arbeit.

In einigen Fällen können Sie dasselbe Werkzeug wie beim Verbrennen von Holz verwenden – es hilft dabei, konkave Vertiefungslinien von dunkelbrauner Farbe zu erzeugen.

Die Auswahl der Werkzeuge hängt ganz von der Art der geplanten Arbeit und dem zu bearbeitenden Material ab. Z.B, Knochenschnitzerei und das Horn wird auf unterschiedliche Weise hergestellt – der Knochen mancher Tiere ist zerbrechlicher als die Hörner. Gleichzeitig sind Mammutstoßzähne und Skelettelemente gleich stark und gelten im Vergleich zu anderen als die härtesten.

Bei der künstlerischen Knochenschnitzerei werden in der Regel Kuh-, Pferde-, Hirsch-, Elch- und Mammutknochen verwendet. Darüber hinaus wird die Arbeit an den Hörnern und Stoßzähnen dieser Tiere sehr geschätzt.

Sie können ganze Geweihe, Knochen, Stoßzähne und Reißzähne kaufen. In letzter Zeit gibt es jedoch die Praxis, Sägeschnitte in Form von flachen Medaillons oder kleinen Stümpfen zu verkaufen – aus solchen Rohlingen lassen sich kleine Figuren, Miniaturartikel, Broschen und Anhänger herstellen.

Den Knochen für die Arbeit vorbereiten

Mammut- und Walrossknochen sind sehr teure Materialien, die zudem recht schwer zu bekommen sind. Tatsache ist, dass Walrosse von verschiedenen Umweltorganisationen geschützt werden und die Zahl der gefundenen Mammutreste von Jahr zu Jahr immer schneller abnimmt.

Aus diesen Gründen wird Anfängern empfohlen, sich für leicht verfügbare Materialien zu entscheiden. Es wäre zum Beispiel gut, sich mit Kuh- und Pferdeknochen zu befassen, die auf jedem Lebensmittelmarkt zu einem erschwinglichen Preis leicht zu finden sind.

Ein solcher Kauf stellt nur eine Vorbereitung für die anstehenden Arbeiten dar – er muss vorbereitet werden, indem zerbrechliche Schlauchstoffe entfernt und Flecken und Fett entfernt werden.

• Sägen Sie die Enden der Knochen ab, die die Knorpelstrukturen tragen.

• Reinigen Sie das Werkstück innen und außen.

• Jetzt müssen Sie das Material eine halbe Stunde lang kochen – nach und nach löst sich das Fett aus dem Knochen.

• Spülen Sie die Werkstücke unter fließendem Wasser ab und kochen Sie sie erneut, jedoch in klarem Wasser. Geben Sie gleichzeitig etwa eine halbe Packung Soda (8 Liter) in die Pfanne.

• Lassen Sie die Pfanne erneut etwa anderthalb Stunden köcheln.

Nehmen Sie die Pfanne aus dem Ofen und lassen Sie sie über Nacht stehen. Ein ähnlicher Vorgang kann am nächsten Tag mit Backpulver wiederholt werden, wenn Sie das Material bleichen und noch stärker machen möchten.

Meisterkurs - Knochenschnitzen für Anfänger

Nachfolgend sehen Sie, wie die erfahrenen Handwerker Alexander und Elena Koptelov, deren Arbeit weit über die Grenzen der GUS-Staaten hinaus bekannt ist, mit Hilfe grundlegender Werkzeuge die Figur der Grinsekatze aus dem Märchen „Alice im Wunderland“ ausschneiden ". Da die Arbeit sehr aufwändig und das Material teuer ist, sollten Anfänger sie nicht ohne etwas Erfahrung wiederholen.

In dieser Meisterklasse kann man es jedoch deutlich sehen Knochenschnitzerei— Fotos des Prozesses zeigen die Grundprinzipien der Materialbearbeitung. Sie sollten von unerfahrenen Handwerkern geübt werden und ihre Fähigkeiten verfeinern, bevor sie auch nur die scheinbar einfachste Arbeit in Angriff nehmen.

Achten Sie auf die Ausstattung des Arbeitsplatzes – installieren Sie neben dem Tisch, auf dem Sie das Produkt sägen und zerkleinern, eine gute Haube, um den Arbeitsstaub zu entfernen. Alle Werkzeuge müssen griffbereit und so positioniert sein, dass sie die Bewegung während der Arbeit nicht behindern.

Als Basis benötigen Sie ein etwa ein Kilogramm schweres Stück Mammutstoßzahn.

• Hacken Sie mit Meißel und Hammer die Teile ab, die durch Risse vom Werkstückkörper getrennt sind.

• Verwenden Sie im Anfangsstadium die groben Fräsdüsen der Bohrmaschine.

• Entfernen Sie überschüssiges Material vom Werkstück und geben Sie ihm die Hauptentlastung.

• Verwenden Sie die reduzierte Knospenspitze, um raue Stellen zu glätten.

• Schleifen Sie das Werkstück ab, um die Oberfläche zu glätten.

• Schneiden Sie die Basis der Figur mit einer speziellen Maschine ab. Dieser Vorgang kann auch mit Schleifpapier durchgeführt werden.

