Los artesanos, utilizando herramientas en miniatura y rebabas de diversas formas, crean magníficos "encajes de huesos" y superficies texturizadas. Shtikhel es una herramienta de corte, un cincel de acero, con la ayuda del cual los talladores crean figuras expresivas de animales, personas, grupos escultóricos, imágenes grabadas y en relieve en varios tipos de hueso.

Uno de los materiales más venerados entre los talladores es el marfil de mamut. Los mamuts se extinguieron hace unos 10 mil años, y es admirable darse cuenta de que en nuestro tiempo podemos tocar una historia milenaria, la época en que estos majestuosos animales caminaban por la tierra.

Se cree que en el norte de Rusia todavía se encuentran más de 500 mil toneladas de colmillos. Pero los colmillos intactos y bien conservados son una rareza, porque a menudo se desmoronan como la madera en bruto.

Los restos de mamuts se encuentran principalmente en lugares desiertos: en islas a las que sólo se puede llegar en helicóptero, en la tundra, donde el terreno desierto se extiende a lo largo de muchos kilómetros a la redonda. ¡El tamaño de un colmillo de mamut puede alcanzar hasta 2 metros de diámetro y su peso puede ser de 120 kg! De hecho, los colmillos de mamut son un material fósil único que no tiene análogos; es más fuerte que el marfil y la principal diferencia es que el hueso del colmillo de mamut tiene una variedad de colores. El hecho es que durante miles de años bajo tierra, los colmillos estuvieron sujetos a mineralización y con el tiempo adquirieron una amplia variedad de tonos, desde marrón y naranja hasta rosa y violeta. Debido a su espectro de color único, el hueso de marfil de mamut se ha utilizado desde la antigüedad para crear cajas, figuritas, peines, pulseras y otras joyas costosas; también se usó para decorar armas costosas.

Colmillo de morsa - muy hermoso material, que tiene una estructura heterogénea. El colmillo a menudo tiene grietas ocultas que aparecen mientras la morsa aún está viva. El color de la superficie es blanco puro o ligeramente amarillento. A veces se encuentran colmillos manchados que han permanecido en el suelo durante varias decenas o cientos de años, algunos de estos ejemplares tienen tintes de color marrón verdoso.

El hueso esquelético de ballena es un material inusual, que se distingue por su gran tamaño (por ejemplo, las costillas alcanzan los 2 metros) y su estructura porosa (especialmente las vértebras). En Chukotka solo se permite capturar una ballena por año, por lo que para poder utilizar sus huesos es necesario esperar más de un año, porque aún es necesario darle al esqueleto la oportunidad de secarse por completo y eliminar el exceso de humedad.

En Rusia, este tipo de arte está muy extendido principalmente en las regiones del norte: la región de Arkhangelsk (hueso tallado de Kholmogory), el Okrug autónomo de Yamalo-Nenets (hueso tallado de Yamal), la ciudad de Tobolsk (hueso tallado de Tobolsk), Yakutia y Chukotka (hueso tallado de Chukchi). hueso).

Ajedrez. Primera mitad del siglo XVIII

La talla de hueso de la lejana Yakutia es única y forma una vibrante escuela de arte local gracias a la influencia de los colonos rusos y las habilidades ya existentes de los Yakuts en el procesamiento de este noble material. El auge del arte de tallar huesos de los maestros de Nizhny Novgorod y San Petersburgo de los siglos XVIII y XIX duró poco. La habilidad de tallar huesos resultó ser extremadamente estable en la provincia de Arkhangelsk, en Kholmogory, su distrito y Arkhangelsk, así como en Yakutia. Fueron los talladores de huesos de Kholmogory y Yakut quienes nos dejaron una población rica. Ni Tobolsk ni Chukotka, centros bien conocidos del arte popular soviético de talla de huesos, se formaron como centros independientes de talla artística en los siglos XVIII y XIX. Muy pronto desarrollaron un interés por la escultura tridimensional, que se desarrolló durante la época soviética. Si bien se conoce hasta cierto punto la historia del surgimiento de la talla de hueso en Tobolsk a finales del siglo XIX, es extremadamente difícil juzgar las obras y su especificidad artística. Sólo unos pocos ejemplos de productos de Tobolsk han llegado a la edad desnuda. finales del XIX a principios del siglo XX.

Grupo escultórico de Alejandro Magno, segunda mitad del siglo XVIII.

jolmogory- una especie de progenitor del refinado arte del tallado, que en las capitales adquirió nuevas formas, podría decirse, académicas, y en el Lejano Oriente de Yakutia absorbió las características de la cultura local. Las características estilísticas de las obras, combinadas con hechos históricos, nos ayudarán a recrear el proceso comunitario de desarrollo de las diversas formas de arte de talla de huesos, que existió en Rusia durante siglos y continúa su desarrollo en la actualidad.
En la literatura especializada, la cuestión de la tecnología de producción de productos óseos tallados se aborda con bastante detalle. Los trabajos de A. Selivanov, G. Roganov, B. Zubakin y otros autores contienen datos sobre las propiedades del hueso, un material para la artesanía artística, sobre los principales métodos de preprocesamiento y destacan el proceso de tallado en sí.
S. Vanin y S. Vanina dan información interesante sobre la coloración del hueso en el libro "Técnicas de decoración artística de muebles", donde los autores se refieren al manuscrito de los siglos XVI-XVII "Sobre teñir una vasija", "Decreto sobre cómo al Ennegrecimiento de Tinta”, y finalmente al decreto “Sobre el ennegrecimiento de las cruces de austromerluza”.
Además, en la actualidad ha habido un mayor interés en el resurgimiento de la coloración clara del hueso o los diseños grabados.
El arte de tallar huesos entre los maestros rusos tiene las tradiciones más profundas. Los sitios arqueológicos supervivientes nos permiten imaginar cómo se desarrollaron gradualmente las habilidades para tallar huesos, cómo se formaron los patrones ornamentales (algunos de ellos, el "adorno del ojo", es decir, un círculo con un punto en el medio, se volvió tradicional hasta el siglo XIX). ), cómo se desarrollaron las formas tridimensionales y los motivos pictóricos del arte tallado, cómo alcanzaron el éxito en la escultura plástica a pequeña escala. No es casualidad que muchos extranjeros escribieran sobre el tallado en huesos, muy extendido en el estado de Moscú en los siglos XVI-XVII: S. Herberstenn, D. Fletcher y otros. Algunos de ellos, por ejemplo, un díptico que representa a Fyodor, Dimitri, Gregory y Andrei Stratelates, realizado por maestros de Solvychegodsk, aparentemente para los Stroganov, sorprenden por la filigrana del relieve y la naturaleza de múltiples figuras de la compleja composición. En este sentido, el díptico compite con las tallas de hueso realizadas por maestros de Moscú y del norte de Rusia del siglo XVI. A este período se puede atribuir un pequeño icono de hueso del siglo XVI de la colección del Hermitage estatal que representa las fiestas. Su estructura compositiva es claramente geométrica. Cada sello contiene microcomposiciones con inscripciones detalladas. Numerosas figuras están colocadas principalmente de frente, pero la capacidad de colocarlas en cada marca, la plasticidad del modelado, la proporcionalidad encontrada: todo habla de la hábil mano del tallador, que tal vez trabajó no solo en hueso, sino también en madera. . Es difícil equiparar este icono con obras anotadas con precisión, ya que sólo se conoce un pequeño número de ellas. Este icono es el más cercano a la talla de la Cruz de Cilicia del Monasterio Vologda Spaso-Prilutsky. Sin embargo, es más flexible en la interpretación. Una cosa es segura: sin la continuidad tradicional de la artesanía de la talla sería imposible crear una obra de este tipo.

Un alfiletero con forma de tren. Década de 1840

Los talladores de huesos del norte de Rusia han logrado un éxito significativo en este sentido.
En la literatura especializada se mencionan repetidamente los nombres de los talladores que figuraban en los documentos de la Cámara de la Armería, y sus obras fueron publicadas en el siglo pasado por A. Viktorov y A. Uspeshky. Se trataba de artistas insuperables de adornos de hierba tallada, en los que se tejían diversas imágenes de animales. El trono estaba completamente cubierto con placas de hueso en relieve, algunas de las cuales se perdieron con el tiempo.
Los Sheshsn volvieron a tallar varios relieves, restaurando el trono ceremonial y preservando sólo con esto la gloria del arte de los maestros del norte de Rusia del siglo XVII. Y la Cámara de la Armería puede ver expuesta esta obra única. Allí también se guarda un peine de hueso semicircular elaborado por uno de los Sheshenin. Un águila bicéfala, un unicornio, un león y patrones de hierba conforman el patrón tallado en relieve en el fondo de un extremo a otro. La forma de ejecución nos da libertad y dice mucho de la amplia experiencia del artista. Los documentos de archivo indican que el último de los talladores de esta familia, Vasily, todavía estaba trabajando en 1723. Por eso los nombres de Shesheniykh, Denis Zubkov, Ivan Katerinin y otros aparecen junto a los nombres de los maestros polacos y bielorrusos Kirill Tolkachev, Danila Kokotka, Ivan Drácula, Samoila Bogdanov, Ivan Nikitin y el “extranjero” Ivan Gan.
Por un lado, una escuela como la Armería de Moscú perfeccionó el arte de los talladores de huesos, llevándolos a la vanguardia de los artistas. Por otro lado, al regresar a su tierra natal, trajeron consigo vívidas impresiones, desarrollaron gustos artísticos, refinadas habilidades interpretativas y un estilo refinado. En suelo local, todo esto se vio nuevamente enriquecido por la brillante fuente del arte popular, y todo este proceso fue infinitamente largo. Pero fue precisamente este proceso el que contenía el poder del arte de los maestros del norte de Rusia. Por eso, desde principios del siglo XVIII, los talladores de huesos de Kholmogory se convirtieron en huéspedes habituales de la nueva capital, San Petersburgo.
Del siglo XVI se conserva un número ligeramente mayor de trabajos de talla de huesos. Peines, cofres, cajas, juegos de ajedrez y otros artículos domésticos de gran valor artístico componían el surtido de productos de hueso tallado. Por lo general, estaban decorados con ornamentaciones de punta a punta de exuberantes plantas con flores, en las que se tejían detalles calados, jarrones y, con menos frecuencia, figuras de personas. Su talla en relieve es a gran escala, cercana a la talla de madera estampada y, al mismo tiempo, sin duda, relacionada con la ornamentación de los tocados de libros realizados por grabados en madera rusos del siglo XVII.

Placa con un retrato de M. V. Lomonosov. Principios del siglo XIX

Como uno de los ejemplos característicos de este tipo productos artísticos Puede servir un ataúd-teremok de finales de los siglos XVII y XVIII de la colección del Museo de Etnografía de los Pueblos de la URSS. El maestro logró el exuberante patrón de hierbas debido a su jugosidad, la sensación viva de una planta llena de jugos y su poderosa vitalidad. En el centro de la tapa hay una torre con dos ventanas, en la que está sentada una princesa de cuento de hadas con una corona de tréboles en la cabeza, con un manto sobre un vestido largo y sobre sus rodillas una calavera. En el bisel, en el centro de la composición ornamental, se representa a un hombre con un caftán con volante y una peluca esponjosa, rodeado de rizos con cabezas de serpiente. Es difícil decir qué tipo de imágenes quería introducir el tallador de huesos en las tallas decorativas de la tapa. En la pared frontal del ataúd, entre el follaje que rodeaba los edificios puntiagudos, había dos figuras femeninas sentadas con el pelo suelto; este proceso fue infinitamente largo. Pero fue precisamente en este proceso donde residió la fuerza del arte de los maestros del norte de Rusia. Por eso, desde principios del siglo XV hasta el III, los talladores de huesos de Kholmogory se convirtieron en huéspedes habituales de la nueva capital, San Petersburgo.
Uno de los ejemplos característicos de este tipo de productos artísticos es el ataúd-teremok de finales de los siglos XVII y XVIII de la colección del Museo de Etnografía de los Pueblos de la URSS. El maestro logró el exuberante patrón de hierbas debido a su jugosidad, la sensación viva de una planta llena de jugos y su poderosa vitalidad. En el centro de la tapa hay una torre con dos ventanas, en la que está sentada una princesa de cuento de hadas con una corona de tréboles en la cabeza, con un manto sobre un vestido largo y sobre sus rodillas una calavera. En el bisel, en el centro de la composición ornamental, se representa a un hombre con un kafgan con volante y una peluca esponjosa, rodeado de rizos con cabezas de serpiente. Es difícil decir qué tipo de imágenes quería introducir el tallador de huesos en las tallas decorativas de la tapa. En la pared frontal del ataúd, entre el follaje que rodeaba los edificios puntiagudos, había dos figuras femeninas sentadas con el pelo suelto y vestidos largos. Una de ellas tiene sobre sus rodillas una vasija con forma de calavera. Estas imágenes pueden explicarse si recordamos la especial vitalidad de las imágenes antropomórficas en el arte popular oral de la población de Pomerania. Fue en el norte donde la creación de mitos conservó la imagen de una sirena, que en verano vive en el centeno y se llama mediodía, y en primavera, en el agua. Aparentemente, el cofre de hueso tallado resultó ser el objeto en el que la imaginación del maestro combinó audazmente las diversas pero significativas figuras de un caballero lleno de realidad con un traje europeo y una sirena tradicional de la mitología. Ella es el espíritu de la naturaleza, por eso fue muy natural introducirla en la exuberante hierba de adornos tallados. Aquí parecen fusionarse ideas sobre el poder de la naturaleza y su poderosa belleza. El maestro expresó su amor por los motivos decorativos, la fantasía y la realidad. Encarnó su plan en la armonía del patrón tallado, en su especial proporcionalidad, que puede compararse con una frase musical, un ritmo claro de sonidos que no puede ser perturbado, porque entonces se destruiría la unidad del plan del artista.
Otro ejemplo de magnífica talla en hueso realizada por maestros del norte de Rusia de principios del siglo XVIII es el ataúd-teremok de la colección del Hermitage.
El tallado que adorna la superficie está superpuesto a una lámina dorada, lo que crea una delicada armonía de colores con el cálido tono del hueso. El patrón tallado se distingue por la riqueza y exuberancia de la hierba extendida. En cada pared hay un centro compositivo: en las paredes de los extremos hay una roseta de una flor, de la cual dos pares de ramas de acanto con racimos de frutos divergen simétricamente en diferentes lados, en las paredes delantera y trasera hay un doble trébol de acanto con ramas con flores desplegadas que se extienden hacia los lados. El centro compositivo de la tapa es la imagen del Salvador Principal. En las obras de los pintores de iconos, ocupó un lugar honorable, se colocó en lugar del Densus o debajo de él en el panel del iconostasio. La opinión expresada por E. Smirnova de que esta imagen era especialmente venerada en la región norte, aparentemente es correcta. De lo contrario, ¿por qué se colocaría en un ataúd de hueso tan magníficamente tallado hecho por maestros de Kholmogory del norte de Rusia? Es interesante prestar atención a un detalle más: dos máscaras de monstruos ubicadas entre las ramas en los biseles de la tapa. Estas máscaras eran típicas del arte aplicado de los maestros de Europa occidental, especialmente alemanes. Se encuentran constantemente en armarios de madera, sillas, cajas y otros objetos del siglo XIII. Pero las mismas máscaras se pueden ver en la ornamentación de los tocados de los libros y en los grabados de la época de Pedro el Grande. En la talla de huesos se convirtieron en imágenes convencionales como las palmetas. La reinterpretación de motivos prestados condujo al enriquecimiento de composiciones recién creadas, que se interpretaron de acuerdo con las tradiciones locales. El maestro estaba claramente informado en materia de arte y reunió sus elementos en una obra artísticamente holística.

Podchasnik. Primera mitad del siglo XIX

En la práctica, hasta el día de hoy el papel del patrón ornamental es extremadamente importante: cada vez que el maestro se enfrenta a la tarea de tener en cuenta las peculiaridades del material, uniendo armoniosamente el patrón con la forma del objeto. La especificidad del ornamento y la convención, que no permite que sea una obra completa, independiente, aislada de la forma y finalidad del objeto. No importa en qué principios se base el diseño del adorno, siempre conserva el derecho a ser llamado un elemento decorativo en el plan general del maestro. Por tanto, el papel de la ornamentación herbaria en el arte del siglo XVII y principios del XVIII es tan importante y decisivo como lo son los óvulos, las perlas, los meandros y los brotes de acanto con rosetas, coronas y guirnaldas para el arte del primer cuarto del siglo XIX.
Los rasgos estilísticos de la época se expresaron plenamente en las tallas de hueso ornamentales y figurativas de los maestros del norte de Rusia, no sólo a finales de los siglos XVII y XVIII, sino también en las décadas posteriores.
Entonces, con la aparición del libro "Símbolos y emblemas" en la traducción rusa de 1705, una variedad de artesanos, incluidos los talladores de huesos, comenzaron a utilizarlo ampliamente. Los talladores de Kholmogory compraron más de una copia de este libro. Por ejemplo, en 1718, el huesero Andrei Protopopov compró simultáneamente siete copias de esta publicación ricamente ilustrada en Vegetal Row en Moscú. Por eso aparecieron imágenes en relieve y grabadas en productos óseos, variando la composición de los medallones redondos de la edición de Ámsterdam. Dos cuernos para pulverizar pólvora de la colección Hermitage son orientativos. Fueron diseñados exclusivamente con fines decorativos, en el espíritu de la época de Pedro el Grande. El frasco de pólvora de 1719 está decorado con un solo relieve con una composición bastante compleja de imágenes simbólicas, explicaciones y otras inscripciones. Por un lado, cupido le quita el corazón a la hidra de muchas cabezas, lo cual se explica así: “Nadie me lo quitará”; al otro lado, Cupido se cierne sobre un altar con cuatro corazones - “Uno me basta”, aquí está la fecha: “1719”. El borde lateral está decorado con una figura tridimensional de un león acostado y el extremo del cuerno tiene la forma de la cabeza de un monstruo. Los rizos frondosos del cartucho, las franjas de demarcación, las inscripciones y las figuras: todo está realizado en relieve, bastante bajo, moderadamente generalizado, en una palabra, como era habitual en el arte del primer cuarto del siglo XVIII. La lógica de construcción de una solución ornamental y decorativa, su total unidad con la forma del objeto, nos da derecho a considerar este objeto de pequeñas dimensiones como uno de los más típicos de su época. La tradición artesanal aquí es que el tallador de huesos calculó todo y correctamente, de acuerdo con el estilo artístico de la época, decidió la composición y sus imágenes individuales.

