Desde la antigüedad, los platos y otros artículos domésticos hechos de cerámica son ampliamente conocidos en Rusia. Uno de los asentamientos más famosos de Rusia, cuyos residentes se dedicaban a la fabricación de vajillas de cerámica y porcelana, es Gzhel (ahora la ciudad está ubicada en el distrito Ramensky de la región de Moscú). Desde el siglo XVII, e incluso antes, Gzhel ha sido un famoso centro de producción de porcelana y cerámica. Los productos de los artesanos locales se distribuyen por toda Rusia. Cabe señalar que en los viejos tiempos esta ciudad era uno de los centros de los Viejos Creyentes-Sacerdotes. El apogeo de Gzhel se produjo durante las actividades de la Asociación para la Producción de Productos de Porcelana y Loza M.S. Kuznetsov" a finales del siglo XIX y principios del XX.

La formación de la paleta de colores de Gzhel que conocemos se remonta a principios del siglo XIX. Los investigadores señalan que desde la década de 1820, un número cada vez mayor de productos de Gzhel fueron pintados de blanco y exclusivamente con pintura azul. Hoy en día, la pintura azul es un rasgo característico de los productos Gzhel. La popularidad de tales platos resultó ser tan grande que se comenzaron a crear productos similares en otras áreas, pero tenían un adorno azul y blanco similar. También aparecieron muchas falsificaciones.

Los expertos dicen que sólo las obras originales que dieron forma al estilo familiar de Gzhel en los años 80 del siglo XX pueden considerarse productos auténticos de Gzhel. Se trata de obras de artistas como Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleynikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov y otros. Cada uno de estos artesanos pone una firma personal o sello de la empresa donde trabajan el producto. Si el maestro es un empleado de la empresa, sus productos se transfieren al taller de producción con el fin de replicarlos.

Pintura de Zhostovo

A mediados del siglo XVIII surgió un nuevo tipo de pesca en los Urales, donde se ubicaban las plantas metalúrgicas de Demidov. Los artesanos locales comenzaron a pintar bandejas de metal. Es interesante que tales talleres aparecieran en ciudades donde una parte considerable de la población eran viejos creyentes, que todavía tienen casas de oración e iglesias allí. Se trata de Nizhny Tagil, Nevyansk y Vyysk, fundadas en 1722. Así aparecieron las llamadas bandejas Tagil. Los industriales de Demidov, que supervisaban este oficio, estaban muy preocupados por la calidad y el valor artístico de los productos. Para educar y formar personal profesional, fundaron una escuela en 1806. El estilo histórico de las bandejas Tagil se creó gracias a esta escuela y a su maestro más autorizado, un graduado de la Academia Imperial de las Artes V.I. Albíchev.

Se vendieron bandejas Tagil pintadas en todo el país. Comenzaron a intentar producir productos similares en otros lugares. El intento más exitoso fue la organización de la producción de bandejas pintadas en el pueblo de Zhostovo, provincia de Moscú. Las bandejas fabricadas allí se hicieron famosas en la primera mitad del siglo XIX. Desde entonces, este tipo de artesanía recibió el nombre de “pintura de Zhostovo”. Hasta el día de hoy, el arte de pintar bandejas ha sobrevivido sólo en Nizhny Tagil y Zhostovo. La pintura se realiza principalmente sobre un fondo negro (ocasionalmente sobre rojo, azul, verde).

Los principales motivos de la pintura son: ramos de flores, tanto de jardín exuberante como de pequeñas flores silvestres; Paisajes de los Urales o ciudades antiguas. En unas bandejas antiguas se pueden ver personas y pájaros fabulosos. Las bandejas pintadas se utilizan para el propósito previsto (para un samovar, para servir el almuerzo) o como decoración. Según su forma, las bandejas se dividen en redondas, octogonales, rectangulares y ovaladas.

Miniatura Palej

Después de la Revolución de Octubre y el comienzo de la persecución religiosa, los pintores de iconos de Palekh tuvieron que buscar nueva manera ganancias. Así, muchos se volvieron a capacitar como maestros de las miniaturas lacadas. Este tipo de miniatura está realizada con témpera sobre papel maché. Generalmente se pintan cajas, cofres, cápsulas, broches, paneles, ceniceros, estuches para agujas y más. El cuadro está realizado en oro sobre fondo negro. La tecnología original del siglo pasado, que fue utilizada por los primeros artesanos de Palekh en los años 1920-30 del siglo XX, se ha conservado parcialmente.

Los temas característicos de las miniaturas de Palekh están tomados de la vida cotidiana, obras literarias de los clásicos, cuentos de hadas, epopeyas y canciones. Muchas historias están dedicadas a acontecimientos históricos, incluida la revolución y guerra civil. Existe una serie de miniaturas dedicadas a la exploración espacial. Desde principios del siglo XXI, entre algunos maestros que trabajan al estilo Palekh, ha habido una tendencia a volver a temas iconográficos.

La miniatura Fedoskino es otro tipo de pintura en miniatura de laca tradicional rusa. Realizado con pinturas al óleo sobre papel maché. A diferencia de las miniaturas de Palekh, cuyas técnicas provienen de la pintura de iconos, la miniatura de Fedoskino se formó inicialmente como un tipo de arte aplicado, de ahí el estilo de pintura más "práctico".

Las miniaturas de Fedoskino se originaron a finales del siglo XVIII en el pueblo de Fedoskino, provincia de Moscú. Los motivos principales de la miniatura: "troikas", "fiestas de té", escenas de la vida de los campesinos. Los más preciados eran los ataúdes y los cofres decorados con complejas composiciones de múltiples figuras: copias de pinturas de artistas rusos y de Europa occidental.

En el siglo XIX, las miniaturas de Fedoskino tenían principalmente fines decorativos. A mediados del siglo XX, la dirección del autor comenzó a desarrollarse. Las tramas de las miniaturas empezaron a volverse más complejas.

jokhlomá

La pintura decorativa de Khokhloma de Nizhny Novgorod es conocida en toda Rusia. La pesca se originó en el siglo XVII en el pueblo de Khokhloma. Está situado en el territorio del antiguo distrito Semenovsky de la provincia de Nizhny Novgorod, famoso en la antigüedad por los grandes monasterios de viejos creyentes, como los monasterios de Sharpansky y Olenevsky. No es casualidad que en la famosa novela de Andrei Melnikov (Pechersky) los viejos creyentes del distrito de Semenovsky se dediquen a la fabricación de utensilios de madera. También hicimos lo mismo en Khokhloma. Sin embargo, los maestros de Khokhloma se hicieron conocidos en toda Rusia por sus pinturas brillantes e inusuales. Pintaron platos y muebles de madera. Los colores utilizados principalmente fueron el negro, el rojo, el dorado y, en ocasiones, el verde.

Para lograr el color dorado característico de Khokhloma, los artesanos locales aplican polvo de estaño plateado a la superficie del producto al pintar. Después se barnizan y se procesan tres o cuatro veces en el horno, lo que les da un color dorado miel único, que confiere a los utensilios de madera clara un efecto masivo.

Gracias a esta tecnología que crea un color inusual, Khokhloma se ha vuelto popular en todo el mundo. Los platos y cucharas fabricados con este estilo comenzaron a percibirse en el siglo XX como un símbolo de la vajilla nacional rusa.

La pintura de Gorodets apareció a mediados del siglo XIX en el área de la antigua ciudad de Gorodets, provincia de Nizhny Novgorod. Gracias a los esfuerzos de los Viejos Creyentes, Gorodets se convirtió en un centro de construcción naval de madera y comercio de cereales con fama en toda Rusia. Los comerciantes de los Viejos Creyentes donaron sumas importantes para la construcción de iglesias, el mantenimiento de hospitales, orfanatos, la educación pública y la mejora de la ciudad.