• Zeichnen Sie ausgehend vom Kopf die Teile des Produkts mit einem einfachen Bleistift.

• Als nächstes sollte das Schnitzen des Knochens mit einer dünnen, scharfen Düse erfolgen – dabei werden die Hauptlinien des Gesichts bearbeitet.

• Verwenden Sie abgerundete Spitzen, um glatte Oberflächenstrukturen zu schneiden.

• Sie sollten am Ende etwas Ähnliches haben.

• Betonen Sie die Hauptlinien mit der dünnsten Düse.

• Erarbeiten Sie die Details.

• Bereiten Sie die Augen und Knöpfe vor und setzen Sie sie ein. Verwenden Sie beispielsweise teure Holzarten passend zum Hauptmaterial – Mammutknochen.

• Verwenden Sie zum Schleifen der Oberfläche Gummipads. Denken Sie daran, dass Sie mit einem solchen Aufsatz nur bei niedrigen Geschwindigkeiten arbeiten können, sonst „verbrennen“ Sie den Knochen.

• Polieren Sie die Figur mit einer Spezialmaschine oder manuell.

Ihr Produkt ist fertig! Beschichten Sie das Werk mit einem Versiegelungslack, um ihm Glanz zu verleihen. Wenn Sie sich noch nicht für die Wahl Ihres Hobbys entschieden haben, denken Sie darüber nach – vielleicht passt eine so interessante und originelle Aktivität wie das Knochenschnitzen zu Ihnen.

Schauen Sie sich abschließend das Video an, das detailliert den Herstellungsprozess einer wunderschönen Knochenblume zeigt.

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Die Zeiten, in denen wir unsere Innenräume mit gestempelten, gesichtslosen Produkten dekorierten, sind vorbei. Heutzutage möchte jeder mindestens ein einzigartiges Ding haben, das Originalität und Raffinesse verleiht. Knochenschnitzen ist eine Kunstform, die wirklich erstaunliche Dinge schafft, die durch ihr Aussehen buchstäblich faszinieren. Sie scheinen Ihre Aufmerksamkeit zu erregen und zwingen Sie dazu, immer wieder auf die Eleganz der Linien zu blicken, das Ornament zu untersuchen und immer mehr interessante Striche zu entdecken.

Das Knochenschnitzen wird von sehr talentierten, hochspirituellen Menschen durchgeführt, die in der Lage sind, dieses scheinbar unansehnliche, wenn auch sehr teure Material wiederzubeleben. Die geschickten Hände eines Meisters verwandeln Knochen in feinste Spitze, in ein einzigartiges Ornament, bei dem ein Element ein anderes ergänzt, bei dem das Ende einer Linie eine Fortsetzung einer anderen ist und letztendlich das gesamte Produkt eine grundlegende Vollständigkeit darstellt.

Wahrscheinlich lässt sich diese hohe emotionale Wirkung dadurch erklären, dass das Knochenschnitzen eine sehr alte Kunst ist. Es hat einen langen Entwicklungsweg zurückgelegt: von den einfachsten Dekorationen und Haushaltsgegenständen bis hin zu Produkten, die einzigartig in Schönheit und Feinheit sind und den Innenraum schmücken. Das Talent und die Arbeit einiger Generationen wurden durch die Arbeit und das Talent anderer vervielfacht, die Errungenschaften namenloser Schöpfer fanden würdige Nachfolger in der Person von Meistern, deren Namen in der Geschichte blieben. Die seit langem etablierten Techniken zur Knochenbearbeitung ändern sich bis heute nicht.

Es gibt verschiedene Arten der Knochenschnitzerei:

• glatt
• geprägt
• Ende zu Ende

Glattes Schnitzen ist einfacher herzustellen und wird zur Herstellung verschiedener Amulette, kleiner Tier- und Menschenfiguren verwendet. Der Meister erstellt anhand eines vorab aufgetragenen Musters Aussparungen, die anschließend für mehr Ausdruckskraft mit Farbe hervorgehoben werden. Beim volumetrischen Schnitzen werden komplexere, dreidimensionale Produkte geschaffen, die ganze Skulpturengruppen bilden. Und schließlich wird zur Herstellung der einzigartigsten und am schwierigsten zu bearbeitenden durchbrochenen Kisten und Schatullen die Technik des Durchschneidens oder des sogenannten Knochenschnitzens in die Öffnung verwendet.

Knochenschnitzerei der Völker des Nordens

Das Knochenschnitzen der Völker des Nordens ist eines der alten Volkshandwerke. Die Bewohner von Tschukotka verwendeten für ihre Arbeit das am besten zugängliche Material – Walrossstoßzähne. Die Produkte der Tschukotka-Handwerker zeichnen sich durch Einfachheit und Prägnanz mit einem Minimum an Details aus. Meist handelt es sich dabei um zahlreiche Amulette und Alltagsgegenstände: diverse Spitzen, Messer, Harpunen. Interessant ist auch ihre Kunst des Gravierens – auf den Reißzähnen entstehen ganze Geschichten in Bildern.