Mueble decorativo con clavicordios. 1830-1840

Igualmente precisa fue la colocación de la imagen grabada sobre otro frasco de pólvora del primer cuarto del siglo XVIII, con el monograma grabado del tallista "IH". Su forma es la misma: un cuerno ligeramente aplanado con figuras en relieve de un león y un dragón a lo largo del borde superior y la cabeza de un monstruo en el extremo puntiagudo. En los laterales hay escenas de la batalla de Sansón contra los filisteos. El evento presentado es confirmado por el texto correspondiente en la parte superior de la composición. Cabe destacar la técnica que utilizó el maestro para representar al ejército enemigo: numerosos picos que sobresalen con sus puntas hacia arriba, creando una densa multitud, mientras que hay muy pocas figuras de guerreros. Samsoy camina a lo largo de los pies de los derrotados (hay varios en ambos lados) con una espada levantada militantemente en su mano derecha. En el otro lado del cuerno hay una figura de un hombre que lleva una cesta con una pesada carga al hombro. A lo lejos se representa un pueblo de varias casas; la vegetación está representada por ramas y arbustos triples y muy elegantes, característicos de los cortadores de huesos de Kholmogory. La convencionalidad de la imagen y el énfasis en el personaje principal siempre han sido una característica específica. creatividad artística Maestros del norte de Rusia. La línea del dibujo ha sido borrada con pintura oscura. Esto crea la ilusión de una imagen grabada, sobre todo porque el fondo del hueso es claro, como el fondo del papel en el que se estampó el grabado. El maestro utilizó descaradamente la hoja impresa grabada como original para su composición sobre hueso. Los relieves en forma de figuras tridimensionales de animales se conservan únicamente para decorar las costillas y la punta del cuerno. Las obras de este tipo se remontan a la época de mayor entusiasmo por el grabado, que se produjo a principios del siglo XVII. Es indicativo a este respecto un grupo de frascos de pólvora tallados en hueso de la colección del Hermitage estatal y del Museo Histórico Estatal, fabricados en la primera década del siglo XVIII. Están unidos por un diseño común con las obligatorias figuras tridimensionales de animales en el borde, así como por un tallado idéntico en la punta en forma de cabeza de un monstruo marino, posiblemente una ballena o un delfín. Las escenas de caza y lucha de animales son el tema principal de los relieves en los frascos de pólvora. La comparación de los frascos de pólvora con las obras individuales de los talladores de huesos de Kholmogory de la primera mitad del siglo XVIII (paredes de ataúdes, cajas de diversas formas) lleva a la conclusión de que los maestros utilizaron los mismos originales gráficos, pero cada vez de forma puramente individual, según a la tarea artística y decorativa planteada. Por eso vemos variaciones de los famosos grabados de “Símbolos y Emblemas”. Un águila que alcanza a una liebre, o un jinete que caza a un avestruz, por un lado, y por el otro, algunos otros ejemplos dieron a los talladores la oportunidad de crear una composición de cebo para osos. Las acaloradas peleas de los animales, su intensa lucha, son acentuadas por los elementos del paisaje y las figuras vecinas más tranquilas. El diseño del friso de las composiciones en los frascos de pólvora es bastante lógico, pero en una de las cajas, aparentemente una pitillera, parece menos justificado que el tallista haya representado varias escenas: cazando osos, un tiro de renos en el bosque, descansando cerca del plaga de norteños en Malitsy, y todos ellos están representados en rayas con una evidente sobrecarga en el tallado en relieve.
Y algunas obras conservan sombreados oblicuos en el fondo, influencia indudable del grabado con su específica división del fondo. Y en la década de 1730 y mediados del siglo XVIII, esta fuente se sentirá en menor medida, ya que los talladores se dejarán llevar por el modelado sutil del relieve en el tallado sofisticado, en la creación de composiciones excepcionalmente hábiles, combinadas con retratos e imágenes de sujetos. Pero los dibujos individuales se repitieron muchas veces a lo largo del siglo XVIII. Entre ellos, fueron especialmente amados "El juicio del rey Salomón", "Adán y Eva en el paraíso", "Sansón y el león", "La ballena que expulsa a Jonás", "El fruto de la tierra prometida" y muchos otros. Fueron tomados de publicaciones especiales, estudiados cuidadosamente, copiados, se redibujaron las figuras principales y los detalles y se crearon composiciones originales independientes sobre esta base. A lo largo del siglo XVIII, los temas literarios y gráficos estuvieron estrechamente integrados en el trabajo de los talladores de huesos. Se sabe que en ocasiones incluso utilizaban sábanas para trabajos ceremoniales o personalizados.
Un ejemplo sorprendente de esto es la placa decorativa basada en la primera hoja grabada "La tesis teológica de Sylvester Kulyabka". Como saben, en 1744 se realizó un enorme grabado ceremonial en cobre dedicado a la emperatriz Isabel Petrovna. Se la representa sentada en un trono, junto a ella están Pedro II y Ana, duquesa de Holstein. Junto a los tronos, decorados con magníficas tallas barrocas, se encuentran figuras alegóricas, bien coordinadas con composiciones simbólicas en seis medallones redondos situados sobre la parte central. Los medallones también se encuentran en exuberantes marcos ornamentales hechos de rizos de hojas. En la parte superior de la composición hay figuras de Pedro I y Catalina I volando entre las nubes, bajan una cadena con una corona sobre la cabeza de Isabel y están rodeadas por figuras de ángeles. El grupo de cortesanos que juran lealtad al servicio de Isabel Petronna está lleno de dinámica. Está situado pintorescamente en la base del trono, y un poco más abajo, en los grandes cartuchos ovalados del grabado, se encuentra el texto de la tesis de Sylvester Kulyabka, que en ese momento era el rector de la Academia de Kiev. El grabado, realizado sobre seis tablas, era un trabajo complejo y claramente encargado. Los rasgos característicos del estilo artístico de la época recibieron aquí su expresión típica en la estructura de la composición, en el uso de alegorías y símbolos, cartuchos de follaje exuberante y extensos textos gloriosos. El tallador de huesos pudo acceder a dicho grabado, lo que ya indica su posición especial y las oportunidades de conocer obras de arte de pequeña circulación de la época. El tallador de huesos utilizó solo la parte central de la composición, transformándola enormemente: las figuras de ángeles en las nubes se convirtieron en cabezas con alas, intercaladas con nubes redondas y convexas. El tallista utilizó sólo tres figuras centrales en los tronos. Al parecer, le atrajo su especial solemnidad y pompa.
A pesar de que la solución compositiva ha cambiado mucho en comparación con el grabado, el relieve, en su plasticidad, se percibe como una obra completa de artes aplicadas de la década de 1740, bastante expresiva y característica. Fue en esta época cuando el estilo barroco recibió un amplio reconocimiento entre los artistas. Esta placa lo confirma. Como regla general, los talladores de huesos dieron sus propias versiones de las composiciones, aunque tomaron como base los grabados. La única excepción es una placa de hueso tallada del tamaño de una hoja de libro, en la que está copiada íntegramente toda la composición de la portada del libro "Símbolos de los Emblemata" (Museo Estatal de Historia). En relieve, el tallista repitió el retrato de Pedro I y los medallones circundantes con imágenes simbólicas. No conviene detenerse en todas las opciones conocidas para utilizar grabados para tallas compositivas y puramente retratos. Todos ellos son independientes porque han sido traducidos en relieve, en otro material, en otro tipo de obra; todos están resueltos, por así decirlo, de forma nueva y completamente original.

Busto de comerciante desconocido con medallas de premio. Obra de Ya. Seryakov. 1868