La pintura de Gorodets es brillante y lacónica. Los temas principales de la pintura son escenas de cuentos de hadas, figuras de caballos, pájaros, flores, la vida campesina y mercantil. La pintura está realizada con trazo libre con trazo gráfico en blanco y negro. La pintura de Gorodets decoró ruecas, muebles, contraventanas, puertas, cofres, arcos, trineos y juguetes para niños.

eso es lo que dice V.S. Vorónov sobre la pintura de Gorodets:

El estilo de Nizhny Novgorod nos presenta la versión más pura del arte pictórico genuino, que ha superado el marco del cautiverio gráfico y se basa exclusivamente en elementos de la pintura.

pintura mezen

La pintura sobre madera Mezen (pintura palaschel) es un tipo especial de pintura de utensilios domésticos, en particular ruecas, cucharones, cajas y bratines, que se desarrolló hasta finales del siglo XIX siglos en el curso bajo del río Mezen. Desde la antigüedad, estos lugares, como toda la región costera, estuvieron habitados por viejos creyentes. Y desde diciembre de 1664 hasta febrero de 1666, el arcipreste Avvakum estuvo exiliado en el propio Mezen. La rueca con pintura de Mezen más antigua que se conserva data del año 1815.

Los motivos artísticos de la pintura de Mezen se pueden encontrar en libros escritos a mano del siglo XVIII, realizados en Pomerania. Los colores principales de la pintura Mezen son el negro y el rojo. Los motivos principales de los patrones geométricos son discos, rombos y cruces. El objeto pintado se cubrió con aceite secante, que protegió la pintura del borrado y le dio al producto un color dorado.

A finales del siglo XIX, la pintura de Mezen se concentraba en el pueblo de Palashchelye, donde trabajaban familias enteras de artesanos: los Aksenov, los Novikov, los Fedotov, los Kuzmin y los Shishov. A mediados de los años 1960. La pintura de Mezen fue revivida por los descendientes de los antiguos maestros de Palashchel: F.M. Fedotov en el pueblo de Palashchelye y S.F. e I.S. Fatyanovs en el pueblo de Selishche. La exposición de ruecas de Mezen en 2018 fue el primer evento en el recién inaugurado museo que lleva su nombre. Gilyarovsky, en Stoleshnikov Lane en Moscú.

El encaje de Vologda es una artesanía rusa que se originó en la región de Vologda en el siglo XVI. El encaje se teje con ayuda de bolillos (palos de madera). Como artesanía separada con sus propias características, el encaje de Vologda ya era conocido en los siglos XVII-XVIII. Sin embargo, hasta el siglo XIX, la confección de encajes era un oficio casero, practicado principalmente por artesanas privadas. Con la creciente popularidad del encaje de Vologda, se puso en marcha la producción de productos. En el siglo XIX aparecieron fábricas de encaje en las cercanías de Vologda.

Todas las imágenes principales en encaje Vologda entrelazado están hechas con una trenza densa y continua del mismo ancho. Para la producción de encaje Vologda se utilizan cojines, bobinas de enebro o abedul, alfileres y astillas. Un material típico del encaje de Vologda es el lino.

Los temas del encaje de Vologda son muy diferentes: desde adornos florales hasta composiciones con figuras. En el encaje de Vologda se pueden encontrar símbolos populares cristianos y antiguos.

El encaje de Yelets no es menos famoso. Está trenzado con ayuda de bolillos. Este tipo de encaje surgió a principios del siglo XIX en la ciudad de Yelets.

El encaje se distingue por el suave contraste de un pequeño estampado (floral y geométrico) y un fino fondo calado.

Se cree que el encaje de Yelets es más ligero y elegante que el encaje de Vologda.

El encaje de Mtsensk es un tipo de encaje ruso que se teje mediante bolillos.

El encaje de Mtsensk apareció en la ciudad de Mtsensk, región de Oryol, en el siglo XVIII. Esto fue posible gracias al terrateniente local Protasova, que reunió a artesanas de diferentes partes de Rusia y fundó una fábrica, la producción de encaje más grande de Rusia en ese momento.

Rasgo distintivo Es el uso de motivos geométricos. En comparación con el encaje de Vologda, el patrón que contiene es menos denso y rico, como escriben los expertos, más "aireado".

A principios del siglo XVIII aparecieron en la provincia de Vyatka artesanas dedicadas a la confección de encajes. Sin embargo, la producción de encajes no adquirió escala industrial hasta la segunda mitad del siglo XIX. Esta artesanía es realizada por artesanas campesinas. En 1893, en el asentamiento de Kukarka, distrito de Yaransky, provincia de Vyatka, se organizó una escuela zemstvo de encajeras. Las formas de los productos son variadas y a veces inusuales: se trata de chalecos, trenzas de bufandas, cuellos, servilletas con estampados de mariposas, flores exuberantes y lazos caprichosos.

Los productos más interesantes elaborados con encaje de Vyatka se crearon en la época soviética. Estos logros están asociados con el nombre de la famosa artista del encaje, ganadora del Premio Estatal de Rusia que lleva el nombre de Repin Anfisa Fedorovna Blinova. Sus obras se encuentran en la Galería Tretyakov, el Museo Ruso, el Fondo de Arte Ruso y el Instituto de Investigación de la Industria del Arte de Moscú.

En condiciones crisis económica En los años 90 del siglo XX se cerró una fábrica de encajes ubicada en la ciudad de Sovetsk (antiguo asentamiento Kukarka). Recientemente, en 2012, se creó en la ciudad la cooperativa-artel de producción de encaje Kukarskoe, que poco a poco revivió las tradiciones de este antiguo oficio.

La bufanda de plumón de Oremburgo es una bufanda de punto hecha con el exclusivo plumón de cabra de Oremburgo, aplicado sobre una base especial (algodón, seda u otro material).

Esta pesquería se originó en la provincia de Oremburgo en el siglo XVIII. Los productos son muy finos, como una telaraña, pero suelen tener un patrón complejo y se utilizan como decoración. La delgadez de un producto suele estar determinada por dos parámetros: si el producto pasa por un anillo y si cabe en un huevo de ganso.

A mediados del siglo XIX, los pañuelos de plumas se presentaron en exposiciones en países europeos, donde recibieron reconocimiento internacional. Se han hecho repetidos intentos, incluso en el extranjero, de abrir la producción de dicha pelusa a las necesidades de la industria ligera. Sin embargo, no tuvieron éxito. Resultó que para obtener una pelusa tan fina y cálida de las cabras, se necesitan condiciones climáticas bastante duras y una determinada dieta, cuya combinación sólo es posible en el territorio de la región de Orenburg.

A mediados del siglo XIX, en la ciudad de Pavlovsky Posad, comenzaron a producirse bufandas de lana con el llamado patrón impreso, que se aplicaba a la tela mediante formas con un patrón en relieve. Los chales de Pavloposad son tradicionalmente productos negros o rojos con un estampado floral voluminoso.

En los años 70 En el siglo XIX se formó la paleta de pañuelos que nos es familiar y se amplió la gama de pañuelos con motivos florales naturalistas. Las artesanas prefieren imágenes de flores de jardín, principalmente rosas y dalias.

Hasta la década de 1970, el diseño se aplicaba a la tela mediante formas talladas en madera: el contorno del diseño - con tablas - "modales", el diseño en sí - con "flores". Para crear la bufanda se necesitaron hasta 400 superposiciones. Desde la década de 1970, se aplica tinte a las telas utilizando plantillas de malla de seda y nailon. Esto permite aumentar la cantidad de colores, la elegancia del diseño y mejora la calidad de producción.

La costura Krestetsky (o bordado Krestetsky) es una artesanía popular que se ha desarrollado desde la década de 1860 en el distrito Krestetsky de la provincia de Novgorod, habitado desde la antigüedad por viejos creyentes.

La puntada Krestetskaya es la técnica de bordado de puntadas más compleja y que requiere más mano de obra.

El bordado se hacía sobre tela de lino, y los hilos, urdimbres y tramas se cortaban y sacaban de la tela, formando huecos como una malla. Esta tela se utilizó para crear una variedad de patrones y bordados. El bordado de Krestetsk se utilizó para decorar prendas de vestir, cortinas y toallas.

Casting Kasli - productos de arte(escultura, rejas, elementos arquitectónicos, etc.) realizados en hierro fundido y bronce, producidos en la fundición de hierro de la ciudad de Kasli.