Jakutische Schnitzer schaffen ihre Werke aus durchbrochenen Schnitzereien und mit geometrischen Mustern. Die bildhauerische Richtung ist hochentwickelt und zeichnet sich durch eine sorgfältige Ausarbeitung der Details und der Konstruktion je nach Modelltyp aus.

Tobolsker Handwerker stellen Miniaturen aus Walrossstoßzähnen und Pottwalzähnen her, die vom Leben und Alltag der Völker des Nordens erzählen. Zu ihren Produkten gehören Damenschmuck, Papierschneidemesser und verschiedene Schlüsselanhänger.

Die Knochenschnitzerei aus Kholmogory ist eines der ersten russischen Kunsthandwerke. Das Archangelsk-Territorium mit seiner rauen und wunderschönen Natur inspirierte seine talentierten Bewohner. Die Produkte dieser Meister zeichnen sich durch ihre einzigartige Feinheit und die Verzierung zahlreicher Ornamente aus. Schatullen und Schatullen mit traditionellem Walmdeckel, Damenschmuck, Tassen und sogar Ikonen – alles ist mit floralen Mustern und üppigen Locken verziert, die an frostige Muster erinnern.

Khotkovo-Schnitzerei

Die Knochenschnitzerei in Chotkowskaja führt die besten Traditionen russischer Meister fort. Die in der Region Moskau gelegene Stadt Chotkow war Namensgeber einer ganzen Bewegung der Schnitzkunst. Im Gegensatz zu Kholmogory ist der Stil der Khotkov-Schnitzer lakonischer und basiert auf bestimmten Formen der lebendigen Natur. Die Hauptprodukte sind Schatullen und Damenschmuck. Charakteristische Kombination in Produkten Verschiedene Materialien– Knochen, Perlmutt, Horn, Hartholz.

Eigenschaften des Materials zum Knochenschnitzen

Sicht Endprodukte hängt weitgehend vom Material ab, aus dem sie hergestellt wurden. Die Knochen aller Tierarten werden vorbehandelt, entfettet, gebleicht und in Stücke der gewünschten Größe geschnitten. Die Kenntnis der Merkmale ihrer Struktur ermöglicht es dem Meister, sie mit größtmöglichem Nutzen in seinem Produkt einzusetzen.

ermöglicht Ihnen eine unbegrenzte Anzahl an Produktoptionen. Mammutknochen sind weicher als Walrossknochen, leichter zu verarbeiten und ermöglichen die Anwendung verschiedener Techniken, auch durch Schnitzen. Aus seinem Stoßzahn kann man eine ziemlich große Skulptur machen. Darüber hinaus können Mammutknochen aufgrund ihrer Lage im Permafrost in verschiedenen dunklen Farben bemalt werden, was von Handwerkern erfolgreich zu dekorativen Zwecken eingesetzt wird.

steht der Verarbeitung von Mammutknochen in nichts nach. Bei der Herstellung von Produkten aus Elfenbein können Sie auch durchbrochene Ornamente und Reliefschnitzereien verwenden, obwohl sein Weiß eine klare Ausarbeitung der Relieflinien erfordert, um den besten Kontrast von Licht und Schatten zu erzielen. Elfenbein schränkt die Form der Produkte nicht ein, sodass Sie elegante Figuren in angemessener Größe erhalten.

Moderne Meister der Knochenschnitzerei stellen ihre Produkte in den besten Traditionen dieser Kunst her. Auch heute noch begeistern Figuren und Schatullen durch ihre Schönheit und Ausdruckskraft und haben einen hohen künstlerischen und materiellen Wert.

Das Knochenschnitzen in Kholmogory existiert seit fast vierhundert Jahren. Diese Kunst wurde von Meistern aus der Stadt Kholmogory, die in der Nähe von Archangelsk liegt, und den umliegenden Dörfern praktiziert.

Ihre Arbeit zeichnete sich durch hohe Handwerkskunst und raffinierte Technik aus.

Die besten Schnitzmeister wurden für die Arbeit in der Waffenkammer rekrutiert, die Arbeiten für den königlichen Hof ausführte.

Schnitzmeister verwendeten für ihre Arbeit Walross- und Mammutelfenbein sowie Tarsus und stellten daraus sowohl Luxusartikel als auch Alltagsgegenstände her. Zu den Kunden der Kholmogory-Handwerker gehörten nicht nur der königliche Hof, sondern auch Klöster und Kirchen.

Die ersten Archivinformationen stammen aus dem 17. Jahrhundert. „Kurtseva (Kholmogorsky Posad) 1622-1626“. Unter anderen Berufen der Bewohner werden „Rosenkranzspieler“ aufgeführt: Isachko Trofimov, Sohn von Solomatov, „Rosenkranzspieler“ von Molodey, Selivanko Ivanov, Sohn von Vydrin, Rosenkranzspieler, Molodechey usw. Informationen über die Sheshinins Evdokim, Semyon, Ivan, Semyon und Vasily stammen aus dem 17. Jahrhundert. Sie alle wurden von Kholmogory nach Moskau gebracht, um in der Waffenkammer zu arbeiten.