Un ejemplo de la comprensión creativa de las fuentes modernas de corte de huesos son las tres copas ceremoniales de mediados del siglo XVIII del maestro monografo “AD”. El cuerpo en forma de cono de cada copa está completamente cubierto de relieve con imágenes tomadas de medallas y hojas grabadas de I. Stenglin, I. Sokolov, con emblemas y dichos: "No teme ni a uno ni a otro", "Recompensa a los fieles". , “Renueva la esperanza” y otros del libro “Símbolos y emblemas”, amado por los maestros del arte aplicado. El esplendor de las copas no radica simplemente en el magnífico tallado, sino en la hábil combinación del principio pictórico y semántico con los contornos puramente decorativos de rizos e inquietos de los cupidos altísimos. Una variedad similar de formas de talla en relieve se encuentra principalmente en la madera, especialmente si recordamos las tallas doradas en los interiores de palacios, mansiones e iglesias a lo largo del tiempo. Aquí, en las copas de hueso del maestro "AD", nos enfrentamos a una vívida expresión de los rasgos característicos del arte barroco con su intensidad emocional de formas, riqueza de decoración, riqueza de solución compositiva. Medallones, cartelas, rizos de plantas exuberantes, cintas ondeantes con inscripciones y motivos figurativos en s se fusionan en un solo conjunto de exuberantes tallas decorativas.
Una obra sorprendentemente completa de esta época es la vaina de hueso de una daga con un escudo de armas estatal grabado y la fecha "1754" en un mango tallado con forma de cabeza de león gruñendo. Las figuras de cupidos con y sin flechas se fusionaron literalmente con el adorno en relieve de rizos de concha. La talla sorprende por su plasticidad, dinamismo y extraordinaria artesanía. El tallador de huesos utilizó motivos ornamentales y pictóricos en su unidad, indivisibilidad y expresión indudable del estilo de la época y sus corrientes artísticas. Y luego hay un cambio notable en la forma de tallar, en el uso de motivos aparentemente conocidos. Poco a poco, la pasión por el clasicismo se fue apoderando también de los cortadores de huesos (riqueza decorativa en obras de pequeña escultura). Sus variaciones en la segunda mitad del siglo XVIII son indicativas. El modelado en relieve de cada rizo y malla de conchas, y esto es muy común en las obras de los talladores de hueso de Kholmogory de la segunda mitad del siglo XVIII, llama la atención por su sutileza y minuciosidad de elaboración. Si nos fijamos en las obras de O. Dudin, donde el adorno de concha alcanzó su apogeo en su ejecución, podemos estar convencidos de su máxima perfección.
Se asocia con la gran demanda de artesanías artísticas provocada por la riqueza de las clases dominantes.
La difusión de los productos óseos se vio facilitada por el desarrollo del comercio exterior e interior. La red de ferias se expandió dentro del país, lo que tuvo un efecto beneficioso en los intercambios comerciales entre las diferentes regiones del país. Es difícil decir cómo y en qué condiciones llegaron allí las artesanías artísticas de los talladores de huesos del norte de Rusia, pero esto sucedió en la segunda mitad del siglo XVIII, cuando no solo los exploradores de Arkhangelsk fueron al Este en busca de nuevos recursos naturales intactos. recursos y oportunidades para su desarrollo.
Aparentemente, el método de distribución plana de las imágenes talladas, su conservación incluso en objetos tridimensionales, indican la inclinación de Dudin a preservar una técnica típica del arte popular, asociada con el principio tradicional de la creatividad campesina. Hasta cierto punto esto base popular Esto también se puede ver en el reconocimiento del esquema cromático contrastante en el diseño decorativo general del objeto. Las placas de la colección del Museo Estatal Ruso tienen una ejecución brillante. Una de las láminas es relativamente pequeña; la disposición compositiva en hileras de seis retratos en un entorno libre de ornamentación sobre un fondo de hueso marrón oscuro la hace al mismo tiempo inusualmente clara y al mismo tiempo libre y fácil de percibir. Tanto esta placa, que procede de la antigua colección del Hermitage, como varias cosas cercanas a ella tienen mucho en común en la forma de tallar con obras precisamente atribuidas a Dudin. Por tanto, pueden incluirse en el conjunto de obras del maestro, ya famoso en el siglo XVIII.
El retrato de Catalina II está resaltado en el centro por tamaño. El maestro se caracterizó por un sentido de extrema decoratividad, que no lo cambió ni siquiera en este formato. Es poco probable que en San Petersburgo en la segunda mitad del siglo XVIII hubiera otro maestro además de Dudin que hubiera podido hacer frente a un plato tan decorativo como este. Su similitud fundamental con las placas de retratos de la colección del Hermitage está fuera de toda duda. Esta obra no queda fuera del círculo de las obras de Dudin.
Después de la Gran Revolución Socialista de Octubre, ocupó el lugar que le correspondía en la Armería del Kremlin de Moscú. Otra taza con cincuenta y ocho retratos, desde Rurik hasta Catalina II, se conserva ahora en el Hermitage Estatal. Anteriormente estuvo ubicado en el Palacio de Invierno, antes en la Kunstkamera, el primer museo ruso de todo tipo de rarezas de la naturaleza y el arte, organizado por Pedro I. La base para su creación fue la obra de M. V. Lomonosov “El breve ruso Cronista”, publicado en 1750. Posteriormente se añadieron ejemplares únicos a esta serie de medallas, completándola. Los talladores de huesos utilizaron esta fuente con mucho gusto. Podemos juzgar esto por el trabajo de Y. Shubny, su gran y elegante retrato en placa de 1774, conservado en el Museo Estatal de Historia, y por otras obras de este tipo.
El conocimiento de la historia, las bellas artes, las bellas artes plásticas y la comprensión de las tareas del arte de su tiempo ayudaron a Dudin en su trabajo y le permitieron crear composiciones de diversas obras altamente artísticas que deleitaron a sus contemporáneos.
Dudin logró la perfección en la combinación armoniosa de varias técnicas de tallado, en el uso generalizado de refinados adornos rococó con retratos de personajes históricos. Le siguieron muchos cortadores de huesos. Por eso se hicieron tan populares las medallas de S. Guen, T. y Vanov, L. Schultz, I. Gedlinger, I. Wechter, S. Yudin, I. Gass y otros. En este fenómeno, como en la obra de Dudin, se puede rastrear el proceso de convergencia del arte campesino fundamentalmente popular con el refinado arte urbano de los artistas de la corte. La ciudad, con su alta cultura general en relación con el campesinado, atrajo a su órbita a maestros con diferentes potenciales artísticos. De hecho, en algún momento del siglo XVII anterior se pudo observar el mismo fenómeno. Este patrón general persiste en todo momento.
El tranquilo equilibrio del adorno parecía faltar. Los rizos vegetales parecidos a conchas se arremolinaban en un ritmo dinámico. El efecto se vio reforzado por la introducción de color en el grabado y la coloración general de las planchas. La combinación de tallado en relieve y en profundidad (con una mancha y un patrón de color, así como con una forma muy complicada del objeto) condujo a una solución fundamentalmente nueva. El estilo del hueso tallado no sólo correspondía a los principales tipos de arte ruso de mediados del siglo XVIII, sino que también los enriquecía significativamente.
Vereshchagin, incluso en su infancia, adquirió buenas habilidades para tallar huesos. Catalina II recibió un par de jarrones con forma de huevo, realizados antes de 1790. A lo largo de la parte central del cuerpo hay un cinturón decorativo con la inscripción:
“Estos cuatro tiempos hacen crecer el fruto a lo largo de todas las edades presentes”. La inscripción pasada enfatizaba el lado argumental de la hábil talla. Si todo el cuerpo de los jarrones es una figura ovoide de lo más delgada a través del hilo Luego, en esta cuadrícula calada de la parte hemisférica superior, el maestro dispuso cuatro medallones con imágenes alegóricas, resueltas en el espíritu de composiciones de género ordinarias. El motivo de una elegante planta trepadora, que forma el patrón de las tallas decorativas, se fusiona sorprendentemente armoniosamente con los medallones, sosteniéndolos en el espacio. Uno de ellos muestra una imagen de un verano caluroso. En el contexto del campo parcialmente comprimido, varias mujeres se dispusieron a descansar. Uno de ellos, con un kokoshnik y un traje nacional ruso, está reclinado, apoyado en su brazo (el otro se sienta casi de espaldas al espectador, el tercero, de pie, bebe de una jarra: cerca hay hoces. El maestro, con Con medios muy limitados, lograron transmitir las condiciones del trabajo campesino de verano, el cansancio de los segadores.
Otro medallón representa la cosecha de otoño en el huerto. Algunas personas sacan frutas, otras se llevan cestas llenas. Aquí el artista mostró el trabajo humano y la riqueza de la naturaleza.
Esta escena se distingue por la espontaneidad y la veracidad.
El siguiente medallón representa el invierno. Con un telón de fondo de arbustos desnudos y árboles escasos, tres personas estaban sentadas alrededor del fuego. Un anciano barbudo está inclinado sobre el fuego, un joven está de pie cerca, la figura embozada está de espaldas al espectador. Cerca de ellos hay un hacha en el suelo. Y la solución se distingue por su simplicidad y expresividad: ante nosotros hay una imagen de la realidad.
Finalmente, el último medallón contiene una escena que simboliza la primavera. En la terraza, cerca de la balaustrada con un jarrón, se encuentran un caballero y una dama vestidos con elegantes trajes nobles. La criada sirve la comida en una bandeja. Esta escena puede interpretarse como una procesión de jóvenes, que está plenamente asociada al despertar de la naturaleza, al inicio de una nueva vida, la próxima primavera.
Los surcos son una variante de las composiciones decorativas que encontraron su lugar en el arte ruso del siglo XVIII. Aquí está uno de ellos: “El verano, coronado de espigas, sostiene una gavilla en una mano y una hoz en la otra. El otoño sostiene racimos de uvas en sus manos o una canasta de frutas en su cabeza [...| Winter, vestida con un vestido abrigado, con la cabeza cubierta, se encuentra frente a un árbol cuya hoja ha caído […]”, etc. Pero si este “Léxico” fuera una obra traducida del francés. luego podemos recordar las descripciones más antiguas utilizadas por los maestros rusos allá por el siglo XVII. Nanrp/primavera se caracterizó de la siguiente manera: “La doncella nace, adornada con una maravillosa belleza brillante y gloriosa. Admiro su amabilidad para con todos los que la ven y soy dulce con todos […]”. Las imágenes de la alegoría de este tema se pueden ver en varias obras, algunas de ellas se conservan en colecciones de libros manuscritos de museos y bibliotecas. La primera versión de las alegorías de las estaciones fueron las pinturas de la Cámara Hueca del Kremlin de Moscú en el siglo XVI. Fueron descritos por Simon Ushakov en 1672. En 1801, Vereshchagin fue a San Petersburgo en sus siguientes vacaciones, donde permaneció 29 días. La razón de esto, muy probablemente, fue el trabajo creativo del artista y no los asuntos de producción del empleado. Al parecer, en ese momento estaba trabajando en dos jarrones de la serie "Estaciones", que actualmente se conservan en el Museo Estatal Ruso. Sobre esta base se colocó su firma con la fecha "1802". y el rango que acababa de recibir, por encima del cual ascendió en la escala profesional. Uno de ellos se conserva actualmente en el Museo Estatal de Historia y el otro en la colección del Hermitage Estatal. Así, en total conocemos ocho obras de Vereshchagin, y seis de ellas están dedicadas a las estaciones.
El virtuosismo de su arte es innegable. Fue el mejor exponente del clasicismo temprano en la talla de huesos. Vereshchagin, como Dudin, traspasó la frontera de la belleza primitiva del arte popular campesino. Ambos son representantes típicos del arte urbano asociado con la cultura de toda Rusia. Son uno de sus creadores, sus creadores.
La tapa con bisagras se convierte en un alfiletero. El tallado de las paredes sorprende con la claridad de la solución compositiva de una composición estrictamente clásica. Palmetas, toallas colgantes, recogidas con cintas con lazos, medallones con los símbolos del primer jueves del siglo XIX, carros, cupidos, árboles llorones sobre las urnas, lanzas de acanto con rizos empinados y, finalmente, cariátides, hermas, de pie desde 11 mm de cada pared. Todo este tallado se superpone sobre un fondo vibrante de lámina azul verdosa y escarlata, lo que crea un contraste decorativo, provocando un reflejo de color adicional en el hueso tallado.
El espejo tocador tiene un diseño inusualmente parecido a los dos costureros que conocemos. Su base tiene un cuerpo rectangular con cajones, sobre los que se montan dos contrahuellas en forma de balaustres, que recuerdan a jarrones con ramos de flores, que sostienen un espejo ovalado. Su marco está decorado con conchas en relieve, frutas, palmetas, redes y cuentas. Los jarrones-alza están decorados con un patrón inciso de brotes de acanto y bucráneos. El cuerpo está cubierto con placas ranuradas sobre un fondo de lámina verde y escarlata. Destacan espectacularmente los medallones ovalados y rectangulares con cupidos balanceándose en un columpio. una diosa sentada en un carro tirado por leones, figuras danzantes de personas con guirnaldas de flores, y todos estos motivos antiguos están tejidos con rizos de acanto, rosetas y otros elementos decorativos característicos de los primeros clásicos, que fueron influenciados por los hallazgos únicos e inusuales en el arte recién descubierto bajo las cenizas de Pompeya y Herculano.
Sin embargo, es poco probable que alguien se arriesgue a utilizar algo tan frágil con fines prácticos. Las mismas redes oblicuas finamente elaboradas con delicados motivos florales adornaban muchos ataúdes, cajas, marcos para iconos y retratos. A veces utilizaban relieves superpuestos en forma de cornucopias, carcaj, arcos con flechas, etc. A menudo, las paredes de las cestas insertadas de forma ovalada o cuadrada, que se insertaban dentro de grandes cajas, se realizaban utilizando la misma técnica de tallado (oblicuo). malla con guirnaldas de flores). Todos ellos se distinguen por la claridad compositiva y la artesanía inusual. Desafortunadamente, ninguna de estas obras está asociada con el nombre de un maestro en particular. En la mayoría de los casos, las obras del siglo XIX deben agruparse según características estilísticas similares y datarse sobre esta base. Es cierto que se intentó atribuir la obra a un maestro específico. Por lo tanto, existe la opinión de que las cajas decoradas con guirnaldas talladas de malla son características de la obra de Olontsov y Maksimov. A juzgar por los datos literarios, Olontsov vivió a finales de los siglos XVII y XVIII. Por lo tanto, en una época que cultivaba las formas barrocas, el tallador de huesos de Kholmogory no pudo elegir de repente las formas y la ornamentación características del clasicismo. Maksimov padre también, pero según los datos disponibles, vivió y trabajó hasta los años 80 del siglo XIX. De hecho, le encantaba hacer cajas decoradas con una malla inclinada con guirnaldas de flores. Su obras tempranas fueron hechos exactamente en este estilo y, por lo tanto, datan del primer cuarto del siglo XIX. Es difícil admitir que el maestro conservó la constancia de sus gustos artísticos a lo largo de su vida, sobre todo porque a mediados de siglo dictó persistentemente sus propias leyes de estilo artístico.
Una serie de cofres y cajas, algunas de las cuales estaban destinadas a juegos de cartas, se distinguen por una ornamentación en relieve más estricta y voluminosa de hueso tallado. Así, en la colección del Hermitage estatal se encuentra una caja rectangular plana de la década de 1820, que se distingue por su brillante artesanía. La forma sencilla de la caja se ve realzada por su ornamentación decorativa. Las placas de hueso están decoradas con brotes de acanto, cintas, coronas, hilos de cuentas, cuatrifolios con pétalos en relieve especialmente curvados y otros elementos. Todo esto se superpone sobre un fondo brillante y brillante de lámina escarlata. El modelado tallado se caracteriza por un acabado limpio. El adorno cubre toda la superficie de la caja, teniendo en cuenta sus características de diseño: en el plano de la tapa, en las paredes laterales estrechas, la composición del patrón viene dictada por esta forma. La principal cualidad de la ornamentación tallada es su estricto cumplimiento de los principios del estilo artístico dominante en el arte. El patrón rítmico, de escala moderada, carga uniformemente toda la superficie, dividiéndola en rectángulos, cuadrados y varillas horizontales, que se disponen suavemente en una tranquila proporcionalidad de las partes.
Dentro de la caja hay seis cajas cuadradas magistralmente hechas con astillas de huesos multicolores, portalápices para crayones, pinceles y otros accesorios. Cuando miras esta caja de juego de cartas de hueso, no puedes evitar sorprenderte de lo hábil que era el artista.
Una obra interesante de los talladores de hueso del primer cuarto del siglo XIX fueron las placas con retratos de M.V. Lomonósov. El marco rectangular es muy típico de las tallas ornamentales de los talladores del norte de Rusia de esta época: una guirnalda que fluye suavemente sobre un fondo de malla. El hecho de que los talladores de huesos de Kholmogory recurrieran al retrato del gran compatriota es un fenómeno completamente natural. Basaron el retrato tallado en un grabado de Fessar y Wortman, realizado durante la vida de Lomonosov. El científico se sienta en una mesa junto a un mueble donde se colocan libros, retortas y otros objetos; detrás de él se abre una ventana a través de la cual se ve un paisaje forestal con edificios. Como sabes, Fessard imaginó un paisaje marino fuera de la ventana. Por recomendación de Lomonosov, en el grabado de Wortman fue reemplazada por una vista de la fábrica de Ust-Ruditsk, una creación del gran científico. Fue allí donde comenzó su trabajo en el campo de la química, en el campo de la fundición de vidrio coloreado y esmalte, que luego condujo a la producción de vidrio coloreado en la Manufactura Estatal de San Petersburgo, así como a la creación de mosaicos. Los talladores de hueso que cortaron las placas con el retrato de Lomonosov (se conocen varios, en los museos de Leningrado y Moscú) no fueron todos igualmente podridos por artistas brillantes. Sin embargo, cada uno de los retratos tiene sin duda un cierto encanto. No es casualidad que los contemporáneos reaccionaran con interés ante estas obras, y en una de ellas apareció la inscripción: “Al amable soberano Pavel Petrovich Svinin en señal de respeto y en memoria de Panaev el 5 de marzo. 1826 San Petersburgo."
V. I. Panaev y P. P. Svinin eran apasionados coleccionistas de obras de arte ruso. Este último publicó en 1829 un catálogo titulado “Breve inventario de los objetos que constituyen el Museo Ruso de Pavel Svinin”. Este inventario ya incluye este retrato (colección del Museo Estatal Ruso), que fue obtenido por P. P. Svinin mientras trabajaba en los manuscritos recién descubiertos de M. V. Lomonosov y publicados por él en 1827. Al parecer, Svinin incluyó esta placa con retratos en su colección no sólo por interés etnográfico por la cultura del pueblo ruso y su historia, sino también por su peculiar alto excelencia profesional su ejecución.
Sólo podemos lamentar que los maestros no firmaran sus obras. Es difícil decir cuál de los iconos supervivientes sobre este tema pertenece a Lopatkin. Actualmente, la obra de Zaozersky se encuentra en el Depósito Central de los Palacios-Museos suburbanos de Leningrado, que proviene del Palacio de Alejandro. Si la talla del monumento a Minin y Pozharsky está ligeramente dañada, todas las inscripciones se conservan perfectamente. En particular, en el lado derecho del pedestal está la firma del autor: “El arte de Kozma Zaozersky”. Ante nosotros se encuentra uno de los productos exclusivos más raros de los talladores de hueso de Kholmogory. El nombre Kozma Zaozersky aparece por primera vez. Hasta ahora, este trabajo se consideraba obra de Ivan Zaozersky, quien aparentemente tomó su palabra en la primera publicación del Folleto de Moscú en 1898.
Parafraseando el original, como siempre en el trabajo de los talladores de Kholmogory, se llegó a una solución original propia. Aparecieron nuevos detalles en las composiciones, se enfatizaron algunos puntos o detalles individuales más importantes. En este sentido, es interesante observar, en una de las versiones del monumento óseo a Minin y Pozharsky (State Hermitage), una figura de un kresminin, recién introducida por un tallador de huesos, que lleva un bulto con algunos, posiblemente, objetos de valor. , ya que la composición comunal se dedica a hacer donaciones por parte de los ciudadanos de Nizhny Novgorod para salvar la Patria. Lo ordinario de esta pequeña figura, sus sencillas características artísticas, por un lado, hacen que la figura parezca invisible y, por otro, atrae la atención. Así expresó el tallador de huesos su actitud ante el tema, así le dio un nuevo matiz al conocido y aprobado original.