Esta planta fue fundada en 1749 por el comerciante viejo creyente Yakov Korobkov, que llegó aquí con su familia desde Tula. Se guió por el decreto de Pedro I, que decía:

Se digna a todos y cada uno, se da la libertad, sin importar el rango y la dignidad, en todos los lugares, tanto en el propio como en tierras extranjeras, de buscar, fundir, cocinar, limpiar toda clase de metales y minerales.

La mayoría de los trabajadores de la planta también eran viejos creyentes que llegaron de diferentes lugares de los Urales, donde la persecución de la antigua fe no era tan notoria.

Las tradiciones de la fundición Kasli (claridad gráfica de la silueta, una combinación de detalles cuidadosamente elaborados y planos generalizados con un enérgico juego de reflejos) se desarrollaron en el siglo XIX. Durante este período, los propietarios de la fábrica reclutaron nuevos escultores, artistas, talladores y modeladores de talento. Los productos de fundición Kasli recibieron el premio Grand Prix en la prestigiosa Exposición Mundial de Artes Aplicadas de París en 1900.

La corteza de abedul ranurada de Shemogodskaya, originaria de la región de Vologda, se ha vuelto especialmente popular. La corteza de abedul, a pesar de su aparente fragilidad, es un material bastante resistente y duradero. Los artesanos de Vologda elaboran una variedad de cestas, platos, accesorios, joyas e incluso zapatos y ropa.

La peculiaridad de estos productos es que los patrones naturales de plantas, hojas y bayas, flores y tallos, animales y personas se entrelazan con el patrón tradicional. Los patrones tradicionales de la corteza de abedul ranurada de Shemogodskaya se graban en láminas de corteza de abedul con un punzón romo y se cortan con un cuchillo afilado, quitando el fondo. A veces se coloca debajo del calado. papel coloreado u otra capa de corteza de abedul; el tallado se complementa con relieve. En el siglo XIX, estos productos recibieron el sobrenombre de “ encaje de corteza de abedul».

En la época soviética, los productos elaborados con corteza de abedul ranurada de Shemogodskaya se consideraban un símbolo del bosque ruso y tenían una gran demanda entre los extranjeros. Al mismo tiempo, se organizó un taller de tallado de corteza de abedul en la fábrica de muebles Shemogodsky (región de Vologda). Y hoy en día, ni una sola feria rusa está completa sin platos de corteza de abedul.

Esta artesanía rusa se originó entre los talladores de madera profesionales de Nizhny Novgorod. Los artesanos utilizan hueso tubular de ganado vacuno como principal materia prima - “ caña" y un cuerno. Además, para la fabricación de tipos de productos caros, más raros y especies valiosas huesos de mamut y morsa.

El tallado en hueso de Varnavin se utiliza principalmente en la fabricación de joyas para mujeres (horquillas, peinetas, horquillas, peines, broches, colgantes, abalorios, collares, colgantes, pulseras, aretes, anillos, sortijas), cofres, cofres, plumas estilográficas, platos decorativos y otros recuerdos.

La peculiaridad de estos productos es su absoluta singularidad e individualidad. Cada artículo está hecho a mano, sin patrones ni sellos.

El tallado Abramtsevo-Kudrinskaya es un arte artístico de tallado en madera que se formó a finales del siglo XIX en las cercanías de la finca Abramtsevo, cerca de Moscú.

Con esta técnica se elaboraban cucharones, platos, jarrones y cajas, así como cualquier elemento de decoración y menaje del hogar. La peculiaridad de estos productos es el predominio de diversos rizos, rosetas, ramitas, teñido y pulido de la madera.

El apogeo de esta pesquería se produjo en el período soviético: entre los años 20 y 40. Los trabajadores del artel "Vozrozhdenie" de Kudrin incluso recibieron encargos de la Galería Tretyakov. Se presentaron productos históricos y modernos al estilo del tallado de Abramtsevo-Kudrin. exposición Internacional en París en 1937. Después del colapso de la URSS, se cerró la fábrica de tallado de Kudrin. Hoy la pesquería se conserva gracias al trabajo de artesanos privados.

La historia del cristal Gusev comenzó en 1756, cuando el comerciante Oryol Akim Maltsov Fundó la primera fábrica de vidrio a orillas del río Gus, en los densos bosques de Meshchera.

Las primeras menciones de la volost de Gussky se remontan al siglo XVII. Cuando se prohibió la construcción de fábricas de vidrio en la región de Moscú debido a la deforestación excesiva, se construyó la primera fábrica de cristal en el pueblo de Gus en el río del mismo nombre, cuyos artesanos fueron traídos especialmente desde Mozhaisk. Así comenzó la historia no sólo de la producción, sino de toda una artesanía popular que continúa floreciendo hasta el día de hoy.

Ahora la planta es famosa principalmente por su vidrio artístico. Los artistas de Gusev, teniendo en cuenta las características del material, le confieren una gran expresividad artística, utilizando hábilmente el color, la forma y la decoración.

Filigrana

La filigrana (o filigrana) es una artesanía de joyería que utiliza un patrón calado o soldado de oro fino, plata, etc. sobre un fondo de metal. cable. Los elementos de un patrón de filigrana pueden ser muy diversos: cuerda, encaje, tejido, espiga, pista, puntada satinada. Los elementos individuales de filigrana se unen mediante soldadura para formar un todo único. La filigrana a menudo se combina con granos: pequeñas bolas de metal que se sueldan en celdas preparadas previamente (huecos). Las vetas crean una textura espectacular y un juego de luces y sombras, gracias a lo cual los productos adquieren un aspecto especialmente elegante y sofisticado. Los materiales para los productos de filigrana son aleaciones de oro, plata y platino, así como cobre, latón, cuproníquel y alpaca. La joyería realizada en técnica de filigrana está oxidada y plateada. La filigrana a menudo se combina con esmalte (incluido el esmalte), grabado y estampado.

Los artículos de filigrana se producían en talleres reales o monásticos. En el siglo XVIII se fabricaban grandes piezas de filigrana y, junto con las piedras, se utilizaban mucho el cristal y el nácar. Al mismo tiempo, se generalizaron los pequeños artículos de plata: jarrones, saleros y cajas. Desde el siglo XIX, las fábricas ya producían productos de filigrana en grandes cantidades. Esto incluye platos caros, utensilios de iglesia y mucho más.

Los centros de trabajo del escáner en la actualidad son:

• El pueblo de Kazakovo, distrito de Vachsky, región de Nizhny Novgorod, donde se encuentra una empresa de productos artísticos que produce productos de joyería únicos utilizando tecnología antigua. tratamiento artístico metal - escanear.
• El pueblo de Krasnoye-on-Volga, región de Kostroma, aquí se encuentra la Escuela de Metalurgia Artística Krasnoselskoye, tarea principal que es la preservación de la artesanía tradicional de joyería de Krasnoselsky: filigrana, esmalte, relieve y más.
• La ciudad de Pavlovo, región de Nizhny Novgorod, donde se encuentra la escuela técnica de artes y oficios populares rusos.

Esmalte

El esmalte es la producción de obras de arte utilizando polvo vítreo y esmalte sobre un soporte metálico. El revestimiento de vidrio es duradero y no se desvanece con el tiempo, los productos esmaltados son particularmente brillantes y de color puro. El esmalte adquiere el color deseado después de la cocción con la ayuda de aditivos que utilizan sales metálicas. Por ejemplo, agregar oro le da al vidrio un color rubí, el cobalto le da un color azul y el cobre le da un color verde.

Esmalte Vologda (Usolskaya): pintura tradicional sobre esmalte blanco. La pesca se originó en el siglo XVII en Solvychegodsk. Posteriormente comenzaron a dedicarse a un esmalte similar en Vologda. Inicialmente, el motivo principal eran las composiciones vegetales pintadas sobre una base de cobre: ​​motivos florales, pájaros, animales, incluidos los mitológicos. Sin embargo, a principios del siglo XVIII se popularizó el esmalte monocolor (blanco, azul y verde). Sólo en la década de 1970 del siglo XX comenzó el resurgimiento del esmalte multicolor "Usolskaya" por parte de los artistas de Vologda. La producción continúa hoy.