Sarg Ein unbekannter Schnitzer aus der Familie Sheshenin (?). Moskau. Waffenkammer (?) Mammutstoßzahn aus dem späten 17. Jahrhundert. Durchbrochene Reliefschnitzerei 8x 12,5x8,4. Der Sarg des Staatlichen Historischen Museums besteht aus bis zu 0,5 cm dicken Knochentafeln, die mit geschnitzten üppigen Trieben und gekrönten Löwen verziert sind. Auf dem Deckel befindet sich ein Doppeladler. Das Ornament ist mit leichten Reliefdetails versehen. Die Seitenrippen sind wie gedrehte Säulen gestaltet. Geschweifte Metallscharniere und der Schließzylinder dienen als zusätzliche dekorative Elemente!

Das 18. Jahrhundert war eine Zeit der aktiven Entwicklung der Fischerei. Der Bau der neuen Hauptstadt Russlands, St. Petersburg, ging mit Aufträgen zur Herstellung edler, eleganter Gegenstände für den kaiserlichen Hof einher

Die Knochenschnitzerei in Kholmogory erlebte ihre größte Blüte während der Herrschaft von Peter dem Großen. Zu dieser Zeit führten die Meister eine Serie durch einzigartige Werke, die als Beispiele für künstlerische Gestaltung und technische Leistung für moderne Knochenschnitzer dienen. Peter I., der die Knochenschnitzerei in Kholmogory kennengelernt hatte, förderte die Handwerker und versorgte sie mit Beispielen westlicher Knochenschnitzkunst. Mit der Welle ausländischer Einflüsse kommt auch die Mode für Knochenprodukte. Sie verbreiteten sich im höchsten Adel. Knochengegenstände wurden als unvergessliche Geschenke an sehr wichtige Menschen verschenkt. Es ist zu beachten, dass Knochenprodukte ständig im königlichen Gebrauch waren. Nach dem Tod von Katharina der Ersten wurde in den Protokollen des Obersten Geheimen Rates festgehalten, dass die persönlichen Gegenstände der Kaiserin in zwei Kholmogory-Särgen aufbewahrt wurden. Es ist nicht weniger merkwürdig, dass sich in Catherines Privaträumen zwei geschnitzte Knochenbilder in einem Goldrahmen sowie zwei Knochenbilder in einem Silberrahmen befinden. Dies deutet auf ein anhaltendes Interesse an Produkten aus geschnitztem Knochen hin – Schatullen, Kämme, Ikonen und andere Objekte.

Schnitzer Shubny Yakov Ivanovich Dekorativer Teller „Genealogie“ Kholmogory. 1774. Walross-Elfenbein, Holz, Stoff Durchbrochen, Reliefschnitzerei, Farbgravur, Polsterung 39x41,0x3,5. Staatliches Historisches Museum Auf der dekorativen Tafel „Genealogie“ sind 61 Porträts abgebildet. Der Rahmen trägt unten die Signatur des Schnitzers, was außergewöhnlich ist. Bilder von militärischen Attributen und Segelschiffe erinnert an den jüngsten Sieg der russischen Flotte bei Tschesma im Jahr 1770.

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Porträt der Kaiserin Katharina II. Provinz Archangelsk. 1760er Jahre Mammutstoßzahn, Holz, Leder, Metall Durchbrochene Arbeit, Reliefschnitzerei, Gravur Rahmen: 18,2 x 17,7 Platte: 15,7 x 15 x 0,5. Staatliches Historisches Museum Um dem kleinen Porträt von Kaiserin Katharina II. Feierlichkeit zu verleihen, platzierte der Schnitzer es in einem prächtigen Rahmen aus den üblichen Kholmogory-„Muschel“-Locken.

Knochenbecher mit Deckel Pokal mit Porträt der Kaiserin Elisabeth St. Petersburg (?). 1759-1760 Mammutstoßzahn Drehen, Reliefschnitzen, Gravieren Höhe 29,5; Bodendurchmesser 9,5 Werkstatt von Dudin Osip Christoforowitsch Tasse mit Porträts von Großfürst Pawel Petrowitsch, Großfürstin Maria Fjodorowna und Kaiserin Katharina II. St. Petersburg. 1776 (?) Mammutstoßzahn Gedreht, durchbrochen, plastisch, Reliefschnitzerei, Bemalung Höhe 32; Bodendurchmesser 9,6 GIM Seit der Mitte des 18. Jahrhunderts wurden Knochenkelche mit Deckel speziell für Opfergaben (Geschenke) gedrechselt; sie waren mit geschnitzten Porträts und dem Staatswappen geschmückt. Die volumetrische Schnitzerei der Beine verleiht jedem Artikel Einzigartigkeit.

Sattel. 18. Jahrhundert. Holz, Leder, Knochen, Schnitzerei, Malerei.

Der große russische Bildhauer Fedot Shubin begann als Knochen- und Perlmuttschnitzer. Als junger Mann trat er in eine Knochenschnitzwerkstatt ein und reiste dann, dem Beispiel seines Landsmanns folgend, 1759 mit einem Fischzug von Kholmogory nach St. Petersburg. Lomonossow gelang es, den Präsidenten der Akademie der Künste für das Talent des jungen Mannes zu interessieren, und Fedot wurde zum Studium der Bildhauerei angenommen. Shubin setzte sein Studium in Italien und Frankreich fort und wurde zum Ehrenmitglied der Bologna Academy of Arts gewählt.