Dado que el monumento de Martos fue erigido en Moscú después de la aparición de su reproducción de cámara en hueso tallado, resulta evidente que los maestros utilizaron uno de los primeros bocetos grabados que reproducían el diseño del monumento. En 1810, el segundo proyecto de Martos, destinado a la fundición e instalación en Nizhny Novgorod, fue aprobado y aceptado para su puesta en marcha. Su imagen y el texto de la inscripción se adjuntaron a la composición II. Chekalevsky "La experiencia de esculpir estatuas colosales de bronce en un solo paso". Los talladores sólo podían utilizar esta única fuente. Por eso, una vez más estamos convencidos de la movilidad especial de los cortadores de huesos, de su capacidad para navegar por las últimas novedades del arte, para seleccionar las cosas más modernas e interesantes para su creatividad. En este sentido, cabe destacar al talentoso tallista de huesos Andrei Korzhavin, uno de los primeros que repitió en miniatura el original de Martos con extraordinaria libertad de habilidad plástica. En la Galería Estatal Tretyakov se encuentra una reproducción de cámara de “Minin y Pozharsky”, realizada entre la publicación de la imagen grabada (1810) y la entrada en los documentos de 1811 almacenados en los archivos del Hermitage Estatal. Documento:>ese gusano “Monumento […] de la habitación del Sr. Obergof Marshal y Cavalier Griffin Tolstov (Jefe de la Oficina del Tribunal) fueron enviados con una orden judicial al Hermitage el 25 de enero de 1811. Monumento al trabajo del campesino de Arkhangelsk Andrei Korzhavin." Sólo pasó un año antes de que el Hermitage recibiera dos obras idénticas de Korzhavin (la segunda se conserva en el Museo Estatal Ruso). Sorprende la extraordinaria intensidad del trabajo creativo de los talladores. Es lamentable que se haya conservado tan poca información sobre talladores de huesos talentosos.
El pequeño plástico volumétrico en hueso tallado demuestra claramente las capacidades ocultas desarrolladas por los maestros del norte de Rusia. Ninguno de ellos compitió jamás con los talladores de huesos extranjeros, que en el pasado demostraron su arte al mundo entero. Para seguirlos, en línea con sus tendencias artísticas, los talladores de huesos rusos necesitaban cambiar fundamentalmente su credo estético. Diferentes tradiciones culturales, una escuela nacional diferente, diferentes condiciones creativas, todo contribuyó al hecho de que los talladores de huesos rusos siguieron principalmente los principios de la talla decorativa ornamental en relieve plano, y no la escultura en miniatura de cámara de las escuelas extranjeras. Si comparamos dibujos similares de un patrón tallado o una imagen temática de maestros rusos y europeos occidentales de los siglos XVII-XVIII, entonces llama la atención el contraste de la conciencia creativa en sí, formada sobre bases fundamentalmente diferentes, aunque ambos tienen suficiente sentido de Plasticidad y expresividad artística.
Un costurero con forma de locomotora de vapor con ruedas, una cadena de transmisión, un tubo y otras piezas, con paredes talladas caladas y un techo: un alfiletero de terciopelo. La practicidad de tales cosas es muy cuestionable. Al parecer, existieron como una especie de “kunststyuki” de su época.
A mediados del siglo XIX, se observó en general un declive del gusto artístico en el trabajo de los talladores de huesos del norte de Rusia. Pero los maestros individuales continúan creando cosas interesantes tanto en términos de estructura compositiva general como en términos de técnica de ejecución. Los patrones llamativos, la introducción de nuevas técnicas de tallado en dos capas y el alto relieve fueron fenómenos bastante naturales durante este período. El clasicismo estricto ha sido olvidado durante mucho tiempo. El eclecticismo también capturó la talla de huesos. Han sobrevivido muchas obras de este período, pero la mayoría de ellas no pueden asociarse con el nombre de tal o cual maestro. Uno de los raros artículos distintivos es un broche que representa un equipo de renos con capucha. El artista logró transmitir las particularidades de la naturaleza del norte con solo unos pocos trazos.
La segunda mitad del siglo XIX vio las actividades del padre y el hijo de Bobretsov. M. P. Bobretsov fue el organizador de una clase de formación en casa. M. M. Bobretsov continuó su trabajo, al mismo tiempo que trabajaba trabajo creativo. La obra firmada más interesante de M. M. Bobretsov es una escultura decorativa de mesa redonda sobre cuatro pequeños pies de bola, conservada en la colección del Hermitage Estatal. Tomando como base el original de Martosov del monumento a Lomonosov, Bobretsov lo ejecutó en relieve. El giro de tres cuartos permitió a Bobretsov mostrar la figura de Lomonosov desde el frente y delinear claramente la silueta del monumento. Sobre el monumento, a derecha e izquierda, hay dos escudos de armas: de un lado, el escudo de armas de Arkhangelsk, del otro, Kemi. Los símbolos en relieve de estas ciudades están hábilmente entretejidos en la malla del fondo: Miguel Arcángel en la lucha contra el dragón, un collar de perlas de río, que en el pasado se extraían en grandes cantidades en Kem y otros ríos del norte.
El gran científico estuvo asociado con estas ciudades en su juventud, por lo que no fue casualidad que M. M. Bobretsov eligiera estos emblemas. El mismo tipo de trabajo incluye una bandeja decorativa con tallas geométricas en el borde con un elegante monograma en el centro de un campo cubierto con terciopelo rojo; al mismo tallador se le puede atribuir un juego de ajedrez en forma de figuras de guerreros bárbaros, también almacenado en el Hermitage Estatal.
Cuatro hermanos de M. M. Bobretsov también eran talladores de huesos, pero se fueron a trabajar a San Petersburgo. Sólo quedaron en el lugar diecinueve cortadores, Bobretsov era considerado el más fuerte de ellos.
Por un lado, el taller de Doronin fue un ejemplo de “negocio” tradicional. Por otro lado, fue un ejemplo de explotación por parte de personas emprendedoras, tanto de talladores de huesos principiantes como maduros, que pasaron a depender completamente del propietario. Se sabe, por ejemplo, que uno de los principales talladores de huesos de Kholmogory, Vasily Petrovich Guryev, se encontraba en esa dependencia. Fue él, junto con sus camaradas Grigory Egorovich Petrovsky, Vasily Timofeevich Uzikov y su maestro Maxim Ivanovich Perepelkin, quienes formaron el núcleo de talladores de huesos que transmitieron su experiencia y conocimientos a los talladores de huesos soviéticos.
El declive del gusto artístico provocó un endurecimiento de las formas y una debilidad de la ejecución técnica. Las razones del declive se debieron al desarrollo de la industria capitalista, que limitó el crecimiento de la creatividad individual.
Bajo la opresión capitalista, los artesanos talentosos a veces no tenían oportunidades reales de desarrollar habilidades profesionales. En consecuencia, el valor artístico de las obras se perdió inevitablemente. El deseo del maestro era producir tantos productos como fuera posible. Sin embargo, su artesanía manual fue sustituida por una máquina y la competencia no favoreció al fabricante privado.
El verdadero dominio del tallado en hueso se conservó sólo en manos de los maestros talentosos más antiguos: M. I. Perepelkin y su alumno V. II. Guryev, V. T. Uzikov y G. E. Petrovsky. Se las arreglaron para transferir las tradiciones del arte del tallado de huesos del norte de Rusia a los talladores de huesos soviéticos.
La provincia de Nizhny Novgorod es famosa desde hace mucho tiempo por sus maestros de talla y pintura en madera. Esta región es rica en bosques, la madera era un material accesible, lo que determinaba la principal actividad de la población local. Había maravillosos carpinteros y constructores de barcos, talladores de diversos artículos decorativos y domésticos, ornamentalistas con una rica imaginación, que se expresaba más claramente en el arte de tallar casas y barcos. Y al mismo tiempo, el distrito Gorbatovsky de la provincia de Nizhny Novgorod con varias aldeas se hizo famoso por la habilidad de los herreros. Sus obras siempre fueron complejas en forma y diseño. El papel principal en este asunto correspondió al pueblo de Pavlov en el río Oka, donde ya en 1621 había un número considerable de forjas. Las forjas de Pavlovsk se dedicaban a la fabricación de armas, así como a "diversos oficios campesinos". Las materias primas se compraban en los Urales a los industriales. El procesamiento se realizó in situ. Sheremetev llamó a su empresa una "fábrica de cerrajería". En un momento se supo de esto por un decreto enviado a la oficina de la casa del Conde Sheremetev.
El decreto da una idea de la naturaleza del trabajo que se está realizando, pero no se dice nada sobre la calidad de los productos, su diseño artístico, salvo una sutil insinuación y un mensaje de Sheremetev en la década de 1750 al elector de la pueblo de Pavlova. Es interesante notar que ya en la década de 1790, los artesanos de Pavlovsk hacían muchas cosas diferentes para N.P. Shepometev, entre ellas “dos literas de leones bajo los sveshniks”. Un par de leones con tres colgantes. Dos pares de leones de castillo, así como varios pares de boquillas para cigarrillos, “trituradores de azúcar y nueces”, “una docena de navajas plegables Zhukov. Una docena de sus propios centavos. Una docena de dobles pennecks”, etc.
Al parecer, los compradores quedaron satisfechos no sólo con la calidad del metal, sino también con el trabajo adicional de los talladores. Es posible juzgarlo por cosas aisladas. Por ejemplo, se conserva un juego de mesa de cuchillos y tenedores con mangos de nácar, decorado con inscripciones grabadas y viñetas con imágenes alegóricas. "Amor y armonía", "Honor, coraje, gloria", "Amor y renacimiento": estas son las inscripciones encima de las imágenes de pájaros, animales, armas de fuego, etc. Las hojas de metal también tienen inscripciones junto a los dibujos, incluida la firma. de los maestros : “Ivan Alekseev. N. A. Terebnn”. A juzgar por la inscripción en la portada del estuche, éste fue realizado para A. II. Sheremeteva “Patrimonio Pavlovsk del campesino Ivan Elagin” en 1839.
Quejándose, ¿tal vez estos artesanos trabajaron no solo con nácar? Las imágenes evocan simpatía, están llenas de lirismo y algunas muestran una imaginación salvaje de cuento de hadas. Un león tumbado con una boca sonriente parece un severo guardián de la casa. De hecho, los leones de este tipo en el período del clasicismo temprano se convirtieron en un complemento necesario para la decoración de mansiones y sus cercas, en azulejos y jarrones decorativos, en pinturas, modelado y porcelana. En el mango en miniatura de una navaja, esta majestuosa bestia incluso parece monumental, ya que el tallador de Nizhny Novgorod, desconocido para nosotros, definió con tanta precisión su silueta y la expresividad de su pose.
Una interesante microescultura que representa a un joven desnudo apoyado en un garrote. Quizás el maestro quería representar a Hércules, pero el resultado fue una figura divertida de un hombrecito alegre que evoca una sonrisa afable. Por la plasticidad de su forma, la figura de una mujer triste sentada en un mueble con la inscripción grabada: “Descendencia triste” merece la manía del vino. La figura está cubierta con una manta. La silueta general es suave en sus líneas suaves. El maestro representó a un hombre afligido, cuya imagen apareció repetidamente en el arte ruso, y en particular en huesos tallados. Aquí era imposible imaginar una figura inclinada sobre una urna y bajo las ramas de un abedul, fue necesario simplificar la solución compositiva, que aún conservaba el sabor de la época y los rasgos típicos del arte de finales del siglo XVIII.
Las figuras de hueso de pájaros son expresivas, inusualmente elegantes y están pintadas con pinturas verdosas y negras. El maestro aplicó delicadamente trazos en el plumaje de las alas y la cola, sombreó la cabeza y resaltó los ojos y el pico. Al parecer, sin colorear, el autor no se atrevió a "terminar" su obra: era demasiado pequeña y no causaría la impresión adecuada al espectador.
Esculturas muy atractivas de asas en forma de un joven con frac o una dama con un sombrero de ala ancha, representantes típicos de la sociedad de principios del siglo XIX. El maestro encontró y caracterizó con precisión tanto la forma general como los detalles, matizando con color el frac y el chal sobre los hombros de la dama. Estos toques realzan la expresividad de las figuras. No hay duda de que los talladores de huesos que trabajaron en la provincia de Nizhny Novgorod tenían un buen sentido del estilo de la época y enfatizaban hábilmente los rasgos más característicos en sus esculturas en miniatura. Es interesante observar otro rasgo estilístico. La misma gama de obras incluye una pequeña sierra de mano con mango de madera tallada en forma de grifo y un pergamino decorativo con la fecha “1836” y el cumpleaños del maestro “MP”. Las fantásticas figuras de hueso de un grifo y un dragón en una navaja pueden compararse hasta cierto punto con ellas debido a su singularidad y la naturaleza de la talla, pero claramente pertenecen a épocas diferentes. A juzgar por los estilos y la plasticidad de la talla, el dragón de hueso es anterior. El tema mismo de los animales exóticos no es nuevo para las artes y artesanías populares. Las variantes de imágenes de leones tejidas en brotes floridos de enredaderas y hojas de acanto son típicas de las tallas de las chozas campesinas de la cuenca del Volga-Oka. Este tema se escuchó en las pequeñas esculturas de hueso de los maestros de Nizhny Novgorod.
A menudo se colocaban marcas en las hojas de las navajas. Moka no están todos descifrados. Y sólo en un cuchillo, en la parte posterior de su base de hueso, el maestro grabó: “Pueblo Vorsma Nlugin”. La inscripción está colocada sobre una cinta ondeante, se caracteriza por la misma plasticidad que está dotada de la propia figura tallada. Es difícil decir quién es Plugin. Entre los maestros de Vorsma mencionados en la literatura se encuentran Baranov, Bratanov, Devyatoe, Koryttsev, Eropkin, Zavyalov. Y, sin embargo, la firma del cuchillo reveló el nombre de uno de los talladores de huesos de Nizhny Novgorod. Ésta es la clave para identificar un interesante grupo de obras de artes decorativas y aplicadas de la provincia de Nizhny Novgorod.
El cuchillo característico de la colección del Museo Histórico tiene un duplicado exactamente del mismo cuchillo con una figura de un león reclinado de la colección del Hermitage. Por tanto, teniendo en cuenta su identidad, teniendo en cuenta la similitud estilística y constructiva de las figuras talladas, la tipicidad de las imágenes artísticas elegidas para tallar, característica del clasicismo ruso temprano con su compromiso con motivos antiguos, temas heroicos y género, podemos Las navajas originales fabricadas por los maestros de Vorsma datan de finales del siglo XVIII y principios del XIX. En aquella época aún no se habían olvidado las tradiciones de los estatutos de la “fábrica de cerrajería” del siglo XVIII; recuerdos de pedidos, quizás también de materiales gráficos auxiliares que cayeron en manos de los campesinos de Pavlovsk y Vorsma, extraordinarios maestros del arte popular. - todavía estaban frescos. Todo ello determinó el estilo artístico general de las obras, correspondiente a una determinada época.
El tallado figurado de los mangos de navajas tiene una forma original y un valor artístico indudable. La simplicidad y la constructividad de la forma se ven avivadas por la espontaneidad y vivacidad de un artista con talento creativo. Todas estas figuras son ejemplos de pequeñas esculturas de arte popular de la región de Nizhny Novgorod con tradiciones bien establecidas. que enriqueció el arte de los artesanos del metal.
Actualmente, en el antiguo centro de producción de herrería y metalurgia se intenta restaurar tradiciones olvidadas y la producción de cuchillos con mangos tallados de alto nivel artístico.
A principios del siglo XX, uno de los investigadores de las artes decorativas y aplicadas, A. Felkersam, llamó la atención sobre la necesidad de estudiar el arte del tallado en hueso en los principales centros de los tiempos antiguos y modernos: Kiev, Novgorod, Moscú, Arkhangelsk, y San Petersburgo. En la actualidad, se han acumulado importantes materiales arqueológicos y fácticos. Existen pocos estudios especiales dedicados a la historia del tallado óseo. Básicamente, se relacionan con el arte de los talladores de huesos del norte de Rusia. Mientras tanto, San Petersburgo, que comenzó su cronología en 1703, se construyó y desarrolló activamente, atrayendo a científicos, arquitectos, artesanos y artesanos de diversas especialidades. La gente vino a trabajar de todas las provincias de Rusia, especialmente de aquellos lugares que se distinguían por tierras fértiles. Durante mucho tiempo ha existido una "cultura del desperdicio": equipos de artesanos se pusieron a trabajar. A San Petersburgo llegaron carpinteros y albañiles, fundidores y ebanistas, sastres y tejedores, doradores y joyeros, caldereros y talladores de huesos. Los artesanos extranjeros se establecieron cerca de Moika, en la llamada calle Alemana (ahora Khalturina). El tramo desde el Campo de Marte hasta la calle Zaporozhsky se llamó asentamiento griego debido a los extranjeros que vivían aquí. Entre los artesanos visitantes, en esta zona vivió el principal arquitecto de la ciudad, D. Trezzini, que llegó a Rusia en 1703. Los carpinteros, carpinteros y talladores rusos se establecieron en Okhta. Pero en casi todas las zonas de la ciudad en construcción vivían aquellas personas en cuyas manos se creó la nueva capital. Muchos artesanos estaban estrechamente asociados con el Admiralty College, no sólo porque la construcción de astilleros y astilleros requería manos diestras y mentes ágiles, sino porque en los primeros años del período de San Petersburgo era la organización más importante a cargo de todo Obra clave en la ciudad. Desde 1706, la dirección administrativa se concentró en la Oficina de Asuntos de la Ciudad, que luego fue transferida a la Oficina de Edificios.
En este primer período de la historia de San Petersburgo destaca el taller de torneado que existió desde 1705 hasta 1735. Su organización está relacionada con las necesidades productivas del país, con el desarrollo de una serie de operaciones industriales, así como con intereses puramente artísticos.
Veintisiete máquinas estaban destinadas a trabajos artísticos. Entre ellos se encontraban los coches "iositure", "ovalados" y "rosas". El trabajo en las máquinas se realizó manualmente.
Fue posible conectar varios medallones redondos, atarlos en un travesaño y dotarlos de figuras decorativas en forma de púas. Es sobre este principio que se diseña una cruz decorativa con la imagen de un crucifijo y santos sobre discos redondos de hueso. El ébano de los marcos de perfil redondo sombreaba y enfatizaba la noble belleza del hueso.
Hasta el día de hoy han sobrevivido tres candelabros de hueso únicos. Su diseño es siempre del mismo tipo: el tronco, decorado con manzanas y otras figuras decorativas, servía de soporte para el número necesario de candelabros ramificados, que formaban una especie de ramo, tanto estructuralmente justificable como decorativo. Este trabajo mostró la imaginación de los artesanos, quienes colocaron en la varilla una amplia variedad de figuras cinceladas: ovaladas, esféricas, cilíndricas, caladas, en forma de pera; Los candelabros sorprenden no sólo por las numerosas líneas curvas, la forma de los cuernos y los remates, sino también por la variedad de monturas florales y en forma de estrella. Tres niveles de estos candelabros ramificados forman una decoración ligera, de apariencia calada y sorprendentemente elegante.
Es probable que hayan sobrevivido algunas otras obras de Zakharov. Quizás estos incluyan medallones de hueso de medallas conservadas en la colección del Hermitage Estatal. Uno de ellos reproduce una medalla por la muerte de Pedro I.
En la parte inferior de la base redonda de la pierna está grabado su monograma y la fecha 1748”. Sorprende la belleza del hueso, revelada por el maestro, y su temblorosa transparencia. Quizás Kushelev fue uno de los torneros de huesos de la corte, junto con Goman, Melis, Galaktion Shchelkunov y Erik Lundholm, que trabajaron en San Petersburgo a finales del siglo XVIII y principios del XIX. No cabe duda que cada uno de los maestros contribuyó al desarrollo del arte del torneado con huesos, tortugas y otros materiales.
Cabe señalar las disposiciones más generales de la historia de la organización de la estructura gremial en Rusia en el siglo XVIII. En los documentos de Pedro I, entre sus diversas notas, llama la atención una breve nota fechada el 14 de enero de 1715, "Sobre los gremios". Sirvió como una especie de punto de partida para el desarrollo y publicación de leyes especiales que reorganizaban la vida de la población artesanal de Rusia. Se trataba del “Reglamento o Estatuto del Magistrado Principal” de 1721 y el decreto “Sobre los gremios” de 1722. La introducción de la organización gremial en la vida de Rusia tuvo un efecto positivo: tomó bajo su protección a los artesanos urbanos y defendió sus derechos. A diferencia de los europeos, en los talleres rusos no había órdenes medievales, solo se conservaba el caparazón antiguo y aceptado. El hecho de que los talleres no recibieran una regulación estricta de la producción y que el acceso a ellos fuera gratuito para personas de diferentes clases es una característica distintiva de la organización de los talleres rusos.