También está el esmalte de Rostov, una artesanía popular rusa que existe desde el siglo XVIII en la ciudad de Rostov el Grande, en la región de Yaroslavl. Las imágenes en miniatura están hechas sobre esmalte con pinturas transparentes ignífugas, inventadas en 1632 por el joyero francés Jean Toutin.

Productos de malaquita

La malaquita es un mineral verde con ricos matices que se puede procesar fácilmente. La piedra puede ser de color verde claro a negro verdoso, y la primera artesanía se remonta a más de 10 mil años. Variedades densas de malaquita con buen color y bonito diseño Son muy valorados, se utilizan desde finales del siglo XVIII para revestir superficies planas. Desde principios del siglo XIX, la malaquita se utiliza para crear obras tridimensionales: jarrones, cuencos y platos.

La malaquita se hizo ampliamente conocida fuera de Rusia gracias a los pedidos de la Exposición Mundial de Londres de 1851, preparados por. Gracias a los Demidov, desde la década de 1830, la malaquita comenzó a utilizarse como material para la decoración arquitectónica: la primera sala de malaquita fue creada por orden de P.N. Demidov del arquitecto O. Montferrand en una mansión en San Petersburgo en la calle. B. Morskaya, 43 años. En la Catedral de San Isaac se realizaron lujosos trabajos interiores con malaquita. La malaquita también se utiliza para fabricar joyas. La técnica del revestimiento con malaquita se llama “ mosaico ruso" Se basa en el principio que utilizaron los artesanos europeos para reducir el coste de los productos de lapislázuli en el siglo XVII: placas de piedra finamente cortadas cubren la superficie de un objeto hecho de metal o piedra barata. Esto crea la ilusión de una talla monolítica.

Los cuentos del escritor ruso Pavel Petrovich Bazhov, que comenzó su carrera como profesor en una escuela de la remota aldea de Shaidurikha en los Urales, habitada por viejos creyentes, están dedicados al comercio de malaquita. De ellos el escritor adoptó muchas historias y leyendas interesantes relacionadas con la vida en los Urales y las costumbres folclóricas de la población local.

pintura de madera mezen o pintura palaschel - un tipo de pintura de utensilios domésticos - ruecas, cucharones, cajas, bratinas, que se desarrollaron al principio Siglo 19 en el curso bajo del río Mezen.

La pintura Mezen es una de las artesanías artísticas rusas más antiguas. Sus orígenes se pierden en los lejanos siglos de la formación inicial de las tribus eslavas.

Los objetos están densamente salpicados con un patrón fraccionado: estrellas, cruces, rayas, hechos en dos colores: negro, hollín y rojo, “pintura de tierra”, ocre. Los motivos principales del adorno geométrico (discos solares, rombos, cruces) se asemejan a elementos similares de talla con muescas triangulares.

Entre los adornos se encuentran frisos con imágenes esquemáticas estilizadas de caballos y ciervos, que comienzan y terminan en los límites del objeto. Realizadas en colores negro y rojo, las figuras de animales parecen surgir de un patrón geométrico. Todas las imágenes son muy estáticas y sólo a través de repetidas repeticiones surge una sensación de dinámica.

Las imágenes en la parte posterior de la rueca estaban menos saturadas de ornamentación y más libres en la trama. Aquí puedes ver escenas de género escritas de manera infantil e ingenua: caza, un barco de vapor, los mismos caballos, solo retozando en la naturaleza.

El producto terminado se pintó sobre madera limpia y sin imprimación, primero con ocre usando un palo de madera (vicio) colocado en el extremo, luego se hizo un contorno negro con una pluma de urogallo o urogallo negro y se aplicó un patrón con un pincel hecho de cabello humano.

El objeto pintado se cubrió con aceite secante, que protegió la pintura del borrado y le dio al producto un color dorado.

Pintura de Gorodets- Artesanía de arte popular ruso. Existe desde mediados del siglo XIX en la zona de la ciudad de Gorodets. Pintura brillante y lacónica de Gorodets (escenas de género, figuras de caballos, gallos, motivos florales), realizada de trazo libre con un contorno gráfico en blanco y negro, ruecas, muebles, contraventanas y puertas decoradas.

La pintura de Gorodets tiene su origen en las ruecas talladas de Gorodets, que tenían su propia peculiaridad: un peine y un fondo. Para decorar Donets Gorodets, los artesanos utilizaron una técnica única: la incrustación: se cortaron figuras de otro tipo de madera y se insertaron en un hueco de la forma adecuada. Sobre la superficie clara del fondo destacan en relieve las inserciones de roble oscuro. Así, con sólo dos tonos de madera y una herramienta sencilla, los artesanos convirtieron la superficie del tablero inferior en una imagen real.

Más tarde, los artesanos comenzaron a usar tintes para aumentar la riqueza visual, una combinación brillante de amarillo con roble oscuro, la adición de colores azul, verde y rojo hizo que el fondo fuera aún más elegante y colorido.

La necesidad de aumentar la producción de fondos de hilado impulsó a los artesanos a simplificar la técnica decorativa. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, la técnica compleja y laboriosa de la incrustación comenzó a ser reemplazada por el simple tallado con tinte, y desde la década de 1870, el estilo pintoresco de decoración prevaleció en Gorodetsky Donets.

En las pinturas de Nizhny Novgorod, se pueden distinguir dos tipos: pinturas de Pavlovsk y Gorodets, que se utilizaban para decorar cofres, arcos, trineos, muebles para niños, bases para ruecas y muchos artículos pequeños para el hogar. El estilo de Gorodets se distingue principalmente por su contenido. En las pinturas, la impresión principal la dan las escenas de género. Todas estas imágenes son de naturaleza convencional, de forma muy libre y decorativa, y en ocasiones rozan la caricatura. Así es la vida del campesinado, de los comerciantes, un magnífico desfile de disfraces. Un lugar importante lo ocupan los motivos florales: exuberantes "rosas", pintadas de forma amplia y decorativa. Junto con los motivos realistas de género, en las pinturas de Gorodets también viven imágenes decorativas idealizadas de pájaros y animales.

Hay leones y leopardos exóticos. Especialmente a menudo es la imagen de un caballo o un gallo fuerte y ardiente en una pose orgullosa y guerrera. La mayoría de las veces se trata de imágenes emparejadas, heráldicamente enfrentadas. Los maestros de la pintura de Gorodets aman las flores. Están esparcidos por todo el campo de cuadros con alegres guirnaldas y ramos. Cuando la trama lo permite, los artesanos utilizan voluntariamente el motivo de una cortina exuberante, recogida con un cordón con borlas. La decoración de los motivos se enfatiza por la decoración del color y las técnicas. Los fondos favoritos son el verde brillante o el rojo intenso, el azul profundo, a veces el negro, en los que el color multicolor de Gorodets salpica de manera especialmente exuberante.

La pintura se realiza con pincel, sin dibujo previo, con trazo libre y rico. Es muy diverso, desde un trazo amplio hasta la línea más fina y un trazo virtuoso. El trabajo del maestro es rápido y económico. Por tanto, es muy generalizado, sencillo en sus técnicas y libre en el movimiento del pincel.

Pintura de Zhostovo- artesanía popular de pintura artística de bandejas de metal, existente en el pueblo de Zhostovo, distrito de Mytishchi, región de Moscú.

La historia de Zhostovo y la artesanía de Zhostovo se remonta a principios del siglo XIX, cuando en varios pueblos y aldeas de la región de Moscú del antiguo volost de Troitskaya (ahora distrito de Mytishchi de la región de Moscú) - Zhostovo, Ostashkovo, Khlebnikov, Troitsky y otros: surgieron talleres para la producción de productos lacados pintados a partir de papel maché.

La apariencia de la bandeja pintada de Zhostovo está asociada con el apellido de los hermanos Vishnyakov. En la lista de precios de los Vishnyakov se decía: “Desde 1825 los hermanos Vishnyakov fabrican bandejas de metal lacado, migas de pan, paletas, cajas de papel maché, pitilleras, teteras, álbumes, etc.”.