Nach seiner Rückkehr in seine Heimat erlangte Fedot Shubin gesamtrussischen Ruhm.
Doch im Laufe der Jahre ließ das Interesse allmählich nach und der Meister rutschte in die Armut ab, ohne mit der Arbeit aufzuhören. Wiederholte Bitten um Hilfe an den König blieben ungehört, und erst vor seinem Tod schenkte Paul ihm einen Ring und die Akademie hatte keine andere Wahl, als Aufmerksamkeit zu zeigen. Er erhielt eine Professur und eine Wohnung mit Brennholz, doch sein Gesundheitszustand war beeinträchtigt und er starb.

F. Shubin. Porträt von Katharina II. 1780er Jahre. Knochen. Kholmogory. GE.

Eine bestimmte Etappe in der Entwicklung der Knochenschnitzkunst, die von Shubin begonnen wurde, wurde von Osip Dudin, einem gebildeten Mann und Liebhaber von Büchern, vollendet. .

Sankt Petersburg. Meister Osip Dudin
Um 1777
Baum; Knochen, Folie; Relief- und durchbrochene Schnitzerei, Gravur. 94x86,4x39
Privatsammlung

Sankt Petersburg. Kholmogory-Meister.
Mitte 18. Jahrhundert
Holz, Walross-Elfenbein, Folie; Schnitzen, Malen
167x80x36
Staatliche Eremitage

Am teuersten war die Herstellung von Möbeln, bei denen der Holzrahmen mit Knochenplatten ausgekleidet war, die mit feinsten Schnitzereien verziert waren.

Für den Erben des königlichen Throns, Großfürst Pawel Petrowitsch, wurden bei Dudin mehr als einmal geschnitzte Knochenschachspiele gekauft.
In reich verzierten Schatullen wurden Augen- und Blumenmuster mit einem Ritzmuster kombiniert, dessen Gestaltung sowohl Blumenmotive als auch Varianten üppiger Locken umfasste, die in Kholmogory-Schnitzereien ihrer offiziellen Barock- und Rokoko-Stile Eingang fanden

Er wurde durch einen anderen Meister der Knochenschnitzerei, Nikolai Stepanowitsch Wereschtschagin, ersetzt. Die Blütezeit seines Schaffens kam zwischen 1790 und 1810. Er stammte ebenfalls aus dem Bezirk Kholmogory, wuchs in der Familie eines Soldaten auf, lernte das Schnitzen und wurde bald berühmt. Ebenso wie Dudin verband Wereschtschagin in seinem Werk die Traditionen der nordrussischen Knochenschnitzkunst mit Elementen des frühen Klassizismus, was auf ausreichende Gelehrsamkeit und Gelehrsamkeit hinweist. Die Kultur des Künstlers, seine Kontakte zu St. Petersburger Kunden und dem Hof. Viele Werke des Knochenschnitzers kamen im Winterpalast an und wurden zur Lagerung in die kaiserliche Eremitage geschickt. Mehrere dekorative Vasen sind erhalten, geschnitzt und durchgehend mit feinen Schnitzereien und Reliefs verziert. Eine dieser Vasen wurde Catherine P. geschenkt.

Werkstatt Wereschtschagin Vase „Jahreszeiten“

Archangelsk, 1790er Jahre. Elfenbein (?), Holz, Seide

Drechselarbeiten, durchbrochene, geprägte Schnitzerei

In die Medaillons der Vase sind Bilder der Jahreszeiten eingraviert, zwischen denen aus Blumengirlanden die Buchstaben „B“, „L“, „O“ und „3“ (Frühling, Sommer, Herbst, Winter) eingezeichnet sind.

Das gesamte Volumen ist in mehrere Ziergürtel unterteilt, die die Vase bilden. Die durchdachte Form und das Dekor sowie die Reinheit der Ausführung zeugen von der hohen Professionalität des Dekorationskünstlers, der im Stil des frühen Klassizismus arbeitete. An der Herstellung waren offenbar Schnitzer aus der Archangelsker Werkstatt von Prokopi Stepanowitsch Wereschtschagin, einem Namensvetter oder wahrscheinlich Verwandten von Nikolai Stepanowitsch Wereschtschagin, beteiligt.

In das durchbrochene Ornament werden nach und nach Motivbilder in Relieftechnik eingebracht. Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts gesellten sich zu den traditionellen Schatullen und Kästen auch Miniatursekretäre und Kommoden, Kommoden und Toilettenkästen, Schnupftabakdosen und Kämme hinzu. Für Glanz und Helligkeit ist der Hintergrund des durchbrochenen Ornaments Folie oder Seide.

Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts war die Schnitzerei in Kholmogory durch die Mechanik des Durchschnitzens gekennzeichnet. Das von Michail Bobretsow zubereitete Gericht, das Großfürst Wladimir Alexandrowitsch bei seinem Besuch in Kholmogory im Jahr 1885 überreicht wurde, wurde mit dieser Technik zubereitet. Das Gericht befindet sich in der Ausstellungshalle des Lomonossow-Museums. (Leider konnte ich kein Foto von diesem Gericht finden)

Schnitzer Bobretsov Michail Nikititsch Ikone „Kreuzigung mit den Anwesenden“ Provinz Archangelsk Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts Walrossstoßzahn, Knochen, Holz, Stoff, Papier Relief, durchbrochene Schnitzerei, Gravur 35,2 x 30 x 2,5. Staatliches Historisches Museum

Gemälde „Abschied von Kaiser Alexander 1“ Provinz Archangelsk Zweites Viertel des 19. Jahrhunderts Walrossstoßzahn, Holz, Folie, Stoff, Papier Relief, durchbrochen, Drehschnitzerei, Gravur, Malerei, Beklebung, Polsterung 36 x 54,5 x 3,5. Gemälde des Staatlichen Historischen Museums „Abschied von Kaiser Alexander 1“ in der Technik des angewandten Reliefs. Hergestellt nach einem Stich von A. Afanasyev, der kurz nach dem unerwarteten Tod von Alexander 1 im Jahr 1825 erschien.

Skulptur „Peter 1 – der Eroberer der Schweden“ St. Petersburg (?). 1780-1790er Jahre Mammutstoßzahn, Ebenholz, Holz, Stoff Volumetrisch, Relief, Drehschnitzerei, Gravur, Kleben 23x19x12. Das Staatliche Historische Museum zeigt Peter 1 auf dem Schlachtfeld von Poltawa. In der Widmungsinschrift wird er „Vater des Vaterlandes“ genannt. Der Schnitzer schuf seine Komposition unter dem Einfluss des Denkmals für E. M. Falcone (1782) nach dem Stich von Daniil Golyakhovsky (1709): Er platzierte das Bild des Hintergrunds unten auf dem Ständer.

Ikone „Auferstehung und 12 Feiertage“ Provinz Archangelsk Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts Mammutstoßzahn, Ebenholz, Holz Durchbrochen, Reliefschnitzerei, Polsterung 55x45. Staatliches Historisches Museum

Box für Handarbeiten St. Petersburg (?). Walrossstoßzahn aus dem späten 18. Jahrhundert, Holz, Stoff, Folie, Metall. Gedreht, durchbrochen, Reliefschnitzerei 19x31x25. GIM Die Box für Handarbeiten verfügt über mehrere Fächer zur Aufbewahrung von Fingerhüten, Scheren- und Nadeletuis sowie Knochenspulen. Solche Boxen waren für einen engen Kreis großstädtischer Kenner gedacht und zeichneten sich durch ihre stilistische Reinheit aus
Ausführung

Tintengerät mit Monogrammen „MZ“ „YZ“ St. Petersburg Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Walrossstoßzahn, Holz, Folie, Papier. Drehen, durchbrochen, volumetrisches Schnitzen, Polstern, Biegen, Kleben 7,5x29x15,8. GIM Bone wurde selten zur Herstellung von Tintenzubehör verwendet, daher ist ein maßgeschneidertes Tintenset, bestehend aus Ständern für Glasflaschen mit Tinte und Sand sowie einer Stiftbox, auf seine Art einzigartig. Es zeichnet sich durch die Reinheit der Ornamentik und die hohe Kunstfertigkeit der durchbrochenen Schnitzerei aus.

Kette des Ordens des Heiligen Andreas des Erstberufenen. Archangelsk (?). 1819 (?) Walrossstoßzahn Durchbrochen gearbeitet, Reliefschnitzerei, Gravur. Gesamtlänge 88 Glieder: 7 x 4,5 und 10 x 6,5. Staatliches Historisches Museum
Die Kette des Ordens des Heiligen Andreas des Erstberufenen besteht aus 21 durchbrochenen Medaillons. Diese geschnitzten Medaillons reproduzieren exakt die Glieder einer ähnlichen Ordenskette aus Edelmetallen und Steinen.

Wie die meisten Gewerbe und Handwerke erlebte auch die Knochenschnitzerei in Kholmogory Ende des 19. Jahrhunderts eine Krise. Der Handwerkskurs zur Ausbildung von Meistern bringt keine Ergebnisse. Es wird geschlossen. Es gibt noch drei Handwerker, die die Traditionen des Handwerks bewahren.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es die Kunst praktisch nicht mehr, nur noch wenige Meister beschäftigten sich weiterhin mit Kreativität.
Perepelkin Maxim Iwanowitsch, geboren 1860. Von 1885 bis 1900 arbeitete er als Leiter der Knochenschnitzklasse an der Lomonossow-Schule. Er war ein ausgezeichneter Handwerker und beherrschte die Schnitztechniken fließend. Bei ihm studierten Guryev, Petrovsky und Uzikov, deren Namen mit der Wiederbelebung des Handwerks in den 30er Jahren des 20. Jahrhunderts verbunden sind. Zu dieser Zeit konzentrierten sich die Handwerker auf gewöhnliche Haushaltsgegenstände.