No es casualidad que documentos antiguos destaquen a aquellos torneros que conocen “el trabajo artesanal del cobre, el hueso, el hierro y la madera”. Y en este sentido, será interesante recordar las instrucciones dadas el 24 de agosto de 1727 por el magistrado principal de San Petersburgo al taller de carpintería e incluidas en la lista de talleres rusos de 1701, aparentemente como un recordatorio para los carpinteros, talladores. y torneros. Treinta y nueve párrafos de las instrucciones estipulan las relaciones entre los miembros del taller, sus responsabilidades, la naturaleza de su comportamiento y su actitud hacia su trabajo. En este sentido, resulta de particular interés el párrafo cinco: “Cada maestro tuvo cuidado de producir siempre su arte para mejor, sin razonar, como sucedía antes, que cuando haga qué, porque el taller recibirá trabajo por su trabajo o por la baratura de su trabajo de otro maestro atrae para siempre, cómo luego mencionar una buena habilidad en el trabajo y un precio decente al vender o por el trabajo, para que de una envidia tan obscena en la habilidad de descuidar uno contra el otro en el trabajo y de eso Al alimentar la ofensa, y especialmente entre maestros en arte, no debe haber blasfemia”.
Quizás esto oculte el deseo del gobierno de desarrollar sólo altas habilidades técnicas en los artesanos. Pero si el artesano altamente profesional y trabajos en hueso, madera, tortuga, etc., entonces deberíamos hablar también del lado artístico de la artesanía, del arte. La elevación de la artesanía al nivel de arte no fue ajena a las actividades de “pequeños” artistas llamados artesanos.
De esta comparación se desprende claramente que a finales del siglo XVIII la proporción entre talladores de huesos y el número total de artesanos se mantuvo sin cambios. Nunca rompieron por completo con su tierra natal. No se desviaron de la idea típica del norte de Kholmogory sobre la belleza del hueso tallado. Habiendo absorbido la artesanía tradicional, enriquecido la cultura espiritual y dominado las innovaciones de cien artes personales, alcanzaron las alturas y traspasaron los límites de la creatividad ordinaria. Su arte es un ejemplo de una síntesis lógica de la creatividad popular nativa y campesina con la cultura urbana y su las ultimas tendencias. Sin artificialidad ni eclecticismo, hicieron una transición natural de un estilo artístico históricamente establecido a otro, siguieron el ritmo de los tiempos, sus búsquedas, fueron ganadores en el campo de las artes decorativas y aplicadas, porque el tallado en hueso es uno de sus tipos. .
Uno de los cortadores de huesos del taller, el maestro de Kholmogory, Sergei Ugolnikov, fue asignado al negocio de torneado de huesos de San Petersburgo en 1820. Al parecer, era un tallador de huesos calificado, ya que inmediatamente ingresó a la categoría de maestros. En 1820 ya participó en el caso de contratar como aprendiz a Alexander Alekseev, un ex servidor del asesor colegiado Dubrovin. Fue aceptado en el taller de torneado de huesos de San Petersburgo “y se asumió la obligación de garantizar el pago correcto de los impuestos, firmada por los maestros Piotr Larionov, Piotr Akulov y Sergei Ugolnikov.
En 1811, Lavrentiy Moiseevich Lukashevich, uno de los sirvientes de patio liberados del dignatario Shipnevsky, fue incorporado al taller de tornería de San Petersburgo. Ese mismo año también se registró Ivan Matveevich Bezin, originario de campesinos estatales de la provincia de Arkhangelsk del distrito de Kholmogory. En 1816, el trabajador del hueso Grigory Mikhailovich, de cuarenta y ocho años, liberto del Conde I Peremetev, trabajaba en un taller de artesanía de Moscú.
La lista de artesanos que trabajaron el hueso probablemente podría ampliarse significativamente si hubieran llegado más documentos a nuestra época. Sin embargo, todavía hoy llama la atención el hecho de que un porcentaje muy importante de artesanos proceden del Norte. Al parecer, el profesionalismo y la originalidad del estilo artístico de los talladores de Kholmogory no tenían rival ya a principios del siglo XIX.
Es posible que la región norte proporcionara artesanos para los proyectos de construcción en curso en San Petersburgo. Se puede suponer que entre quienes trabajaron en la creación del palacio, por ejemplo en Gatchina, había norteños. Estos son sus nombres: Galaktion Shchelkunov, Fedor Strong, Mnkhanlo Mikhailov, Kvdokim Mikhatin, Ivan Kuvychkin, Andrey Veloy, Alexander Tarbasov, Ivan Petrov, Visily Nikitin y los estudiantes Konstantin Serov, Maxim Klimov, Grigory Karamyshev. Eran artesanos expertos en tornear cobre, hueso, hierro y madera. Comenzaron a trabajar en palacios suburbanos después de graduarse de la escuela en la oficina del intendente. Esta escuela jugó un papel importante en la formación de especialistas, maestros del oficio artístico. Allí los alumnos estudiaban geometría, aritmética, arquitectura y dibujo. Sólo aquellos que dominaban conocimientos específicos eran seleccionados para convertirse en maestros. Según las listas formales de estudiantes, queda claro que entre ellos se encontraban hijos de carpinteros, talladores y torneros. En consecuencia, la transferencia hereditaria de habilidades profesionales de padre a hijo podría mejorarse mediante la formación en una escuela metropolitana especial. Pero los estudiantes podrían recibir tales habilidades artesanales del maestro de un taller en particular. Es difícil decir con qué precisión los maestros siguieron esta regla. En cuanto a los talladores de huesos del norte de Rusia, se sabe que en el siglo XIX llegaron a San Petersburgo por un corto período de tiempo y luego regresaron a su tierra natal. Al parecer, uno de estos maestros hizo un abanico de hueso tallado en un estuche en forma de carcaj con flechas en San Petersburgo en 1870 (colección del Hermitage Estatal). El abanico consta de 20 placas de hueso ovaladas, unidas en la parte superior con una cinta de seda blanca, en la base con un pasador de metal, que se fija al mango mediante una estructura en forma de cabeza de ciervo con astas ramificadas. Cada una de las placas es una compleja composición ornamental y decorativa de atributos de caza, símbolos de un gremio de comerciantes (dos llaves cruzadas), símbolos de una ciudad portuaria costera (un ancla con delfines), fechas, letras que componen una inscripción dedicatoria de San Ciudadanos de San Petersburgo. En las láminas exteriores se puede ver una imagen en miniatura del escudo de armas de la ciudad de Arkhangelsk (Arcángel Miguel matando al dragón), incluido en la composición general. Esta es una especie de firma del maestro.
Nadie más que el maestro del norte de Rusia, residente en Arkhangelsk, habría introducido este emblema en el elegante tallado del abanico. Por lo tanto, el abanico sólo pudo haber sido hecho por un maestro tallador de huesos de Arkhangelsk, el más hábil de los cuales en ese momento era el Sr. Bobretsov y sus hermanos, quienes se unieron a San Petersburgo. La obra de V. T. Uzikov está asociada a la misma ciudad. Fue educado por M.I. Perepelkin, trabajó durante mucho tiempo bajo su supervisión y en 1903 partió hacia San Petersburgo, donde quería ocupar un lugar como maestro de tallado de huesos en una escuela de arte popular. Su tapa está coronada por un grupo escultórico: un equipo de renos con un musher. La ligera gracia del diseño ornamental tallado crea una sensación de torbellino de nieve, que está en armonía con el grupo de motivos de la tapa. Este artículo está firmado, fechado y se encuentra en el Almacenamiento Central de los Museos del Palacio Suburbano. Por supuesto, el trabajo de Uzikov demuestra las mejores tradiciones de tallado de huesos.
Es difícil confirmar esta estimación ahora porque se desconoce el trabajo.
Los primeros biógrafos de Yakov Seryakov notaron la extrema indiferencia de los funcionarios de la Academia. Maestro del fino retrato íntimo, el joven, talentoso y autodidacta escultor no fue aceptado por la Academia de las "tres artes más distinguidas".
. Hubo un tiempo en que se podía ver allí un “retrato sobre hueso en un medallón” de Seryakov. De hecho, además de voluminosos bustos y estatuillas de personas desconocidas para nosotros, a menudo talló retratos en relieve, como medallones o en placas rectangulares. En el retrato, reproducido en el sexto número del Periódico Ilustrado de 1863, Yakov Panfilovich Seryakov aparece sentado en una mesa donde hay tres bustos tallados en hueso y un medallón ovalado.
La extremadamente escasa literatura dedicada a este tallador de huesos señala que utilizó una fuente gráfica o talló directamente del natural. Allí pudo familiarizarse y adquirir las sábanas que le interesaran. Esto seguía la tradición de los talladores de hueso y madera. Pero la segunda opción, cortar directamente el material durante la sesión, es cuestionable. O Seryakov era un maestro de milagros o aún así hizo un boceto preliminar. Lo más probable es que su boceto no fuera un dibujo, sino que estuviera expresado en forma plástica. La arcilla o la cera debían resultarle familiares. Después de todo, son conocidas las obras de Yakov Seryakov en bizcocho, yeso, bronce y hierro fundido; todos ellos requirieron una preparación preliminar antes del casting. La madera tallada, al igual que el hueso, especialmente el mármol, también fueron materiales secundarios tras el boceto de trabajo. El ojo atento y observador del artista-tallador no sólo registró formas externas, pero también supo penetrar en la esencia de la naturaleza.
Los rostros, las figuras y los trajes de los comerciantes fueron cuidadosamente diseñados. El modelado de la superficie demuestra la habilidad del tallador. Lo principal que caracteriza a sus obras es una interpretación realista. Los retratos están dotados de características psicológicas; son expresivos y emocionales. La letra clara con la que están hechas las inscripciones hace imposible pensar ahora que el tallador de huesos ha dominado recientemente la lectura y la escritura. Los contemporáneos notaron su perseverancia no solo en dominar el arte de la talla, sino también en el estudio de la escritura y la lectura utilizando varios manuales ya a una edad bastante madura. Los retratos están dotados de una cualidad especial: la sutileza de las características psicológicas.
Otros se sienten abrumados por la omnipresente bondad humana. Son típicos a este respecto los retratos de perfil en relieve del paramédico militar Georgy Stepanovich Petrov y la niñera de Alexander Sergeevich Pushkin, Arina Rodionovna. Especialmente atractiva es la imagen de una aldeana rusa con una sonrisa apenas perceptible. La plasticidad del busto en relieve se ve reforzada por las líneas suaves de los pliegues del pañuelo, que generalizan la imagen y ayudan a contrastar con su masa rasgos faciales claros, expresivos e individualizados.
Una obra interesante de Roznomdorovo es el retrato del actor dramático V.V. Samolov. El busto está ligeramente teñido. Es difícil decir qué impulsó al artista a utilizar esta técnica. Pero podemos estar de acuerdo con la opinión de E. Tomilovskaya de que las raíces de la obra de Seryakov se remontan al arte popular. La sinceridad inherente a la mayor parte de su conocimiento resuena con las tallas de madera y hueso de los artesanos populares. Se puede suponer que Seryakov se comunicaba con los talladores de huesos del norte de Rusia de la misma manera que con los litógrafos y grabadores. Durante este período, había bastantes de ellos en San Petersburgo, inscritos en el taller de torneado de huesos y que llegaban temporalmente para ganar dinero. Un retrato escultórico de busto de un comerciante con dos medallas de premio alrededor del cuello y una en el ojal data de 1868 (Museo Estatal del Hermitage). La limpieza del acabado coincide con la claridad de la ejecución artística. La mano de un brillante maestro del arte del tallado en hueso distingue su última obra conocida.
Si nos fijamos en las obras de un talentoso artista autodidacta en general, se puede notar la unidad de estilo, la sutileza de las características psicológicas, una cierta severidad de decisión sin excesiva soltura en los movimientos o las expresiones faciales. No pertenecía a la dirección académica ni romántica. Se trata de un realista que logró estudiar de forma independiente las leyes del arte plástico.
Las obras de Seryakov son de interés tanto desde el punto de vista iconográfico, ya que creó una galería de retratos de sus contemporáneos, desde funcionarios menores hasta las personas más distinguidas, y desde el punto de vista de las habilidades interpretativas.
La publicación de obras de arte de los talladores de huesos de San Petersburgo permite demostrar claramente los rasgos característicos y los matices específicos de este arte, que se fusionó con la cultura urbana de su época. La riqueza de formas y adornos, las variaciones en las composiciones de la trama, la habilidad técnica: todas estas características son inherentes no solo al tallado en hueso, sino también a todo el arte decorativo y aplicado ruso. Sin continuidad, sin estudiar el trabajo de generaciones anteriores, sería Es difícil evaluar correctamente el patrimonio artístico protegido por el pueblo soviético.
El arte del tallado en hueso, tan firmemente arraigado en el norte de Rusia, en una determinada etapa histórica influyó en la creatividad artística de algunos pueblos siberianos. Esto no fue un accidente. Existían ciertas condiciones históricas para ello. El arte de tallar huesos se desarrolló más que otros entre los Yakuts.
Siberia, con sus vastas extensiones de taiga, que se convierte en bosque-tundra y finalmente en tundra cerca del Océano Ártico, en las latitudes del permafrost, todavía guarda una gran riqueza: colmillos de mamut. Los industriales extrajeron huesos fósiles de mamut, así como colmillos de morsa, los llamados "dientes de pez", en la costa del océano y los transportaron a ciudades de Siberia, y de allí a Moscú y al extranjero, a China, Mercia y otros países. No sólo en el siglo XVII, sino también durante los siglos XVIII y XIX, el hueso era un producto extremadamente atractivo: se extraía y se exportaba a las ferias de Yakut, la mayor de las cuales se encontraba en Yakutsk.
En 1660-1662, se trajeron "huesos de pescado" a Moscú desde las orillas del océano: 339 libras y 25,5 libras. Este no es el único indicio de la llegada de cargamentos de huesos valiosos a la capital del estado de Moscú: las cifras son significativas y muestran la importancia que se concedía a este valioso material.
La transición a la creatividad artística no comenzó inmediatamente con la fabricación de las formas más simples de herramientas domésticas, de caza y de pesca. Es bastante obvio que la influencia de los colonos rusos con su cultura, artes y oficios resultó decisiva en el proceso de formación y desarrollo del tallado artístico en hueso de Yakut. V. Seroshevsky fue el primero en llamar la atención sobre la influencia de los rusos en la técnica de procesamiento de huesos entre los Yakuts. M. Rekhachev expresó más claramente la idea de la influencia de los inmigrantes rusos de Pomerania. Señaló: “Los habitantes de Ustyuzhan y Pomerania conocían bien la técnica de procesamiento y tallado de huesos y sin duda tuvieron una influencia correspondiente en el desarrollo del tallado de huesos en Siberia”. Al mismo tiempo, puso especial énfasis en el hecho de que la talla en Tobolsk y Yakutsk estaba influenciada por la talla en hueso de Kholmogory y Ustyug (Solvychegodsk). S. Ivanov ofrece una descripción aún más detallada de este fenómeno. Ya en el siglo XVIII, junto con los ornamentos antiguos y la escultura religiosa, surgieron los brotes de un nuevo arte, que comenzó a desarrollarse rápidamente y en el siglo XIX se convirtió en un campo independiente del arte doméstico”. Se llama la atención, como hizo Seroshevsky, sobre el uso de la experiencia rusa en técnicas de procesamiento de huesos y en el préstamo de herramientas. Pero lo principal fue el conocimiento del arte popular ruso, que se distinguía por su riqueza de formas, ornamentaciones y tramas, lo que ayudó a los Yakuts a darse cuenta de sus propias capacidades para crear obras de arte y desarrollar plenamente sus talentos.
El camino hacia el Este ha pasado durante mucho tiempo a lo largo de los ríos del norte: desde Moscú fueron al Dvina del Norte, y luego comenzó un largo viaje a Vychegda, Pechora, Kama, a los tramos superiores del Tura, a Tobol, al Irtysh. más allá de la cordillera de los Urales. Incluso a finales del siglo XVI, los rusos navegaban hacia el Ob, manteniendo una conexión constante con Siberia a través de la "Carretera del Norte", es decir, desde el mar de Barents pasaban a la bahía de Ob, a través de la bahía de Tazovskaya hasta Mangazeya. Los resultados de las excavaciones en Mangazeya, realizadas bajo el liderazgo de M. Belov, mostraron que los pomors de Kholmogory, Vologda, Pustozersk, Moscú, Tobolsk y Berezov habitaban esta ciudad del norte del siglo XVII, una ciudad ubicada en las latitudes del permafrost. . Los materiales descubiertos indican el desarrollo allí de muchas artesanías, incluida la talla de huesos. Se han conservado piezas de ajedrez de hueso tallado y colmillos de morsa en blanco. Este es uno de los ejemplos más interesantes de cómo los inmigrantes determinan su gama de ocupaciones por su aparición en un lugar nuevo.
El surgimiento de un asentamiento urbano puso en movimiento fuerzas ocultas que entraron en la órbita de todos procesos de producción. Las actividades de los artesanos estaban subordinadas a las necesidades de la ciudad y su economía.
No es necesario detenerse en detalle en todos los caminos por los que los exploradores penetraron en la taiga siberiana, bajando o subiendo por las corrientes de ríos profundos y caudalosos, profundizando a lo largo de sus afluentes en la taiga del este de Siberia. Entre los exploradores más famosos del siglo XVII, habitantes de Kholmogory, Veliky Ustyug, Kargopol, Vyatka, Perm y otras ciudades del norte de Rusia, se encontraban Semyon Dezhnev y Fyodor Alekseev, Erofey Khabarov, Panteley Ustyuzhanin, Vladimir Atlasov y otros. ¿No es significativo que aún hoy, relativamente cerca de la desembocadura del Yeniséi, se encuentre el asentamiento de Kolmogory? Este nombre por sí solo habla por sí solo. Sólo es necesario señalar que desde el siglo XIV, ninguno de los primeros pueblos de Pomerania en el norte de Dvina se llamó Kolmogory (hoy Kholmogory).
En la década de 1020, desde Mangazeya y Yeniseisk, destacamentos de industriales y servicios rusos a lo largo del Bajo y Podkamennaya Tunguska y a lo largo del Angara allanaron el camino hacia la región de Baikal y Yakutia. En 1630 se fundó el fuerte de Ilimsk, en 1631 el de Buriatia, y en 1643 se erigió un fuerte en Lena, es decir, se fundó Yakutsk. Familias enteras de campesinos, militares y habitantes de la ciudad viajan aquí a través de la región de Yenisei. Estos son los residentes de Ustyuzhan, los residentes de Kolmogorsk, los residentes de Belozersk, los residentes de Mezen, los residentes de Usoltsy, los residentes de Pinezhan, los residentes de Vologda, los residentes de Vazhan y otros.
A finales de siglo ya había 39 pueblos rusos a orillas del Lena. Entre sus comerciantes “invitados de fuera de la ciudad” se encontraban Stepan Filippov de Veliky Ustyug, Nikandr Borodin de Moscú, pero aparentemente muchos otros. Una colección privada contiene un peine rectangular, como es habitual, con dientes frecuentes y raros en los lados horizontales, decorado en la parte central con una viñeta y el monograma del propietario, tallado en bajo relieve.
Uno de los objetos más antiguos datados actualmente es un peine rectangular tallado del año 1743 de la colección del Museo Estatal de Historia de Moscú. La inscripción por sí sola testifica claramente a favor de la artesanía rusa o habla de su influencia inusualmente fuerte en el tallador Yakut. Los nombres escondidos detrás de las primeras letras de los monogramas, por regla general, no se pueden descifrar. Pero las figuras del león y del unicornio nos recuerdan inmediatamente a imágenes típicas del arte ruso.
Siglo XVII. La iconografía de esta imagen heráldica se remonta al relieve de la puerta de la Imprenta de Moscú. Desde su aparición, el león y el unicornio se han convertido en un motivo constante en el diseño decorativo de tinteros de cobre, productos de plata y cobre tallados, grabados y cincelados. “Estas imágenes”, como señala V. Vasilenko, “penetraron en Rusia desde Oriente u Occidente antes, en la época feudal, tenían un significado simbólico, que se interpretaba de diferentes maneras. Muchos de ellos, como la imagen del grifo, resultaron ser cercanos.