En 1830 aumentó la producción de bandejas en los pueblos de los alrededores. Aparecieron las primeras bandejas de metal, decoradas con pinturas florales decorativas. Las bandejas de hierro fueron reemplazando gradualmente a las cajas de rapé y otras artesanías de "papel" de los talleres del volost Trinity. La ventajosa ubicación cerca de la capital proporcionó a la pesquería un mercado constante y permitió prescindir de la intermediación de los compradores. Todos los materiales necesarios para la producción se compraron en Moscú. El motivo principal de la pintura de Zhostovo es un ramo de flores.

En el arte original de los maestros de Zhostovo, un sentido realista de la forma viva de flores y frutas se combina con una generalidad decorativa, similar a la pintura popular rusa con pincel sobre cofres, cajas de corteza de abedul, ruecas, etc.

En 1922, en el pueblo de Novoseltsevo surgió el “Novoseltsevo Labor Artel” para producir bandejas de hierro lacado; en 1924, se organizaron en las aldeas el Zhostovo Labor Artel y Spetskustar; en 1925, "Vacifier" y, al mismo tiempo, en el pueblo de Troitskoye, el artel "Own Labor" para pintar bandejas. Todos ellos se unieron en 1928 en un artel especializado "Metal Tray" en el pueblo.

Las décadas de 1920 y 1930 no fueron fáciles en la historia de Zhostovo. Las tendencias comunes al arte soviético hacia la afirmación directa de la modernidad y el realismo llevaron al hecho de que las organizaciones encargadas de la artesanía popular intentaron cambiar la dirección tradicional de su desarrollo e introdujeron en la pintura de Zhostovo muestras de composiciones ornamentales y temáticas creadas por artistas profesionales sin teniendo en cuenta las particularidades del arte local y con rasgos de caballete y naturalismo. Los artistas destacados comprendieron el carácter extraño de tales innovaciones a la esencia misma del arte popular, lograron resistirlas y dirigir nuevas ideas para profundizar la artesanía tradicional. En la década de 1960 comenzó una nueva etapa en la historia de Zhostovo, que continúa hasta el día de hoy.

pintura artística Las bandejas ganaron cada vez más autoridad y popularidad no sólo entre los productos producidos en masa, sino también entre las obras únicas de los principales maestros, que atrajeron cada vez más la atención en numerosas exposiciones en el país y en el extranjero. A lo largo de su historia, las bandejas de Zhostovo han pasado de ser un artículo doméstico a convertirse en paneles decorativos independientes, y la artesanía, que alguna vez sirvió como ayuda para la agricultura, adquirió el estatus de un tipo único de arte popular ruso.

Hoy en día, la pintura decorativa está en auge. Imitan a Zhostovo, tratando de imitar el estilo e incluso los modales de autor de los artistas.

La pintura se suele realizar sobre un fondo negro (a veces sobre rojo, azul, verde, plateado) y el maestro trabaja en varias bandejas a la vez. El motivo principal del cuadro es un sencillo ramo floral en el que se alternan un gran jardín y pequeñas flores silvestres.

Según su finalidad, las bandejas se dividen en dos grupos: para uso doméstico (para samovares, para servir comida) y como decoración. Las bandejas tienen formas redondas, octogonales, combinadas, rectangulares, ovaladas, etc.

jokhlomá- una antigua artesanía popular rusa, nacida en el siglo XVII en la región de Nizhny Novgorod.

Khokhloma es una pintura decorativa de utensilios y muebles de madera, realizada en tonos rojos, verdes y negros sobre un fondo dorado. Al pintar, no se aplica oro al árbol, sino polvo de estaño plateado. A continuación, el producto se recubre con una composición especial y se procesa tres o cuatro veces en el horno, con lo que se consigue un color dorado miel que confiere a los utensilios de madera clara un efecto masivo.

La pintura parece brillante, aunque el fondo es negro. Los colores utilizados son: rojo, amarillo, dorado, naranja, verde, azul y fondo negro. Los elementos tradicionales de Khokhloma son el jugoso serbal rojo y las fresas, flores y ramas. A menudo se encuentran aves, peces y animales.

Se cree que la pintura de Khokhloma se originó en el siglo XVII en la margen izquierda del Volga, en los pueblos de Bolshie y Malye Bezdeli, Mokushino, Shabashi, Glibino y Khryashi. El pueblo de Khokhloma era un importante centro de ventas al que se traían los productos terminados, de ahí el nombre del cuadro. Actualmente, el pueblo de Kovernino en la región de Nizhny Novgorod se considera el lugar de nacimiento de Khokhloma.

Por el momento, existen muchas versiones sobre el origen de la pintura de Khokhloma.

Según la versión más común, se atribuyó a un método único de pintar utensilios de madera "como oro" en la región forestal del Trans-Volga y el nacimiento mismo de la artesanía Khokhloma. Viejos creyentes.

Incluso en la antigüedad, entre los residentes de las aldeas locales, escondidas de manera segura en los bosques desiertos, había muchas "fugas", es decir, personas que huían de la persecución por la "vieja fe".

Entre los viejos creyentes que se trasladaron a Nizhny Novgorod, había muchos pintores de iconos y maestros de miniaturas de libros. Trajeron consigo iconos antiguos y libros escritos a mano con tocados de colores, sutiles habilidades pictóricas, caligrafía a mano alzada y muestras de los más ricos diseños florales.

A su vez, los artesanos locales eran excelentes en el torneado, transmitiendo de generación en generación la habilidad de hacer formas de vajillas y el arte del tallado tridimensional. A principios de los siglos XVII y XVIII, la región forestal del Trans-Volga se convirtió en un verdadero tesoro artístico. El arte de Khokhloma heredó de los maestros del Volga las "formas clásicas" de los utensilios giratorios, la plasticidad de las formas talladas de cucharones y cucharas, y de los pintores de iconos: la cultura pictórica, la habilidad del "pincel fino". Y, no menos importante, el secreto de fabricar utensilios “dorados” sin utilizar oro.

Actualmente, la pintura Khokhloma tiene dos centros: la ciudad de Semenov, donde se encuentran las fábricas de pintura Khokhloma y Semenovskaya, y el pueblo de Semino, distrito de Koverninsky, donde opera la empresa Khokhloma Artist, que une a artesanos de las aldeas de la región de Koverninsky: Semino, Kuligino, Novopokrovskoye, etc. (la fábrica está ubicada en el pueblo de Semino). Por el momento, la actividad de la empresa se ha reducido casi a cero. En el pueblo de Semino también hay una empresa que produce cajas de madera con pintura Khokhloma desde hace 19 años (Promysel LLC).

¿Cómo se crean los productos con pintura Khokhloma? Primero, se golpean con los pulgares, es decir, se hacen espacios en blanco de madera en bruto. Luego, el maestro se para en el torno, elimina el exceso de madera con un cortador y poco a poco da forma a la pieza de trabajo. el formulario requerido. Así se obtiene la base: “lino” (productos sin pintar): cucharones y cucharas, utensilios y tazas tallados.

Después del secado, el "lino" se imprima con arcilla líquida purificada: wapa, como la llaman los artesanos. Después de la imprimación, el producto se seca durante 7-8 horas y se debe recubrir manualmente con varias capas de aceite secante (aceite de linaza). El maestro sumerge un hisopo especial hecho de piel de oveja o de becerro, al revés, en un recipiente con aceite secante y luego lo frota rápidamente sobre la superficie del producto, girándolo para que el aceite secante se distribuya uniformemente. Esta operación es muy responsable. De ello dependerá la calidad de los utensilios de madera y la durabilidad de la pintura en el futuro. Durante el día, el producto se cubrirá con aceite secante 3-4 veces. La última capa se seca hasta obtener una "ligera pegajosidad", cuando el aceite secante se adhiere ligeramente al dedo y ya no lo mancha.

La siguiente etapa es el "estañado", es decir, frotar polvo de aluminio en la superficie del producto. También se realiza manualmente mediante un tampón de piel de oveja. Después del estañado, los objetos adquieren un hermoso brillo blanco como un espejo y están listos para pintar. Las pinturas al óleo se utilizan en pintura. Los colores principales que determinan el carácter y el reconocimiento de la pintura de Khokhloma son el rojo y el negro (cinabrio y hollín), pero también se permite que otros aviven el patrón: marrón, verdes claros y amarillo.