Die Wiederbelebung des Handwerks begann Ende der zwanziger und Anfang der dreißiger Jahre des letzten Jahrhunderts; eine neue Berufsschule wurde eröffnet, in der junge Schnitzer ausgebildet wurden.

Als 1921 in Archangelsk Kurse für Knochenschnitzer organisiert wurden, geriet die alte Kholmogory-Handwerkskunst fast in Vergessenheit.

1929 wurde in Kholmogory ein Ausbildungszentrum für Knochenschnitzkunst eröffnet, ein Jahr später wurde es in eine Kunstschule umgewandelt. Ihre ersten Schüler gründeten 1933 im Dorf Lomonosovo ein Artel, das zur Grundlage der zukünftigen Knochenschnitzerei wurde, die nach M.V. benannt wurde. Lomonossow.

Schnitzerin Sharypina Ustinya Semenovna (geb. 1918) Fotorahmen „Tierwelt“ Walrossstoßzahn Durchbrochene Schnitzerei im Lomonossow-Museum

Schnitzerin Maria Petrovna Sinkova (geb. 1920) Tasse "Nord" Mammutknochen

Carver Tyshova A.N. Fotorahmen „Trip“ Mammutknochen

Unter unseren Zeitgenossen sind die bekanntesten Namen N.D. Butorin, V.A. Prosvirnin, V.T. Vatlin. Die Werke dieser Meister werden in der Ausstellung „Kholmogory Carved Bone“ in der Ausstellungshalle des Historischen und Gedenkmuseums von M.V. ausgestellt. Lomonossow. Die Sammlung umfasst mehr als 500 Exponate. Knochenschnitzer greifen nachdenklich und gefühlvoll die reichen historischen Traditionen des Schnitzens und Gravierens auf und meistern auf kreative Weise nicht nur die technische Seite des Erbes. Nur auf diesem Weg war es möglich, die Knochengravur zu entwickeln. Beispiele für diese neue Richtung, die vor allem mit dem Namen N.D. verbunden sind. Butorina werden in der Ausstellung präsentiert.

Butorin Nikolai Dmitrievich (geb. 1934), Verdienter Künstler der Russischen Föderation. Vase „Ballade des Nordens“

Tasse „Waldmotive“. 1977 Mammutstoßzahn Durchbrochene, erhabene, dreidimensionale Schnitzerei

Shtang Anatoly Egorovich (1915-1983) Tischdekoration „Nördliche Motive“. Walrossstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei

Butorin Nikolai Dmitrievich (geb. 1934), Verdienter Künstler der Russischen Föderation

Vase „Ozean“. 1983 Mammutstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei

Shtang Petr Petrowitsch (geb. 1922)

Schatulle „Sohn von Pomor“. 1987 Knochen durchbrochen, Relief, dreidimensionale Schnitzerei, Tönung im Lomonossow-Museum
Der Sarg wiederholt die Pyramidenform des Holzdenkmals für M. W. Lomonossow, das im 19. Jahrhundert auf Kurostrow errichtet wurde. Auf dem Deckel der Schatulle befindet sich die Figur eines jungen Mannes, der mit einem Buch sitzt, an den Hängen Reliefbilder nördlicher Landschaften und Ansichten von St. Petersburg, wo der herausragende Wissenschaftler arbeitete und lebte

Rezchik Lavrentiev Nikolay Nikolaevich (geb. 1962)

Schatulle „Peter 1“. 1981

Durchbrochener Knochen, Reliefschnitzerei, Farbgravur, Tönung

Der Bau ist mit dem Namen Peter 1 verbunden Segelflotte auf der Vavchuga-Werft, am rechten Ufer der Dwina, gegenüber von Kurostrov. Daher stehen auf Kholmogory-Schatullen und -Bechern immer Porträts von Peter I. neben Bildern von Schiffen.

Shubny S.A. (geb. 1970)

Vase „300 Jahre St. Petersburg“. 2003

I. V. Chabarow

Kasten

Novoselova Alla Yurievna (geb. 1956)

Tasse „Peters Flotte“. 2003

Gurjew Alexander Stepanowitsch (1929-1990)

Rübenkasten. 1978

Durchbrochene Schnitzerei aus Knochen

Vase „Curl“. 1980

Durchbrochene Knochenschnitzerei im Lomonossow-Museum

Halskette-Perlen „Caprice“. 1996 Mammutstoßzahn Durchbrochene Schnitzerei Osipov Gennady Fedorovich (geb. 1945), Verdienter Künstler der Russischen Föderation

Gagarichev Yuri Veniaminovich (geb. 1969)
Haarschmuck „Rosen“. 2002 Durchbrochener Knochen, Reliefschnitzerei

Guryeva E.L. Broschen „Blumen“

Butorin Mikhail Nikolaevich (geb. 1969) Toilettenbox „Tulpen“. 1996 Pottwalzahn. durchbrochene Schnitzerei

Osipov Gennady Fedorovich (geb. 1945), Verdienter Künstler der Russischen Föderation
Schatulle „Frühlingslied“. 1989 Knochen. Durchbrochene Arbeit, Reliefschnitzerei, Tönung. Lomonossow-Museum