a una persona rusa. Eran invariablemente criaturas benévolas, protectoras y protectoras”. Los cortadores de huesos de Yakut transforman unicornios y leones en animales muy similares a los caballos bajos y fuertes, cuyo tipo existe hasta el día de hoy en Siberia. Existe un método curioso para representar la melena de un unicornio, que recuerda a una hoja ovalada, ancha y algo alargada, con un corte, y la melena de un león muy a menudo puede compararse con los pétalos de alguna flor, por lo ornamental que es su diseño en tallado. Un ejemplo típico es uno de los peines de hueso tallado que representa a un unicornio de pie en una postura tensa, como si esperara el avance de un enemigo. Está rodeado de ornamentos foliados y la integridad del diseño se combina bien con la solución del bajo relieve y su riguroso procesamiento. Tanto esta como otra historia de cuento de hadas con Polkan hablan de una estrecha conexión con el arte ruso. En algunas crestas de huesos se puede encontrar la imagen de dos figuras opuestas de un jinete y un centauro. Para el arte del norte de Rusia, esta composición era bastante común en el siglo XVII y principios del XVIII, especialmente en pintura popular. En ataúdes y reposacabezas hechos por artesanos de Veliky Ustyug, entre exuberante follaje y flores, la lucha entre el fantástico Polkan y el héroe ruso es una composición frecuente. Se interpreta como una trama de cuento de hadas con una connotación simbólica: un héroe en la lucha contra un enemigo formidable y feroz, que personifica a los enemigos externos del Estado ruso. En la cresta de Yakut, un cosaco con una lanza y un sable lucha con el centauro Polkan, el elemento divisorio entre ellos es el ojo que todo lo ve, un triángulo con un ojo en el centro. El fondo de las dos figuras en relieve es una malla oblicua. El principio mismo del tallado en profundidad demuestra el conocimiento de los diversos trabajos de los talladores de hueso de Kholmogory. ¡Se puede explicar por qué esta imagen de un centauro, llamada el cuento de hadas ruso Polkan, echó raíces en el suelo de la creatividad artística Yakut!” similitud de imágenes folclóricas. Lo más probable es que la imagen de un centauro combinara la forma pictórica más antigua con una forma folclórica y, por lo tanto, entró tan fácilmente en el tallado de huesos entre los Yakuts. Esto debe verse como una manifestación de influencia cultural, un enriquecimiento de las formas locales de arte decorativo. Una serie de obras similares debería incluir una caja semicilíndrica con imágenes talladas puramente de género tomadas de artefactos óseos rusos. Toda la caja está hecha mediante la técnica del tallado, sólo el fondo está hecho de una pieza de hueso lisa y sólida. El motivo principal de la talla es una escena de la fiesta del té. En uno de los lados, el tallador de huesos representó una mesa con un samovar, damasco y una tetera. A los lados de la mesa, dos mujeres se sientan en sillas de respaldo alto y beben té. A los lados de la fiesta hay dos casas de forma original con una ventana que se abre y un techo en forma de inflorescencia de paraguas invertida de una planta exótica. En las paredes semicirculares laterales el maestro talló aves de presa Al parecer, las águilas son una imagen totémica típica de los Yakuts, una de las más veneradas. Si la escena de la fiesta del té habla de origen ruso, entonces el resto de elementos son característicos de la cosmovisión artística de Yakut.
Al llegar a Yakutia en la década de 1630, los militares de los zares de Moscú encontraron allí una nación yakuta establecida con una estructura económica, una vida social y una religión definida características. Los Yakuts se caracterizaban por un culto chamánico y creencias totémicas. Cada clan tenía su propio patrón sagrado en forma de pájaro o animal. Pero ¿por qué el águila, “toyon-kyil”, el pájaro maestro, personificaba a la deidad suprema de la luz, el regenerador de la naturaleza? Y no es casualidad que en muchas de las terminaciones de subchasis, en tallas voluminosas, el águila esté muy a menudo en el centro de la composición ornamental.
Cabe señalar que el águila, el halcón y el halcón eran bien conocidos por las antiguas tribus de Altai; la imagen de estas fuertes aves desempeñaba un papel importante en su mitología y arte. Les encantó especialmente la imagen del buitre. Se encuentra en la mayoría diferentes materiales, a veces en un sentido convencionalmente esquemático, a veces en un sentido realista. La imagen más antigua de esta ave se remonta a los siglos VII-IV a.C. e., es decir, es el más estable en la creatividad artística de los pueblos siberianos.
En la colección del Hermitage y del Museo Histórico se encuentran escudos de obispos con atributos de autoridad de la iglesia; en esta original composición decorativa también aparecían las águilas familiares de los Yakuts. En huesos del norte de Rusia sólo se han conservado unos pocos peines similares, aparentemente rituales.
El tema favorito de los talladores de huesos de Yakut fue el tema de género del siglo, se puede dividir en dos tipos: asociado con rituales y fiestas nacionales y puramente comercial. Destaca especialmente el tema de los rituales chamánicos, que encontró su lugar en una de las obras de 1754. Se trata de un soporte para relojes, que es un soporte-pantalla especial con un orificio redondo y un gancho para colgar un reloj con forma de bulbo. En sí mismo, esto es un elemento de la vida cotidiana de un habitante de una ciudad adinerada. No podrían haber aparecido entre la población campesina, pero entre la gente del pueblo, los industriales y los servicios, sin duda existía tal objeto. En el diseño artístico del podchasnik se puede distinguir fácilmente el estilo del tallado de Kholmogory; tal vez fue tallado por un maestro del norte de Rusia. La ejecución es demasiado técnica, el tallado ornamental y argumental es demasiado específico en su diseño. Detrás de todo se puede sentir la gran experiencia y las habilidades tradicionales del arte. Además, es poco probable que los artistas Yakut de los años 60 del siglo XVII pudieran violar tan rápidamente los pactos de las viejas creencias.
Con la cristianización se introdujeron nuevos elementos decorativos en la escultura tallada en hueso, entrando en combinación natural con los totémicos previamente aceptados. En base a esto, es poco probable que el tallador de huesos Yakut hubiera decidido dar una composición detallada del ritual chamán. Mientras tanto, la figura de un chamán con una pandereta en las manos se da en toda su altura, se determina la plasticidad del movimiento, que es realzado por el adorno. Tres y dos se sientan a cada lado del chamán, participan en sus acciones, en alguna danza particularmente significativa. Los bailarines "Bitikhiter" eran los asistentes del chamán, ayudaban en la lucha contra los espíritus. Una interesante talla se encuentra en la parte superior, encima de la escena de la trama, tan característica de la vida de los Yakut en el pasado. Sobre el agujero redondo hay dos figuras aparentemente flotantes que sostienen una corona estrictamente en el centro. Aún más arriba, en la cresta del reloj rectangular, hay una fecha, un corazón en relieve y una figura final de un águila con las alas extendidas.
El pájaro orgulloso y valiente entró en la mitología, las creencias y el arte antiguos de Yakut. El empeño en conservar imágenes mitológicas trajo al siglo XIX el tallado en hueso de la figura de esta ave en su forma más tradicional. El diseño general del podchasnik y la técnica de tallado son característicos de los maestros rusos del tallado de huesos, pero la trama habla de la fuerte influencia de la cultura local con sus rituales específicos en los talladores de huesos. Esta influencia fue, por así decirlo, el comienzo de un proceso que condujo a la formación de la escuela Yakut de tallado de huesos en el siglo XIX. Por lo tanto, en cajas y ataúdes de hueso tallado se pueden ver todo tipo de escenas de género, así como los preparativos para el festival de primavera de los kumis Ysyakh de Yakut. Esta festividad fue descrita en detalle por primera vez a principios del siglo XIX por uno de los decembristas exiliados, el famoso escritor L. Bestuzhev-Marlinsky. "Ysyakh" iba acompañado de todo tipo de juegos, bailes, carreras y luchas, y les gustaba representarlo en diferentes versiones. En muchas composiciones, los talladores incluyeron imágenes de yurtas de invierno y verano, árboles, grandes vasijas para almacenar kumys, personas distribuyendo y recibiendo un cubo de kichorona para probar la bebida recién preparada. La fiesta de primavera para los criadores de caballos Yakut era una de las más importantes y tenía un carácter ritual. En general, la actitud hacia el caballo fue particularmente respetuosa, lo que se reflejó en los rituales, las obras de arte popular oral y el arte del tallado en hueso. El culto al caballo persistió hasta finales del siglo XIX. L. Yakunina hace una entrada interesante en su obra: “Las yeguas y los caballos alguna vez fueron nuestras deidades.
En el siglo XIX, los pastores yakutos aún no conocían una vida sedentaria plena. Por lo tanto, dos veces al año necesariamente pasaban de los caminos de invierno a los de verano, cambiando su residencia permanente; el pastoreo les dictaba sus condiciones. Esto explica su actitud hacia el caballo, hacia el “serge” como objeto estrechamente relacionado con él. El poste sagrado fue instalado en el nuevo hogar de los jóvenes; Cerca de ella, los padres bendijeron a su hija-esposa. En varias crestas hay composiciones en las que el poste de enganche juega un papel importante. Un ejemplo sería un peine con una composición detallada de escenas de orden muy diferente. En un campo rectangular, en la parte superior, hay una inscripción: “Yakutsk 1843”. En el centro, entre el terreno montañoso, hay una yurta, al lado hay una tinaja para kumiss. Una mujer está junto a él y le entrega una taza de kumiss a un niño. Detrás de ella, en el lado derecho de la yurta, hay otra tinaja de kumiss. El lado izquierdo de la composición está equilibrado por una imagen bastante grande de un jinete con un niño sentado detrás de él. Es curioso que el caballo todavía esté parado en la correa, en el poste de enganche tallado, pero parece caminar con los pies, el cortador de huesos ha marcado el ritmo del movimiento. Este ritmo continúa en el diseño plástico de los montículos, la yurta redondeada y la línea ondulada desigual del borde superior de la enorme vasija con una capa a la derecha. A lo largo del borde de todo el rectángulo, el maestro colocó como marco un brote de hoja caduca interpretado de manera muy convencional. Cuya claridad, casi geométrica, contrasta con el ritmo y el plan de la composición general de la trama. En el reverso de la peineta hay una danza femenina "osuokai": cinco mujeres con ropas elegantes y bordadas están de pie frente al espectador, a la izquierda la figura está de perfil, a la derecha hay una mujer con un cuenco en la izquierda. En su mano derecha hay un cucharón para verter kumis de un recipiente. La estricta composición está ejecutada con claridad. La confianza de la mano del tallador de huesos era evidente en sus habilidades interpretativas. El carácter gráfico de la línea va bien con el relieve plano, que está suficientemente modelado, se resaltan y especifican todos los detalles necesarios.
todos los artículos. Aquí no hay imágenes ni símbolos abstractos, todo se interpreta de forma bastante realista. Comparado con otros peines, éste destaca por sus indudables ventajas en cuanto a diseño plástico y compositivo-rítmico. Hay información de que este peine perteneció al decembrista I. Yakushkin, fue condenado a muerte, reemplazado por veinte años de trabajos forzados, luego algo reducidos. Desde 1835, Yakushkin vivía en un asentamiento en Yalutorovsk, provincia de Tobolsk (ahora región de Tyumen). Al parecer, el peine de hueso tallado es una reliquia familiar y, por lo tanto, su hijo, un etnógrafo, lo conservó para la posteridad.
Los contactos amistosos que surgieron entre los yakutos y los colonos rusos en Siberia recuerdan a un peine de 1844 que representa una escena de agasajo a un huésped. Un yakut vestido con ropa de piel nacional y un choron en la mano recibe a un ruso, aparentemente un militar, ya que está vestido de uniforme. Se sientan uno frente al otro, hablando. La escena se sitúa en el contexto del interior. El artista representó el edificio en sección. A la derecha hay mujeres bailando. El reverso del peine muestra viviendas de los Yakut y varias estatuillas. Los edificios residenciales de los Yakuts son de indudable interés. Un camino de invierno es una casa de madera, una yurta, hecha de alerce, en forma de pirámide cuadrangular truncada con un techo a dos aguas, bastante plano. Su forma más antigua es una caseta, con las obligatorias tres ventanas cubiertas con vejiga de pescado o mica. Los caminos invernales existieron hasta mediados del siglo XIX. La casa de verano era urasa, una estructura en forma de cono hecha de corteza de abedul y postes. A los talladores de huesos de Yakut les encantaba incluir estos edificios en sus composiciones. La cresta de 1844 muestra exactamente este tipo de edificio. Además, el tallista logró crear una especie de estricto ritmo compositivo del boceto. Parecería que el carácter estático de los edificios no puede proporcionar la imagen emocional deseada en un espacio reducido. Pero esto sucedió gracias a la introducción de pequeñas figuras de personas, un modesto indicio del paisaje. En general, el tallado en peine atrae por su sencillez relajada, composición natural y buena artesanía.
Si la caja de la colección Hermitage, marcada en 1742 con el monograma "KITD", está decorada con un fino adorno, debajo del cual se coloca un plano de lámina, que recuerda inusualmente a los productos de hueso corrugado de los maestros de Kholmogory del siglo XVIII - principios Siglo XIX, luego en la placa (detalle de la caja) con un esquiador y perros montando corriendo bajo las extendidas ramas de un cedro, esta conexión es imposible de encontrar. Aquí, como en muchas otras composiciones sobre peines y platos, se ve claramente la independencia y originalidad del pensamiento artístico de los talladores de huesos de Yakut.
Conviene prestar atención a la caja fechada 18(i(J), en cuya tapa se concede el lugar central al mensajero. Lo principal que destaca es el característico sombrero de copa alta, una voluminosa bolsa con despachos, una estatuilla doblada hasta el cuello de un caballo al galope, detrás del cual ya hay un hito con la inscripción: "Correo". La escena sencilla, pero vitalmente veraz, tiene un impacto emocional. Un jinete de carreras, un cochero ruso (es decir, los rusos se dedicaban a ser cocheros en la zona de Siberia): se trataba de una figura notable, y el artista la introdujo en su arte. Las composiciones en las paredes laterales del ataúd también son una completa verdad de la vida. Reproducen las escenas principales de la festividad " Ysyakh" - beber kumis de un choron, donde tres hombres pasan junto a un barco según la costumbre de la hermandad; una escena de una lucha nacional entre dos hombres semidesnudos; transporte de carga en una canoa; danza folclórica femenina "Osuokai", cuando todos se paran en fila, entrelazando las manos, en una sola línea y se mueven lenta y rítmicamente. Es de destacar que las imágenes en relieve están dadas sobre una malla oblicua, debajo de la cual se coloca una lámina azul. Y esto nuevamente reveló un rasgo que provenía de los talladores de huesos de Kholmogory: el amor por la saturación de color del trabajo de tallado de huesos.
La escena de caza de uno de los guardias es sorprendentemente elegante y sencilla de componer. En la parte inferior de la placa rectangular con un orificio redondo para el reloj hay una imagen de un cosaco, a cuyos lados hay árboles. Sus ramas, al elevarse, crean la base para la escena de caza. En el bosque se representan no una, sino dos escenas: a la derecha, un cazador con una pistola dispara a un ciervo, junto a él hay un perro; a la izquierda hay una figura arrodillada de un arquero disparando al mismo ciervo. Un ligero adorno floral y un patrón de malla inclinada ayudan a imaginar una división de la espesura de la taiga, el borde del bosque por donde corría un ciervo. Dejemos que una imagen convencional pero esencialmente verdadera, vista en vida, sea transformada por el artista en una imagen artística concreta.
Hay otra imagen interesante en la composición de este sub-cazador. En la cornisa superior, en el centro, se encuentra la llamada "rueda de la ley", símbolo de las enseñanzas budistas. Y esto no es un accidente. Teniendo en cuenta el origen de los Yakuts de la región de Baikal, se puede suponer que este elemento artístico fue introducido desde la cultura de los pueblos vecinos, porque el budismo todavía existe entre la población buriatia.
Desde el punto de vista composición general y la ejecución técnica es una de las cosas integrales e inusualmente hábiles. La lógica de la disposición de los motivos pictóricos, su proporcionalidad con la ornamentación, la hábil colocación en el plano, todo habla de la gran habilidad del artista que cortó esta estructura de hueso.
Del arte oriental, las figuras de leones, generalmente acostadas en una pose tensa protegiendo a la bestia, penetraron de manera especial en el trabajo de los talladores de hueso Yakut. Al mismo tiempo, en los relieves de las capillas hay leones, cuya apariencia se acerca más a los leones de madera de nabo que adornan los frisos de las chozas campesinas de la región del Volga en el siglo XIX. El replanteamiento y el procesamiento creativo de lo percibido es sin duda característico de los talladores de huesos de Yakut, como lo demuestran las obras de arte decorativo y aplicado creadas por sus manos, y esto también contribuyó a una cierta síntesis exitosa de motivos decorativos en las obras de arte de tallado en huesos. . Prueba de ello son una serie de ataúdes ceremoniales, algo eclécticos, pero de considerable interés por muchos motivos (colección del Hermitage Estatal), uno de ellos de forma rectangular, decorado con esculturas de cuatro leones recostados y un jarrón con una exuberante ramo de flores y un águila bicéfala en el centro - fechado en el año 1889. Las paredes del ataúd, como la propia tapa, están cubiertas con tallas en forma de patrones geométricos.
Lo más curioso es la procesión que rodea la urna. Sobre una base rectangular, muy cerca de las paredes, se colocan figuras tridimensionales, talladas de forma bastante primitiva, pero expresiva. La composición comienza con un trineo tirado por perros, detrás de él se encuentra la figura de un cazador con una liebre detrás, en la cabeza del Yakut hay un tocado hecho con un cráneo de ciervo, vuelto hacia atrás; luego un trineo con un niño y un perro sentados en él, detrás de ellos un yakut con un tocado ritual hecho con una calavera de ciervo, detrás de ellos un perro y un cazador disparando a un oso, detrás de ellos un tiro de renos con un conductor, con un cráneo de ciervo en el trineo y, finalmente, una figura yakuta completa la procesión montada en un ciervo. Evidentemente, se revela al espectador alguna procesión ritual importante, asociada a buenos deseos de éxito en la caza.
Teniendo en cuenta el propósito especial de este tipo de ataúdes, en ellos, como punto focal, se concentraba todo lo que los talladores de huesos de Yakut habían dominado y todo lo que era característico de ellos. Las técnicas técnicas de talla, la composición de la composición, la concentración de la atención del espectador en lo principal, las inscripciones dedicatorias: todo habla de un dominio completo y fluido de las técnicas de la creatividad artística. También se conocen inscripciones dedicatorias en otros ataúdes y cajas. Así, en uno de ellos se puede leer: “1853 Yakutsk en memoria de Ekaterina Jesusovna Vasova”. Las imágenes de las paredes ilustran la festividad de los kumys en diversas composiciones. La combinación de estas tallas temáticas y las inscripciones dedicatorias atestigua la estrecha conexión entre artesanos y clientes, yakuts y rusos. El contacto creativo se evidencia en el tallado de un peine tallado de doble cara, que representa un carruaje con un conductor y un jinete en la calle de una ciudad de Yakut con casas de invierno y farolas. La inscripción “A quien amo doy” enmarca esta sencilla escena de género con una escritura elegante. En su ejecución se observan proporciones, ritmo, equilibrio de masas, una cuidadosa combinación de tallas en relieve y en profundidad, lo que habla de habilidad y dominio de las particularidades del arte del tallado en hueso. En las obras de los artesanos del norte de Rusia sobre hueso, corteza de abedul y otros materiales, estas inscripciones son una adición común.
Es curioso que algunos talladores de huesos Yakut del siglo XIX probaran algún tipo de modelado. El Museo de Arte de Yakutsk alberga una reproducción de un fuerte Yakut de ocho torres del siglo XVII, realizada con talladores de hueso en 1867. Al ser un interesante ejemplo de arte tallado, este modelo tiene actualmente valor histórico. Como se sabe, hasta el día de hoy sólo ha sobrevivido una torre de la fortaleza.
El arte del tallado en hueso no puede vivir y desarrollarse sin tradiciones, sin las conquistas ya logradas. Por eso el deseo de conocer lo mejor posible tu arte, en primer lugar, tiene un efecto beneficioso en la búsqueda de algo nuevo. La combinación del conocimiento con el desarrollo de cosas nuevas, con las posibilidades de la propia individualidad creativa, ayuda constantemente en el proceso de desarrollo del arte. Una vez, el pintor francés Courbet expresó sucintamente la esencia de lo que debería ser la característica de un creador: “saber para poder”. Para él, esto expresaba la esencia de la creatividad en la pintura. Tenemos derecho a enfatizar la veracidad de sus palabras en relación al campo de las artes decorativas y aplicadas, al tallado en hueso. Asimilar lo logrado por sus predecesores significa recibir una base sólida para el desarrollo del arte en la siguiente etapa histórica.
A partir de la transferencia de la experiencia acumulada por los maestros más antiguos a los jóvenes, tanto en Kholmogory como en Yakutsk revivieron grupos creativos de artistas dedicados al tallado de huesos. En las décadas de 1930 y 1940, ya se formaron escuelas soviéticas, donde trabajaban talentosos talladores de huesos. Su trabajo, dedicado a reflejar la realidad soviética, se basó en el dibujo realista, que combinaron con técnicas artísticas tradicionales de talla. Actualmente, los talladores de huesos en Kholmogory están unidos en el colectivo de la fábrica artística de tallado de huesos que lleva el nombre de M.V. Lomonosov, y en Yakutsk hay una fábrica de souvenirs "Sardaana", fundada en 1969. La fecundidad del estudio de la cultura y el arte nacionales aporta un éxito indudable a los talladores de huesos. Su trabajo está en constante evolución, mejorando técnica y estéticamente.