Hay una distinción entre pintura "superior" (cuando se aplica un patrón sobre un fondo plateado pintado (criul es la línea principal de la composición; sobre él se "plantan" elementos como juncos, gotitas, antenas, rizos, etc.) en rojo y negro) y “debajo del fondo” (se dibuja el primer contorno ornamento , y luego el fondo se rellena con pintura negra, el diseño de hojas o flores permanece dorado). Además, existen varios tipos de adornos:

• “pan de jengibre”: generalmente dentro de una taza o plato hay una figura geométrica (un cuadrado o un rombo) decorada con hierba, bayas y flores;
• “hierba” - un patrón de briznas de hierba grandes y pequeñas;
• "Kudrina": hojas y flores en forma de rizos dorados sobre un fondo rojo o negro.

Los maestros también utilizan adornos simplificados. Por ejemplo, el "moteado", que se aplica con un sello cortado de las placas de un hongo, o con un trozo de tela especialmente doblado. Todos los productos están pintados a mano y la pintura no se repite en ningún lado. No importa cuán expresiva sea la pintura, mientras el patrón o el fondo siga siendo plateado, todavía no es un verdadero "Khokhloma".

Los artículos pintados se recubren con un barniz especial 4-5 veces y finalmente se endurecen durante 3-4 horas en el horno a una temperatura de +150... +160 °C hasta que se forma una película de barniz de aceite de color dorado. Así se obtiene el famoso "Khokhloma dorado".

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informe de práctica

Capítulo 1. Pintura sobre madera: historia, tipos de pintura, relevancia.

La pintura artística es el arte de decorar cualquier superficie con pinturas o un pincel. Es uno de los tipos de artesanía popular más antiguos, que durante muchos siglos ha formado parte de la vida cotidiana y la cultura del pueblo. Además, la pintura es también el tipo de arte decorativo y aplicado más popular.

La historia de la pintura sobre madera se remonta a un pasado lejano: cuando la gente aprendió a fabricar objetos y utensilios con madera, quiso decorar de alguna manera su vida y enriquecerla. Se creía que las cosas pintadas ahuyentaban a los espíritus malignos. Las pinturas utilizadas inicialmente eran materias primas habituales en su zona (arcilla, carbón, tiza), por lo que la pintura de cada región sigue siendo única y reconocible.

La pintura sobre madera se puede dividir en tradicional y original. La pintura tradicional se desarrolló en los pueblos. Se caracteriza por la sencillez y la concisión. La pintura original fue realizada por maestros de las ciudades. Estos trabajos se distinguieron por la gracia y el profesionalismo. La técnica de la pintura de la trama se redujo al hecho de que el maestro aplicó un contorno claro del dibujo a la superficie del producto y luego lo pintó en Colores diferentes. Las pinturas se aplicaron de forma muy libre y amplia. El tema de la pintura fue la designación de varios símbolos que identificaban al Sol como símbolo de alegría, al Pájaro como símbolo de felicidad y éxito y al Pato como signo del atardecer.

La pintura sobre madera se caracteriza por dos direcciones principales: gráfica y con pincel. Primero fue la pintura gráfica. Esta pintura se basa en un diseño gráfico lineal. El maestro dibujaba un patrón de hierbas o flores con una línea delgada usando un bolígrafo o un palo. Luego rellenó las figuras con pinturas multicolores. Este tipo de pintura fue dominada hábilmente por los maestros que vivían en el norte de Dvina. Pintaron sus composiciones sobre un fondo claro con pinturas verdes, amarillas y rojas. Pero lo principal aquí era el contorno negro, que delineaba todo el patrón floral: arbustos y flores con grandes hojas talladas.

Otra dirección es la pintura con pincel libre. Esta pintura se basa en la expresividad del trazo pictórico y la mancha de color. Los maestros de este estilo trabajan directamente con un pincel, modelando con color formas vegetales, animales y figuras humanas.

Uno de estos centros de pintura es el conocido Khokhloma. Esta antigua artesanía popular rusa nació en el siglo XVII en la región de Nizhny Novgorod. Khokhloma es una pintura decorativa de utensilios y muebles de madera, realizada en tonos rojos, verdes y negros sobre un fondo dorado. El proceso tecnológico de creación de productos Khokhloma aún conserva los principios básicos que se remontan a los siglos XVII y XVIII. El primer paso es girar torno platos de madera blanca - "lino". A esto le sigue una imprimación: un recubrimiento con una solución de arcilla líquida, seguido de un estañado con plata, estaño y actualmente aluminio. El producto queda liso, brillante y listo para pintar. La pintura aplicada se fija en el horno. Después de lo cual el producto se barniza y se seca en caliente, dependiendo de la composición del barniz. Los productos terminados brillan con un brillo soleado, se vuelven muy duraderos y livianos.

Las artes populares y decorativas se han convertido en una parte integral. cultura artística. Hoy la pintura es una de las tendencias actuales. El valor de las obras de artes decorativas y aplicadas refleja las tradiciones artísticas, la cosmovisión, la experiencia artística del pueblo y preserva la memoria histórica. Las bandejas Zhostovo y las cajas lacadas aportan belleza a nuestras vidas. Las cerámicas de Gzhel, los platillos de Gorodets y los platos pintados con Khokhloma entran cada vez más en nuestra vida cotidiana como obras de arte, preservando la conexión histórica de los tiempos.

Capítulo 2. Historia de la pintura de Gorodets.

Durante la práctica tecnológica, Gorodets dominó la pintura en madera.

Esta pintura tiene su origen en las ruecas talladas de Gorodets, que tenían su propia peculiaridad: un peine y un fondo. Diccionario explicativo de la lengua rusa V.I. Dalia explica que la palabra “fondo” significa “una tabla sobre la que se sentaba una ruleta, clavándole un peine”. Habiendo terminado el trabajo, sacó el peine y colgó la parte inferior en la pared, y decoró la cabaña. Por lo tanto, los artesanos prestaron especial atención a la decoración de los tableros con tallas y pinturas. La rueca fue una fiel compañera durante toda la vida de la campesina. A menudo servía como regalo: el novio se lo daba a la novia, el padre a la hija, el marido a la mujer. Por ello, se eligió la parte inferior elegante y colorida, para alegría y sorpresa de todos. La rueca se transmitió de generación en generación, se cuidó y almacenó.

Para decorar Donets Gorodets, los artesanos utilizaron una técnica única: la incrustación: se cortaron figuras de otro tipo de madera y se insertaron en un hueco de la forma adecuada. Más tarde, los artesanos comenzaron a usar tintes para aumentar la riqueza visual, una combinación brillante de amarillo con roble oscuro, la adición de colores azul, verde y rojo hizo que el fondo fuera aún más elegante y colorido.

La necesidad de aumentar la producción de fondos de hilado impulsó a los artesanos a simplificar la técnica decorativa. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, la técnica compleja y laboriosa de la incrustación comenzó a ser reemplazada por el simple tallado con tinte, y desde la década de 1870, el estilo pintoresco de decoración prevaleció en Gorodetsky Donets.

Una técnica de pintura más libre hizo posible crear nuevos temas y enseñó la belleza de una pincelada libre, permitiendo pintar sin dibujar primero un contorno.

Cada maestro tenía sus tonos de color favoritos y su combinación. Al mismo tiempo, utilizaron técnicas generales para crear una combinación de colores competente. Los maestros de Gorodets supieron crear un equilibrio de manchas de colores en la superficie de un objeto, logrando la unidad de color y la integridad de la pintura.

A lo largo de la historia del oficio, los artistas populares crearon un sistema de pintura original, encontraron imágenes únicas y desarrollaron un rico arsenal de técnicas para pintar los detalles de la trama y los elementos ornamentales. Los artesanos también pintaron sillas y sillas de ruedas para niños. El estilo de Gorodets se distingue, ante todo, por su contenido. En las pinturas, la impresión principal la dan las escenas de género. Todas estas imágenes son de naturaleza convencional, muy libres y de forma decorativa.

Principalovnye tramas y técnicas para su ejecución.nia.