Osipov Gennady Fedorovich (geb. 1945), Verdienter Künstler der Russischen Föderation
Rübenkasten. 1995 Mammutstoßzahn. durchbrochene Schnitzerei

Box „Vogel“. 1995 Mammutstoßzahn Durchbrochene, erhabene, dreidimensionale Schnitzerei

Toilettenbox „Vögel“. 2001 Knochen, Walrossstoßzahn. durchbrochene Schnitzerei

Messer „Fantasy“. 2003 Knochen. Durchbrochene Reliefschnitzerei

Norkin Valery Vladimirovich (geb. 1975)
Messer zum Schneiden von Papier. 2002 Durchbrochener Knochen, Reliefschnitzerei

Bühne „Allerheiligen“ Mammutstoßzahn Durchbrochene, erhabene, dreidimensionale Schnitzerei

Myrrhe-Träger „Helfen Sie dem russischen Land.“ 1992 Mammutstoßzahn Durchbrochene, erhabene, dreidimensionale Schnitzerei

Tasse „Weliki Nowgorod“. 1984 Mammutstoßzahn. Durchbrochene Reliefschnitzerei

Zachinyaev Nikolay Ivanovich

Ikone „Unsere Liebe Frau von Kasan“. 1996 Mammutelfenbein, durchbrochener Knochen, Reliefschnitzerei John Wood Collection (USA)

Fedukhina Olga Valerievna (geb. 1966) Panagia. 2002 Mammutstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei

Baykova Alla Yurievna (geb. 1957)
Perlen und Ohrringe „Antik“. 1994 Durchbrochener Knochen, Reliefschnitzerei

Katarin Sergej Nikolajewitsch (geb. 1970)
Vase „Atem des Waldes“. 1991 Walrossstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei

Novoselov Andrey Valentinovich (geb. 1959)
Vase „Hirsch“. 1994 Knochen. durchbrochene Schnitzerei
Vase „Turm“. 1993 Knochen. durchbrochene Schnitzerei

Wassili Timofejewitsch Watlin (geb. 1956)
Brosche „Vogel“.
Kamm „Im Garten Eden“. 1986 Mammutstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei im Lomonossow-Museum
Kamm „Freude“. 1995 Mammutstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei im Lomonossow-Museum
Kamm „Lacy“. 1996 Mammutstoßzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei im Lomonossow-Museum

Vitaly Aleksandrovich Prosvirin (geb. 1929), Verdienter Künstler der Russischen Föderation

Vase „Eberesche“. 1982 Pottwalzahn Durchbrochene Reliefschnitzerei
Vase „Entenjäger“ 1987 Pottwalzahn Durchbrochene, erhabene, dreidimensionale Schnitzerei
Skulptur „Bärenjagd“

Maklakova Irina Iwanowna
Kasten „Die Blätter sind von den Pappeln weggeflogen.“ 1994 Pottwalzahn. Durchbrochene, volumetrische Schnitzerei
Box „Fantasien im Neujahrswald“. 1995 Pottwalzahn Durchbrochene, dreidimensionale Schnitzerei
Box „Ruhe während des Fluges“. 1995 Knochen, Walrossstoßzahn Durchbrochene, dreidimensionale Schnitzerei
Vase „Bäume schlafen“. 2002 Mammutstoßzahn, Knochen Durchbrochen, Relief, Schnitzerei

Galemsky Michail Alexandrowitsch (geb. 1959) Ohrringe. 1995

Malgin Alexander Anatoljewitsch (geb. 1979)
Vasen „Jagd“. 2002 Knochen, Holz Durchbrochene Reliefschnitzerei

Gurjew Alexej Alexandrowitsch (geb. 1962)
Tischdekoration „Eberjagd“ 2003 Pottwalzahn Durchbrochene, dreidimensionale Schnitzerei John Wood Collection (USA)

Das Thema der Jagd ist eines der beliebtesten in der zeitgenössischen Kholmogory-Kunst. Meister wenden sich sowohl lokalen künstlerischen Traditionen als auch europäischen Vorbildern zu.

Jurjew Alexander Gennadijewitsch (geb. 1970) Schach. 1994
Durchbrochener Knochen, Relief, volumetrisches Schnitzen, Tönung

Das letzte Jahrzehnt umfasst die größte Anzahl an Werken, die auf verschiedenen Ausstellungen in Russland und im Ausland ausgestellt wurden, was es ermöglicht, die Arbeit herausragender erfahrener Künstler und die unabhängigen Schritte junger Menschen, die gerade erst in die Kunst einsteigen, klar darzustellen.

Im Dorf Lomonosovo, in der Fabrik für künstlerische Knochenschnitzerei werden jetzt Massenartikel zum Verkauf und einzigartige Themenartikel hergestellt. Es werden traditionelle Materialien verwendet: Walross, Mammut und einfacher Rinderhaxenknochen. Eine neue Generation von Meistern wächst heran. Die Branche wird nie alt. Er ist jung, sowohl auf der Suche nach neuen Wegen in der Kunst als auch im ständigen Zustrom junger kreativer Kräfte.