El Buró. Cañón de Pomerania de mediados del siglo XVIII, obra de L. Khorkov, frasco de pólvora de los siglos XVII-XVIII. Principios del siglo XVIII Frasco de polvo, primera mitad del siglo XVIII
Podchasnik. Primera mitad del siglo XIX

Los productos fabricados con huesos de animales suelen situarse al mismo nivel que los fabricados con metales preciosos debido a la calidad del trabajo realizado y al coste del material. Cuanto más natural se ve la figura y cuanto más cuidadosamente se procesan sus pequeños detalles, más valioso se considera el tallado en hueso.

Historia del oficio

El trabajo con huesos ha recorrido un largo camino históricamente, concretamente talla de hueso se convirtió en una de las primeras actividades humanas. Con el tiempo, gracias a la artesanía popular, la gente comenzó a recibir no solo herramientas: agujas, alfileres, botones, mangos de herramientas, puntas; los productos también comenzaron a cumplir una función decorativa. Así, los artículos domésticos de hueso comenzaron a decorarse con intrincados patrones y recortes. Además, aparecieron joyas en forma de collares, pulseras, pendientes, anillos y horquillas.

Cada nación ha conservado características especiales del tallado en hueso en forma de motivos únicos. En Rusia, se trata del tallado en hueso de Kholmogory, formado históricamente en el distrito de Kholmogory de la región de Arkhangelsk.

Las tradiciones del tallado estampado en estilo Kholmogory se formaron a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Las principales características del tallado de Kholmogory son los patrones que abundan en él:

• adorno tallado con agujeros pasantes;

• composiciones de tramas en relieve;

• grabado multicolor de elementos;

• colocando papel de aluminio de colores debajo del adorno.

Como regla general, los artesanos usan hueso de mamut o morsa como base, pero si no es posible comprar materiales tan caros, usan huesos de animales: vacas o caballos.

Herramientas y materiales

El arte de tallar huesos y cuernos requiere la presencia de herramientas especializadas, sin las cuales es imposible un procesamiento cuidadoso del producto. Estos incluyen taladros y buriladores: herramientas de corte especiales con puntas puntiagudas de varias formas, diseñadas para cortar, serrar, raspar, perforar y moler superficies óseas.

Un taladro compacto, destinado al uso personal y no a la realización de pedidos industriales, puede sustituir a muchos dispositivos diferentes; todo depende del accesorio que haya elegido:

• puntas de aserrado rugosas: eliminar las capas superiores innecesarias;

• accesorios abrasivos: funciones de esmerilado y lijado;

• boquillas finas y afiladas para resaltar líneas finas;

• boquillas con bolas con un diámetro máximo de hasta dos milímetros, para resolver el relieve de piezas pequeñas;

• cabezales granulares de caucho: pulir la superficie del producto;

• cepillos, materiales blandos - pulir el trabajo.

En algunos casos, puede utilizar la misma herramienta que cuando quema madera: ayudará a crear líneas de depresión cóncavas de color marrón oscuro.

La elección de las herramientas depende completamente del tipo de trabajo previsto y del material que se procesará. P.ej, talla de hueso y el cuerno se fabrica de diferentes maneras: el hueso de algunos animales es más frágil que los cuernos. Al mismo tiempo, los colmillos y los elementos esqueléticos del mamut son igualmente fuertes y se consideran los más duros en comparación con otros.

Como regla general, el tallado artístico de huesos implica el uso de huesos de vaca, caballo, ciervo, alce y mamut. Además, se valora mucho el trabajo sobre los cuernos y colmillos de estos animales.

Puedes comprar astas, huesos, colmillos y colmillos enteros. Pero recientemente ha existido la práctica de vender cortes de sierra en forma de medallones planos o pequeños muñones; con estos espacios en blanco se pueden crear pequeñas figuras, artículos en miniatura, broches y colgantes.

Preparar el hueso para el trabajo.

Los huesos de mamut y morsa son materiales muy caros y, además, bastante difíciles de conseguir. El hecho es que las morsas están protegidas por varias organizaciones ambientalistas y la cantidad de restos de mamut encontrados disminuye cada año más rápido.

Por estas razones, se recomienda a los artesanos novatos que opten por materiales fácilmente disponibles. Por ejemplo, sería bueno estudiar los huesos de vaca y caballo, que se pueden encontrar fácilmente en cualquier mercado de alimentos a un precio asequible.

Dicha compra será solo una preparación para el próximo trabajo: debe prepararse quitando las frágiles telas tubulares y eliminando manchas y grasa.

• Corta los extremos de los huesos que sostienen las estructuras cartilaginosas.

• Limpiar la pieza de trabajo por dentro y por fuera.

• Ahora necesitas cocinar el material durante media hora; la grasa irá saliendo gradualmente del hueso.

• Enjuague las piezas bajo el grifo y cocínelas nuevamente, pero en agua limpia. Al mismo tiempo, agregue aproximadamente medio paquete de carbonato de sodio a la sartén por ocho litros.

• Deje que la sartén vuelva a hervir a fuego lento durante aproximadamente una hora y media.

Retirar la sartén del horno y dejar toda la noche. Se puede repetir un proceso similar al día siguiente con bicarbonato de sodio si deseas blanquear el material y hacerlo aún más fuerte.

Clase magistral: tallado de huesos para principiantes.

A continuación podrá ver cómo, utilizando herramientas básicas, los experimentados artesanos Alexander y Elena Koptelov, cuyo trabajo es conocido mucho más allá de los países de la CEI, tallarán una figura del gato de Cheshire del cuento de hadas "Alicia en el país de las maravillas". Dado que el trabajo requiere mucha mano de obra y el material es caro, los principiantes no deberían repetirlo sin algo de experiencia.

Sin embargo, en esta clase magistral puedes ver claramente talla de hueso— las fotografías del proceso mostrarán los principios básicos del procesamiento de materiales. Esto es exactamente lo que los artesanos novatos deberían practicar, perfeccionando sus habilidades antes de emprender incluso el trabajo aparentemente más fácil.

Cuide el equipamiento de su lugar de trabajo: junto a la mesa sobre la que cortará y desmenuzará el producto, instale una buena campana extractora para eliminar el polvo del trabajo. Todas las herramientas deben estar al alcance y colocadas de manera que no impidan el movimiento durante el trabajo.

Como base, debes tomar un trozo de colmillo de mamut que pese aproximadamente un kilogramo.

• Con un cincel y un martillo, corte las partes que están separadas del cuerpo de la pieza de trabajo por grietas pasantes.

• En la etapa inicial, utilice los accesorios de fresado grueso de un taladro.

• Retire el exceso de la pieza de trabajo y déle el relieve principal.

• Utilice la punta de cogollo reducida para suavizar las zonas ásperas.

• Lije la pieza de trabajo para alisar la superficie.

• Con una máquina especial, recorta la base de la figura. Este proceso también se puede realizar utilizando papel de lija.

• A partir de la cabeza, dibuja las partes del producto con un simple lápiz.

• A continuación, se debe tallar el hueso con una boquilla delgada y afilada: procese las líneas principales de la cara.

• Utilice puntas redondeadas para cortar texturas de superficies lisas.

• Deberías terminar con algo similar.

• Resalta las líneas principales con la boquilla más fina.

• Resuelva los detalles.

• Prepare los ojos y los botones e insértelos en su lugar. Utilice tipos de madera caros, por ejemplo, para combinar con el material principal: el hueso de mamut.

• Utilice almohadillas de goma para lijar la superficie. Recuerde, solo puede trabajar con un accesorio de este tipo a bajas velocidades, de lo contrario "quemará" el hueso.

• Pule la figura con una máquina especial o manualmente.

¡Tu producto está listo! Cubra el trabajo con un barniz sellador para agregar brillo. Si aún no ha decidido cómo elegir su pasatiempo, piénselo: tal vez le convenga una actividad tan interesante y original como tallar huesos.

Finalmente, mira el video, que muestra en detalle el proceso de elaboración de una hermosa flor de hueso.

¡Tómalo tú mismo y cuéntaselo a tus amigos!

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Ya pasó la época en la que decorábamos nuestros interiores con productos estampados y sin rostro. Hoy todo el mundo quiere tener al menos algo único que le dé originalidad y sofisticación. El tallado en hueso es un tipo de arte que crea cosas realmente asombrosas que literalmente fascinan con su apariencia. Parecen atraer tu atención, obligándote a mirar una y otra vez la elegancia de las líneas, examinar el adorno y encontrar trazos cada vez más interesantes.

El tallado de huesos lo llevan a cabo personas muy talentosas y altamente espirituales que pueden revivir este material aparentemente antiestético, aunque muy caro. Las hábiles manos de un maestro transforman el hueso en el encaje más fino, en un adorno único, donde un elemento complementa a otro, donde el final de una línea es la continuación de otra y, en última instancia, todo el producto representa una integridad fundamental.

Probablemente, un impacto emocional tan alto pueda explicarse por el hecho de que el tallado de huesos es un arte muy antiguo. Ha recorrido un largo camino de desarrollo: desde las decoraciones y artículos para el hogar más simples hasta productos únicos en belleza y delicadeza que decoran el interior. El talento y el trabajo de algunas generaciones se multiplicaron por el trabajo y el talento de otras, los logros de creadores anónimos encontraron dignos sucesores en la persona de maestros, cuyos nombres quedaron en la historia. Las técnicas de procesamiento de hueso, establecidas hace mucho tiempo, no cambian en la actualidad.

Existen varios tipos de tallado óseo:

• liso
• en relieve
• de extremo a extremo

El tallado suave es más fácil de hacer y se utiliza para hacer diversos amuletos, pequeñas figuras de animales y personas. El maestro crea huecos utilizando un patrón preaplicado, que luego se resalta con pintura para mayor expresividad. La talla volumétrica implica la creación de productos tridimensionales más complejos que forman grupos escultóricos completos. Y finalmente, para producir las cajas y cofres calados más bellos y difíciles de trabajar, se utiliza la técnica del tallado en hueso en la abertura.

Talla ósea de los pueblos del Norte.

El tallado en hueso de los pueblos del Norte es una de las artesanías populares más antiguas. Los habitantes de Chukotka utilizaron para su trabajo el material más accesible: los colmillos de morsa. Los productos de los artesanos de Chukotka se distinguen por su sencillez y concisión, con un mínimo de detalles. En su mayor parte se trata de numerosos amuletos y productos que se utilizan en la vida cotidiana: varias puntas, cuchillos, arpones. También es interesante su arte del grabado: en los colmillos se crean historias enteras en imágenes.

Los talladores Yakut crean sus obras utilizando tallas caladas, utilizando patrones geométricos. La dirección escultórica está muy desarrollada, caracterizada por una cuidadosa elaboración de los detalles y la construcción según el tipo de trazado.

Los artesanos de Tobolsk crean miniaturas a partir de colmillos de morsa y dientes de cachalote que cuentan la vida y la vida cotidiana de los pueblos del Norte. Entre sus productos se pueden encontrar joyas para mujer, navajas para cortar papel y varios llaveros.

El tallado en hueso de Kholmogory es una de las primeras artesanías artísticas rusas. La región de Arkhangelsk, con su naturaleza dura y hermosa, inspiró a sus talentosos residentes. Los productos de estos maestros son muy reconocibles por su calado único y la ornamentación de numerosos adornos. Ataúdes y ataúdes con la tradicional tapa a cuatro aguas, joyas femeninas, tazas e incluso íconos: todo está decorado con motivos florales y rizos exuberantes que recuerdan a patrones escarchados.

Talla de Khotkovo

El tallado en hueso de Khotkovskaya continúa las mejores tradiciones de los maestros rusos. La ciudad de Jotkov, situada en la región de Moscú, dio su nombre a todo un movimiento de arte de la talla. A diferencia de Kholmogory, el estilo de los talladores de Khotkov es más lacónico y se basa en formas específicas de la naturaleza viva. Los principales productos son cajas y joyas para mujer. Combinación característica en productos. varios materiales– hueso, nácar, cuerno, madera dura.

Características del material para tallar huesos.

Vista productos terminados Depende en gran medida del material que se utilizó para crearlos. Los huesos de todo tipo de animales se someten a una preparación preliminar, se desengrasan, se blanquean y se cortan en trozos del tamaño requerido. El conocimiento de las peculiaridades de su estructura permite al artesano utilizarlos en su producto con el mayor beneficio.

le permite obtener un número ilimitado de opciones de productos. El hueso de mamut es más blando que el de morsa, más fácil de procesar y permite utilizar diversas técnicas, incluido el tallado. De su colmillo se puede sacar una escultura bastante grande. Además, debido a su ubicación en el permafrost, los huesos de mamut se pueden pintar en varios colores oscuros, lo que los artesanos utilizan con éxito con fines decorativos.

No es muy inferior al procesamiento de huesos de mamut. Al crear productos de marfil, también se pueden utilizar adornos calados y tallas en relieve, aunque su blancura requiere una elaboración clara de las líneas en relieve para obtener el mejor contraste de luces y sombras. El marfil no limita la forma de los productos, lo que le permite obtener figuras elegantes de tamaño decente.

Los maestros modernos del tallado en hueso crean sus productos siguiendo las mejores tradiciones de este arte. Las figurillas y ataúdes fabricados hoy en día todavía sorprenden la imaginación por su belleza y expresividad y tienen un alto valor artístico y material.

El tallado en hueso de Kholmogory existe como artesanía desde hace casi cuatrocientos años. Este arte fue practicado por maestros de la ciudad de Kholmogory, ubicada cerca de Arkhangelsk, y de los pueblos circundantes.

Su trabajo se distinguió por su gran habilidad y técnica refinada.

Los mejores maestros de talla fueron reclutados para trabajar en la Cámara de la Armería, que realizaba trabajos para la corte real.

Los maestros talladores utilizaron marfil y tarso de morsa y mamut para su trabajo, creando a partir de ellos tanto artículos de lujo como artículos cotidianos. Los clientes de los artesanos de Kholmogory no eran sólo la corte real, sino también los monasterios y las iglesias.

La primera información de archivo se remonta al siglo XVII. "Kurtsev (Kholmogory Posad) 1622-1626". Entre otras profesiones de los residentes se enumeran los “rosariosistas”: Isachko Trofimov, hijo de Solomatov, “rosariorista” de Molodey, Selivanko Ivanov, hijo de Vydrin, rosarista, Molodechey, etc. La información sobre los Sheshinins Evdokim, Semyon, Ivan, Semyon y Vasily se remonta al siglo XVII. Todos ellos fueron llevados de Kholmogory a Moscú para trabajar en la Armería.

Ataúd Un tallador desconocido de la familia Sheshenin (?). Moscú. Armería (?) Colmillo de mamut de finales del siglo XVII. Calado, talla en relieve 8x 12,5x8,4. El ataúd del Museo Estatal de Historia está formado por tablillas de hueso de hasta 0,5 cm de espesor, decoradas con exuberantes brotes tallados y leones coronados. En la tapa hay un águila bicéfala. El adorno está elaborado con detalles en relieve ligero. Las nervaduras laterales están diseñadas como columnas retorcidas. ¡Las bisagras metálicas rizadas y el cilindro de cerradura sirven como elementos decorativos adicionales!

El siglo XVIII fue un período de desarrollo activo de la pesca. La construcción de la nueva capital de Rusia, San Petersburgo, estuvo acompañada de pedidos para la producción de artículos ricos y elegantes para la corte imperial.

La talla de hueso de Kholmogory alcanzó su mayor florecimiento durante el reinado de Pedro el Grande. En este momento los maestros realizaron una serie. obras unicas, que sirven como ejemplos de diseño artístico y desempeño técnico para los talladores de huesos modernos. Pedro I, habiendo conocido el tallado en hueso de Kholmogory, patrocinó a los artesanos y les proporcionó ejemplos del arte occidental del tallado en hueso. Con la ola de influencias extranjeras llega la moda de los productos óseos. Se generalizaron entre la más alta nobleza. Se entregaron artículos de hueso a personas muy importantes como obsequios memorables. Cabe señalar que los productos óseos estaban constantemente en uso real. Después de la muerte de Catalina la Primera, en los protocolos del Consejo Privado Supremo quedó registrado que las pertenencias personales de la emperatriz se guardaban en dos ataúdes de Kholmogory. No es menos curioso que en las habitaciones personales de Catalina haya dos imágenes de hueso talladas en un marco dorado, así como dos imágenes de hueso en un marco plateado. Esto indica un interés constante por los productos hechos de hueso tallado: cofres, peines, iconos y otros objetos.

Tallador Shubny Yakov Ivanovich Plato decorativo “Genealogía” Kholmogory. 1774. Marfil de morsa, madera, tela Calado, talla en relieve, grabado en color, tapizado 39x41,0x3,5. Museo Estatal de Historia Hay 61 retratos realizados en la placa decorativa “Genealogía”. El marco lleva la firma del tallador en la parte inferior, lo cual es excepcional. Imágenes de atributos militares y barcos que recuerda la reciente victoria de la flota rusa en Chesma en 1770.

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Retrato de la emperatriz Catalina 2 provincia de Arkhangelsk. Década de 1760 Colmillo de mamut, madera, cuero, metal Calado, talla en relieve, grabado Marco: 18,2 x 17,7 Placa: 15,7 x 15 x 0,5. Museo Estatal de Historia Queriendo añadir solemnidad al pequeño retrato de la emperatriz Catalina II, el tallista lo colocó en un magnífico marco hecho con los habituales rizos de "concha" de Kholmogory.