En primer lugar, los maestros retrataron la vida de los campesinos, los comerciantes y un magnífico desfile de disfraces. Un lugar importante lo ocuparon los motivos florales: exuberantes "rosas", pintadas de forma amplia y decorativa. Además de los motivos realistas del género, las pinturas de Gorodets también contienen imágenes decorativas de pájaros y animales. El carácter decorativo de los motivos se realza con la ayuda del color y diversas técnicas. La principal especificidad de la pintura de Gorodets es que los maestros suelen representar los objetos sobre un fondo transparente, mostrando así la textura de la madera.

La pintura se realiza con pincel, sin dibujo previo, con trazo libre y rico. Es muy diverso, desde un trazo amplio hasta la línea más fina y un trazo virtuoso. Inmediatamente antes de pintar, la pieza de trabajo pasó por una compleja etapa preparatoria, que consistió en imprimarla con tiza y recubrirla con pegamento. Y sólo después de este trabajo preliminar el maestro comenzó a pintar. El método de pintar el producto fue interesante: disposición de los colores primarios seguido de un desarrollo lineal. La pintura se complementó con un "renacimiento": un fino corte de formas ornamentales con cal. En las obras de los maestros de Gorodets, las siluetas monocromáticas siempre se aplicaban "renacimientos", lo que les daba cierto volumen.

Variedad de flores representadas.:

Kupavka es la flor más común en el adorno de Gorodets. Su base es de mayor tamaño que el capullo. Pintura base, es decir Movimiento circular con el pincel, aplicando una mancha de color. Por lo general, comienzan a pintarlo con un pequeño círculo a lo largo de su borde y luego hacen un corchete dentro del círculo. Los soportes se dibujan a lo largo del borde de la pintura de base, la misma forma que el soporte dentro de la pintura de base, solo que de menor tamaño. Se dibujan corchetes a lo largo de su borde, comenzando desde el centro, reduciéndolos gradualmente de tamaño hasta el núcleo. La etapa final de la pintura, la revitalización, generalmente se realiza con blanco.

Rosean: tiene pétalos y un centro pronunciado. Silueta en forma de círculo. La talla puede ser más grande que la kupavka. El centro de la flor está dibujado en el medio. La rosa del cuadro de la ciudad está rodeada de ménsulas, pétalos del mismo tamaño cuyo color coincide con el color del centro. La técnica para pintar los soportes es la misma que para el kupavka.

Las opciones de desarrollo para la revitalización son tan diversas que es difícil nombrar incluso las más comunes. Los artistas de Gorodets utilizan puntos, corchetes, gotas y espirales.

Otra flor común es la manzanilla. Técnica: tocar ligeramente la superficie del papel con la punta del pincel, dejando una fina marca en él. Luego, sin levantar la vista del papel, se aplica y levanta rápidamente el pincel. Como resultado, el maestro obtiene un trazo en forma de gota: delgado al principio y ancho al final. Como una rosa, tiene un núcleo, solo se dibujan pétalos a su alrededor.

Las hojas de Gorodets son bastante variadas en forma, tamaño y color. Casi siempre se disponen en grupos de cinco, tres o dos hojas.

El pájaro Gorodets es un símbolo de la felicidad familiar. Los pájaros se representan en varias versiones: un pavo real orgulloso, un gallo engreído y pájaro de hadas. Comienzan a escribirlos con una línea suave que representa la curva del cuello y el pecho, luego se dibuja una línea que define la forma de la cabeza y la espalda, luego se determina la línea del ala, el pico filiforme y las patas. La mayoría de las veces, la carrocería está pintada de negro y el ala está pintada con pintura verde. La cola está escrita de diferentes maneras, por ejemplo, está limitada en ambos lados por líneas que definen su silueta y está pintada. Lo mejor es hacer esto en escarlata. En otro caso, cada pluma de la cola está pintada de dos colores. El desarrollo de las aves comienza con la cabeza y termina con la cola. Los revivales se realizan con cal, aplicando pinceladas finas.

El caballo de Gorodets es un símbolo de riqueza. Es mayormente de color negro, con una cabeza pequeña sobre un cuello muy arqueado y una melena cuidadosamente peinada. Los maestros lo representan de varias maneras. Algunos usan trazos sueltos para escribir el contorno de toda la figura y solo luego pintar sobre ella. Otros construyen la figura de un caballo con manchas de color, comenzando por el elemento vertical más grande: el pecho y el cuello. A ellos se les añaden los contornos del arnés y la silla, la espalda y la parte abdominal del cuerpo. El plano limitado por las líneas del arnés y del sillín sigue siendo ligero en esta versión. La mayoría de las veces, la silla y el arnés están hechos de escarlata, y los detalles de la cabeza y las patas de la cola están hechos de blanco.

Composición en el cuadro de Gorodets.

Todas las obras de arte se crean de acuerdo con las leyes de composición, cuyo incumplimiento o desconocimiento puede conducir a una violación de la armonía.

Para la composición de obras de artes decorativas y aplicadas, lo principal es la unidad de contenido y forma. Otro rasgo ya específico es la correspondencia de la forma de una obra de arte decorativa con su finalidad específica.

En gran medida, la naturaleza de la composición está determinada por la alternancia uniforme de elementos de diseño, lo que contribuye al logro de claridad y expresividad de la composición.

Un patrón organizado rítmicamente se convierte fácilmente en un adorno, la base de la composición. Pero el ornamento no es sólo la repetición repetida de elementos similares de un diseño. Es muy importante un dibujo hermoso y claro de los detalles de la silueta general.

En los fondos tallados que se conservan en los museos, se presenta con mayor frecuencia una composición que representa a dos jinetes sobre caballos encabritados. Los jinetes están colocados a ambos lados de un árbol de flores, desde cuya cima despega un cisne. En las mitades inferiores, los maestros de Donetsk solían representar escenas de género de caballeros caminando con damas, escenas de caza, etc. A finales del siglo XIX. Se ha desarrollado una forma característica de adorno floral con ciertos elementos: capullos, rosas y una flor, que se repiten sin cesar en varias versiones. En el centro del plano compositivo, los artistas colocan la imagen principal: un pájaro, un caballo, una persona, un grupo de personas o un motivo vegetal.

Los artistas populares pintaron los rostros de una manera: en forma de un círculo blanco, en el que sus rasgos están indicados con finas líneas negras. Los peinados tanto para hombres como para mujeres se distinguen por una gran sofisticación, pero solo se usa negro para colorear. Al representar las figuras en sí, se utiliza una combinación de colores uniforme, en la que las principales manchas grandes (faldas, chaquetas, chaquetas, pantalones) están pintadas sin contorno, en forma de una silueta monocromática y colorida. Las flores brillantes y las hojas verdes decorativas siguen siendo los motivos decorativos favoritos en el arte de los maestros de Gorodets, lo que le da al cuadro un encanto especial.

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Cuya historia se remonta al siglo II a.C. e., cuando la gente aprendió a fabricar hierro y, a partir de él, diversos cuchillos, raspadores, sierras y otras herramientas de corte.

Sin embargo, no bastaba con tallar un producto en madera, una persona quería que el resultado de su trabajo se viera hermoso. Así aparecieron las antiguas pinturas sobre madera, primitivas y nada artísticas, pero se produjo el nacimiento del arte. En aquellos tiempos lejanos ya existían pinturas, sólo faltaba aplicarlas correctamente.

Pintura artística sobre madera.

La artesanía popular que existe hoy en día para la fabricación de artículos para el hogar se basa en una variedad de técnicas. Los productos de madera se presentan en varias categorías: en primer lugar, platos y utensilios de cocina. La segunda lista incluye elementos que representan bellas artes. Se trata de paneles pintados, decoraciones de interiores y diversos artículos para el hogar. Y finalmente, la tercera categoría son los muebles de madera de estilo vintage, pintados de un modo antiguo especial. En los tres casos se utiliza la pintura artística sobre madera como tal. El valor de los productos es indudable, ya que en ellos trabajan profesionales.

Variedades

Las pinturas sobre madera son de varios tipos y se diferencian por su pertenencia a una región en particular, así como por su estilo. El dibujo puede ser argumental u ornamental.