Tazas de hueso con tapa Taza con retrato de la emperatriz Isabel de San Petersburgo (?). 1759-1760 Colmillo de mamut Torneado, tallado en relieve, grabado Alto 29,5; diámetro de la base 9,5 Taller de Copa Dudin Osip Khristoforovich con retratos del Gran Duque Pavel Petrovich, la Gran Duquesa María Feodorovna y la Emperatriz Catalina II de San Petersburgo. 1776 (?) Colmillo de mamut Torneado, calado, tridimensional, tallado en relieve, pintura Alto 32; diámetro de la base 9,6 GIM Desde mediados del siglo XVIII, las copas de hueso con tapa se torneaban específicamente para ofrendas (obsequios); estaban decorados con retratos tallados y el escudo de armas del estado. El tallado volumétrico de las piernas dio singularidad a cada artículo.

Sillín. Siglo XVIII. madera, cuero, hueso, tallado, pintura.

El gran escultor ruso Fedot Shubin comenzó como tallador de hueso y nácar. Cuando era joven, ingresó en un taller de tallado de huesos y luego, siguiendo el ejemplo de su compatriota, en 1759 partió con un tren de pescado desde Kholmogory a San Petersburgo. Lomonosov logró interesar al presidente de la Academia de las Artes por el talento del joven y Fedot fue aceptado para estudiar escultura. Shubin continuó sus estudios en Italia y Francia y fue elegido miembro honorario de la Academia de las Artes de Bolonia.

Al regresar a su tierra natal, Fedot Shubin ganó fama en toda Rusia.
Pero con el paso de los años, el interés se fue desvaneciendo y el maestro cayó en la pobreza, sin dejar de trabajar. Las repetidas solicitudes de ayuda al rey no fueron escuchadas, y solo antes de su muerte Pablo le dio un anillo y la Academia no tuvo más remedio que mostrar atención. Le dieron una cátedra y un apartamento con leña, pero su salud se vio minada y murió.

F. Shubin. Retrato de Catalina II. Década de 1780. Hueso. Holmogory. GE.

Cierta etapa en el desarrollo del arte de tallar huesos, iniciada por Shubin, fue completada por Osip Dudin, un hombre educado y amante de los libros. .

San Petersburgo. Maestro Osip Dudin
Alrededor de 1777
Árbol; hueso, papel de aluminio; Talla en relieve y calado, grabado. 94x86,4x39
Colección privada

San Petersburgo. Maestros de Kholmogory.
Medio siglo 18
Madera, marfil de morsa, láminas; talla, pintura
167x80x36
Museo Estatal del Hermitage

La más cara era la fabricación de muebles, cuando la estructura de madera estaba revestida con placas de hueso decoradas con las mejores tallas.

Dudin compró más de una vez juegos de ajedrez de hueso tallado para el heredero del trono real, el gran duque Pavel Petrovich.
En ataúdes ricamente decorados, los patrones oculares y florales se combinaban con un patrón inciso, cuyo diseño incluía tanto motivos florales como variantes de rizos exuberantes que aparecieron en las tallas de Kholmogory de sus estilos oficiales barroco y rococó.

Fue reemplazado por otro maestro del tallado de huesos, Nikolai Stepanovich Vereshchagin. El apogeo de su obra se produjo en 1790-1810. También era originario del distrito de Kholmogory, creció en la familia de un soldado, aprendió a tallar y pronto se hizo famoso. Al igual que Dudin, Vereshchagin combinó en su obra las tradiciones del arte de talla de huesos del norte de Rusia con elementos del clasicismo temprano, lo que indica suficiente erudición y. La cultura del artista, sus contactos con los clientes de San Petersburgo y la corte. Muchas obras del tallador de huesos llegaron al Palacio de Invierno y fueron enviadas al Hermitage Imperial para su almacenamiento. Se conservan varios jarrones decorativos, tallados y decorados con finas tallas y relieves de punta a punta. Uno de estos jarrones fue obsequiado a Catherine P.

Jarrón de taller de Vereshchagin “Estaciones”

Arjánguelsk, década de 1790. Marfil (?), madera, seda

Torneado, calado, tallado en relieve.

En los medallones del jarrón están talladas imágenes de las estaciones, entre las cuales están dibujadas las letras “B”, “L”, “O” y “3” (primavera, verano, otoño, invierno) de guirnaldas de flores.

Todo el volumen se divide en una serie de cinturones ornamentales que conforman el jarrón. La consideración de la forma y la decoración, la pureza de la ejecución indican la alta profesionalidad del artista decorativo, que trabajó en el estilo del clasicismo temprano. Al parecer, en su producción participaron talladores del taller de Arkhangelsk de Prokopiy Stepanovich Vereshchagin, homónimo o probablemente pariente de Nikolai Stepanovich Vereshchagin.

Las imágenes de objetos realizadas con la técnica del relieve se introducen gradualmente en el adorno calado. A finales del siglo XVIII, a los cofres y cajas tradicionales se sumaron secretarios y burós en miniatura, cómodas y cajas de tocador, tabaqueras y peines. Para darle esplendor y brillo, el fondo del adorno calado es papel de aluminio o seda.

A finales del siglo XIX y principios del XX, el tallado de Kholmogory se caracterizaba por la mecánica del tallado completo. El plato presentado al gran duque Vladimir Alexandrovich durante su visita a Kholmogory en 1885, elaborado por Mikhail Bobretsov, se elaboró ​​con esta técnica. El plato se encuentra en la sala de exposiciones del Museo Lomonosov. (lamentablemente no pude encontrar una foto de este plato)

Tallador Bobretsov Mikhail Nikitich Icono “Crucifixión con los presentes” Provincia de Arkhangelsk Segunda mitad del siglo XIX Colmillo de morsa, hueso, madera, tela, papel Relieve, talla calada, grabado 35,2x30x2,5. Museo Histórico Estatal

Cuadro “Adiós al emperador Alejandro 1” Provincia de Arkhangelsk Segundo cuarto del siglo XIX Colmillo de morsa, madera, láminas, tela, papel Relieve, calado, tallado torneado, grabado, pintura, pegado, tapizado 36 x 54,5 x 3,5. Museo Estatal de Historia Pintura "Adiós al emperador Alejandro 1" en técnica de relieve aplicado. Realizado a partir de un grabado de A. Afanasyev, que apareció poco después de la inesperada muerte de Alejandro 1 en 1825.

Escultura “Pedro 1 - el conquistador de los suecos” San Petersburgo (?). Década de 1780-1790 Colmillo de mamut, ébano, madera, tela Volumétrico, relieve, tallado torneado, grabado, pegado 23x19x12. El Museo Estatal de Historia Pedro 1 está representado en el campo de la batalla de Poltava. En la inscripción dedicatoria se le llama “Padre de la Patria”. El tallista creó su composición bajo la influencia del monumento a E. M. Falcone (1782) basándose en el grabado de Daniil Golyakhovsky (1709): colocó la imagen del fondo debajo sobre el soporte.

Icono “Resurrección y 12 fiestas” Provincia de Arkhangelsk Segunda mitad del siglo XVIII Colmillo de mamut, ébano, madera Calado, talla en relieve, tapizado 55x45. Museo Histórico Estatal

Caja para costura San Petersburgo (?). Colmillo de morsa de finales del siglo XVIII, madera, tela, lámina, metal. Torneado, calado, talla en relieve 19x31x25. GIM La caja para costura tiene varios compartimentos para guardar dedales, tijeras y estuches para agujas y carretes de hueso. Estas cajas estaban destinadas a un círculo reducido de conocedores metropolitanos y se distinguían por su pureza estilística.
ejecución

Dispositivo de tinta con monogramas “MZ” “YZ” San Petersburgo Finales del siglo XVIII - principios del XIX. Colmillo de morsa, madera, papel de aluminio, papel. Torneado, calado, tallado volumétrico, tapizado, doblado, pegado 7,5x29x15,8. GIM Bone rara vez se utilizaba para fabricar consumibles de tinta, por lo que un juego de tinta personalizado, que consta de soportes para botellas de vidrio con tinta y arena, así como una caja para bolígrafos, es único a su manera. Se distingue por la pureza de la ejecución de los ornamentos y la alta habilidad del tallado calado.

Cadena de la Orden de San Andrés el Primero Llamado. Arjánguelsk (?). 1819 (?) Colmillo de morsa Calado, tallado en relieve, grabado. Longitud total 88 Eslabones: 7 x 4,5 y 10 x 6,5. Museo Histórico Estatal
La cadena de la Orden de San Andrés el Primero Llamado consta de 21 medallones calados. Estos medallones tallados reproducen fielmente los eslabones de una cadena de orden similar hecha de piedras y metales preciosos.

Como la mayoría de los oficios y artesanías, el tallado en hueso de Kholmogory experimentó una crisis a finales del siglo XIX. La clase de manualidades para formar maestros no produce resultados. Está siendo cerrado. Quedan tres artesanos que preservan las tradiciones del oficio.
A principios del siglo XX, el arte prácticamente dejó de existir, sólo unos pocos maestros continuaron dedicándose a la creatividad.
Perepelkin Maxim Ivanovich, nacido en 1860. De 1885 a 1900 trabajó como director de la clase de tallado de huesos en la escuela Lomonosov. Excelente artesano, dominaba las técnicas de tallado. Con él estudiaron Guryev, Petrovsky y Uzikov, cuyos nombres están asociados con el resurgimiento del oficio en los años 30 del siglo XX. En esta época, los artesanos centraron su atención en los artículos domésticos comunes.

El resurgimiento del oficio comenzó a finales de los años 20 y principios de los 30 del siglo pasado; se abrió una nueva escuela vocacional, donde se capacitaba a jóvenes talladores.

Cuando en 1921 se organizaron cursos para talladores de huesos en Arkhangelsk, la antigua artesanía de Kholmogory casi quedó en el olvido.

En 1929 se inauguró en Kholmogory un centro de formación para el arte del tallado en hueso, que un año más tarde se transformó en una escuela de arte. Sus primeros alumnos crearon un artel en el pueblo de Lomonosovo en 1933, que se convirtió en la base de la futura fábrica de tallado de huesos que lleva el nombre de M.V. Lomonósov.

Carver Sharypina Ustinya Semenovna (nacida en 1918) Marco de fotos “Mundo animal” Colmillo de morsa Talla calada Museo Lomonosov

Carver María Petrovna Sinkova (nacida en 1920) Copa "Norte" hueso de mamut

Carver Tyshova A.N. Marco de fotos “Trip” Hueso de mamut

Entre nuestros contemporáneos, los nombres más conocidos son N.D. Butorin, V.A. Prosvirnin, V.T. Vatlin. Las obras de estos maestros se exhiben en la exposición “Kholmogory Carved Bone”, en la sala de exposiciones del Museo Histórico y Conmemorativo de M.V. Lomonósov. La colección incluye más de 500 objetos expuestos. Los talladores de huesos recurren con atención y sentimiento a las ricas tradiciones históricas del tallado y el grabado, y dominan creativamente no sólo el aspecto técnico del patrimonio. Sólo a través de este camino fue posible desarrollar el grabado óseo. Ejemplos de esta nueva dirección, asociados principalmente con el nombre de N.D. Butorina se presentan en la exposición.

Butorin Nikolai Dmitrievich (nacido en 1934), Artista de Honor de la Federación de Rusia. Jarrón “Balada del Norte”

Copa "Motivos forestales". 1977 Colmillo de mamut Calado, relieve, talla tridimensional

Shtang Anatoly Egorovich (1915-1983) Decoración de mesa “motivos del norte”. Colmillo de morsa Calado, tallado en relieve

Butorin Nikolai Dmitrievich (nacido en 1934), artista de honor de la Federación de Rusia

Jarrón "Océano". 1983 Colmillo de mamut Calado, tallado en relieve

Shtang Petr Petrovich (nacido en 1922)

Ataúd "Hijo de Pomor". 1987 Hueso calado, relieve, talla tridimensional, tintado Museo Lomonosov
El ataúd repite la forma piramidal del monumento de madera a M.V. Lomonosov, erigido en Kurostrov en el siglo XIX. En la tapa del ataúd hay una figura de un joven sentado con un libro, en las laderas hay imágenes en relieve de los paisajes del norte y vistas de San Petersburgo, donde trabajó y vivió el destacado científico.

Rezchik Lavrentiev Nikolay Nikolaevich (nacido en 1962)

Ataúd "Pedro 1". 1981

Hueso calado, tallado en relieve, grabado en color, tintado.

La construcción está asociada con el nombre de Pedro 1. flota de vela en los astilleros Vavchuga, en la margen derecha del Dvina, frente a Kurostrov. Por lo tanto, en los ataúdes y copas de Kholmogory, los retratos de Pedro I siempre se encuentran junto a imágenes de barcos.

Shubny S.A. (nacido en 1970)

Jarrón “300 años de San Petersburgo”. 2003

I.V.Jabarov

Caja

Novoselova Alla Yurievna (nacida en 1956)

Copa "La Flota de Pedro". 2003

Guriev Alexander Stepanovich (1929-1990)

Caja de nabos. 1978

Hueso tallado calado

Jarrón "Rizo". 1980

Hueso tallado calado Museo Lomonosov

Collar de cuentas "Caprice". 1996 Colmillo de mamut Talla calada Osipov Gennady Fedorovich (nacido en 1945), Artista de Honor de la Federación de Rusia

Gagarichev Yuri Veniaminovich (nacido en 1969)
Decoración para el cabello “Rosas”. 2002 Hueso calado, talla en relieve.

Gurieva E.L. Broches "Flores"

Butorin Mikhail Nikolaevich (nacido en 1969) Caja de baño “Tulipanes”. 1996 Diente de cachalote. Talla calada

Osipov Gennady Fedorovich (nacido en 1945), artista de honor de la Federación de Rusia
Ataúd “Canción de Primavera”. 1989 Hueso. Calados, tallado en relieve, tintado. Museo Lomonósov

Osipov Gennady Fedorovich (nacido en 1945), artista de honor de la Federación de Rusia
Caja de nabos. 1995 Colmillo de mamut. Talla calada

Cuadro "Pájaro". 1995 Colmillo de mamut Calado, relieve, talla tridimensional.

Caja de baño “Pájaros”. 2001 Hueso, colmillo de morsa. Talla calada

Cuchillo "Fantasía". 2003 Hueso. Calado, talla en relieve.

Norkin Valery Vladimirovich (nacido en 1975)
Cuchillo para cortar papel. 2002 Hueso calado, talla en relieve.

Escenario "Todos los Santos" Colmillo de mamut Calado, relieve, talla tridimensional.

Portador de mirra "Ayuda a la tierra rusa". 1992 Colmillo de mamut Calado, relieve, talla tridimensional.

Copa "Veliky Novgorod". 1984 Colmillo de mamut. Calado, talla en relieve.

Zachinyaev Nikolay Ivanovich

Icono "Nuestra Señora de Kazán". 1996 Marfil de mamut, hueso Calado, talla en relieve Colección John Wood (EE.UU.)

Fedukhina Olga Valerievna (nacida en 1966) Panagia. 2002 Colmillo de mamut Calado, talla en relieve

Baykova Alla Yurievna (nacida en 1957)
Cuentas y pendientes “Antiguo”. 1994 Hueso calado, talla en relieve.

Katarin Sergey Nikolaevich (nacida en 1970)
Jarrón “Aliento del Bosque”. 1991 Colmillo de Morsa Calado, tallado en relieve

Novoselov Andrey Valentinovich (nacido en 1959)
Jarrón “Ciervo”. 1994 Hueso. Talla calada
Jarrón “Torre”. 1993 Hueso. Talla calada

Vasili Timofeevich Vatlin (nacido en 1956)
Broche "Pájaro".
Peine "En el Jardín del Edén". 1986 Colmillo de mamut Calado, tallado en relieve Museo Lomonosov
Peine "Alegría". 1995 Colmillo de mamut Calado, tallado en relieve Museo Lomonosov
Peine "Encaje". 1996 Colmillo de mamut Calado, tallado en relieve Museo Lomonosov

Vitaly Aleksandrovich Prosvirin (nacido en 1929), artista de honor de la Federación de Rusia

Jarrón "Rowan". 1982 Diente de cachalote Calado, talla en relieve
Florero "Cazador de patos" 1987 Diente de cachalote Calado, relieve, talla tridimensional
Escultura "Caza de osos"

Maklakova Irina Ivanovna
Caja "Las hojas se han ido volando de los álamos". 1994 Diente de cachalote. Calado, talla volumétrica.
Recuadro "Fantasías en el bosque de Año Nuevo". 1995 Diente de cachalote Calado, tallado tridimensional
Casilla “Descanso en vuelo”. 1995 Hueso, colmillo de morsa Calado, talla tridimensional.
Jarrón “Los árboles están durmiendo”. 2002 Colmillo de mamut, hueso Calado, relieve, tallado

Galemsky Mikhail Alexandrovich (nacido en 1959) Pendientes. 1995

Malgin Alexander Anatolyevich (nacido en 1979)
Jarrones “Caza”. 2002 Hueso, madera Calado, talla en relieve

Guryev Alexey Alexandrovich (nacido en 1962)
Decoración de mesa "Caza de jabalí" 2003 Diente de cachalote Calado, talla tridimensional Colección John Wood (EE.UU.)

El tema de la caza es uno de los más populares del arte contemporáneo de Kholmogory. Los maestros recurren tanto a las tradiciones artísticas locales como a los modelos europeos.

Yuriev Alexander Gennadievich (nacido en 1970) Ajedrez. 1994
Hueso Calado, relieve, talla volumétrica, tintado.

La última década incluye la mayor cantidad de obras expuestas en diversas exposiciones en Rusia y en el extranjero, lo que permite presentar claramente el trabajo de destacados artistas experimentados y los pasos independientes de los jóvenes que recién ingresan al arte.

En el pueblo Lomonosovo, en la fábrica artística de tallado de huesos ahora se producen artículos en masa para la venta y artículos temáticos únicos. Se utilizan materiales tradicionales: morsa, mamut y simple hueso de pierna de res. Está creciendo una nueva generación de maestros. La industria nunca envejece. Es joven, tanto en busca de nuevos caminos en el arte como en la constante afluencia de fuerzas creativas jóvenes.