Tipos de pintura sobre madera:

• Mezenskaya;
• Poljovskaya;
• Khokhloma;
• Gorodets;
• Palej;
• Severodvinskaya;
• Petrikovskaya

Se enumeran los principales tipos de pintura sobre madera. Cada variedad contiene características de "marca" que le dan al producto un atractivo adicional.

pintura mezen

La pintura Mezen (o como también se le llama, palaschelskaya) es la pintura de artículos domésticos: cucharones, cajas, ruecas, bancos y mesas de cocina. Estas tradiciones artísticas aparecieron en el curso bajo del río Mezen alrededor de 1815.

La pintura de Mezen se compone principalmente de imágenes ornamentadas de habitantes del bosque: ciervos y alces, glotones, zorros y oseznos. Todas las imágenes son impersonales y llevan el sello de la estática. Los frisos compuestos por figuras que se repiten repetidamente, pintadas en colores brillantes, dan la impresión de festividad y lujo desafiante, ya que las coloridas franjas de adornos no encajan con el sórdido mobiliario de una casa rusa. Una rueca primitiva, pintada al estilo Mezen y brillando con colores en un rincón oscuro, solo enfatizaba la desolación del aposento alto.

Palej

La pintura Palekh es un arte popular que apareció en la época prepetrina. En aquella época, el pueblo de Palej en la provincia de Ivanovo era famoso por sus pintores de iconos. Este arte alcanzó su mayor florecimiento a finales del siglo XVIII. Los Paleshan, además de pintar iconos, participaron en la restauración de catedrales e iglesias y participaron en el diseño de las capillas de la Trinidad-Sergio Lavra y del Convento Novodevichy.

Hasta principios del siglo XX floreció el comercio de la pintura Palej; las tormentas revolucionarias de 1905 y 1917 casi destruyeron el bello arte popular. Como después del año 17 todas las iglesias fueron abolidas por representantes ignorantes de las autoridades comunistas, no había nada que pintar y los artistas polacos crearon un artel que producía productos artísticos de madera.

Pronto se creó la primera obra en estilo palekh en un taller de Moscú. En una caja de madera cubierta con barniz negro, Ivan Tsarevich, que salió de los aposentos reales a la libertad, se encuentra con el pájaro de fuego. Todo el cuadro estaba pintado en oro y cinabrio; era imposible apartar la vista del dibujo.

Actualmente, la pintura sobre madera de Palekh es un arte profundamente tradicional, con la única diferencia de que la madera natural ha sido sustituida por papel maché. Ahora los productos con pintura Palekh no solo son hermosos, sino también livianos.

jokhlomá

Una antigua artesanía popular que se desarrolló en los pueblos de la provincia de Nizhny Novgorod en el siglo XVII. El centro se convirtió en el pueblo de Khokhloma, donde se reunían los viejos creyentes, perseguidos por su fe. Entre los colonos hubo muchos pintores de iconos que trajeron consigo exquisitas habilidades pictóricas, escritura caligráfica y muchos ejemplos de diseños florales.

Los residentes locales que vivían en Khokhloma y en las aldeas cercanas conocían las técnicas de torneado de madera, pero no sabían dibujar. Así resultó que los platos de madera, remodelados in situ, fueron pintados por artistas visitantes. Así apareció el arte de la pintura de Khokhloma, que se convirtió en una de las artesanías artísticas más famosas de Rusia.

Los talladores de madera no sólo torneaban platos y platos, sino que pronto aprendieron a tallar cucharas y cucharones, los clásicos “hermanos”. Por lo general, el cucharón tenía la forma de un cisne y a los lados se colgaban una docena de palas. El material era madera de tilo, que por su naturaleza no tiene fibras y se corta fácilmente en todas direcciones.

La pintura de Khokhloma consta de cuatro colores primarios: negro, dorado, rojo y verde. El negro y el dorado se utilizan como fondo, y el rojo y el verde, junto con sus matices, conforman el diseño real. El tema de un dibujo en estilo Khokhloma suele ser bayas de serbal, fresas, diversas flores y plantas a base de hierbas. A veces el artista utiliza imágenes de pájaros, peces y animales pequeños.

talla y dibujo

La artesanía popular rusa (como gorodets o khokhloma) son productos de madera cubiertos con un patrón. Primero, los ebanistas hacen piezas en bruto de madera seleccionada, el llamado "lino", y luego los artistas las cubren con un diseño. El tallado en madera y la pintura en este caso son inseparables: se complementan. El tipo más común de pieza en blanco pintada es la muñeca rusa para anidar. Para su fabricación se utiliza el método de tallado por torneado, en el que el producto se tornea, se pule y luego se pinta. Este souvenir es conocido en todo el mundo y tiene una gran demanda desde hace muchos años.

¿Es posible aprender a pintar sobre madera?

Las artes y oficios populares pertenecen a las bellas artes y requieren cierta preparación, pero cualquiera que tenga paciencia y perseverancia puede dominar los principios básicos de los productos colorantes. Existen técnicas especiales llamadas “Pintura en madera para principiantes”, que incluyen familiarización con el proceso y trabajo práctico. Inicialmente, las clases son de carácter general y, después de adquirir habilidades, puedes pasar a un estilo artístico específico, por ejemplo, Gorodets. En cualquier caso, pintar sobre madera es un proceso creativo fascinante para principiantes.

Métodos de coloración

La madera natural es un material que requiere un procesamiento previo cuidadoso. La superficie a pintar debe ser lisa, sin desconchones ni grietas. La pieza de trabajo primero se lija con lija y luego se recubre con una imprimación especial, que rellena todas las grietas microscópicas y nivela las pequeñas irregularidades. Los defectos más grandes se pueden eliminar con masilla. Después del pretratamiento, la pieza de trabajo debe secarse completamente.

Los productos de arte popular de madera se distinguen por sus colores brillantes e intensos. Los diseños suelen contrastar con el fondo, negro o rojo brillante. Para pintar productos se utilizan pinturas al temple o gouache artístico, que tienen un buen poder cubriente. Los resultados más duraderos se obtienen con pintura acrílica sobre madera, especialmente si el diseño se cubre con barniz nitro transparente en la parte superior. Los productos después de este tratamiento se vuelven resistentes a la abrasión y no cambian de color.

Pintura sobre madera (foto productos terminados presentado en la página) es una variedad Artes visuales, que tiene sus raíces en el pasado lejano, pero vive y prospera en el presente.

Institución educativa presupuestaria municipal

escuela secundaria korsakov

Distrito de Korsakovsky, región de Oryol

PROYECTO CREATIVO

Pintura artística sobre madera.

"Gorodets"

Trabajo completado:

estudiante de noveno grado

Danilina Svetlana.

Gerente de proyecto:

profesor de tecnología

TI Voronina

Korsakovo 2015-11-20

Contenido

Introducción………………………………………………………………………………3

1.Historia de la pintura sobre madera………………………………………………...5

2.Tipos de pintura……………………………………………………………………...8

3. Rueda de colores……………………………………………………………………………….13

4.Banco de ideas y propuestas…………………………………………………………...14

5.Diseño – análisis…………………………………………………………...16

6. Selección de materialesherramientas y dispositivos…………………………..16

7. Tecnología de pintura…………………………..……………………………………19

8.Justificación ambiental………………………………………………………………....20

9.Justificación económica…………………………………………………….21

Conclusión……………………………………………………………………....23

Lista de referencias……………………………………………………..….24

Introducción

Las artes y oficios populares ocupan un lugar destacado en las artes decorativas y aplicadas. El arte de las artes y oficios populares se presenta ante nosotros como un fenómeno complejo de la cultura moderna, rico en posibilidades decorativas y de profundo contenido ideológico.

En muchos lugares, las tradiciones tradicionales basadas en labor manual y artes y oficios populares y artes y oficios populares que vinieron de abuelos y bisabuelos.

El origen de la artesanía popular varía. Algunos se originan en el arte doméstico campesino asociado con la agricultura de subsistencia y hacer artículos para el hogar elegantes, cotidianos, cotidianos y festivos para usted y su familia. Así, por ejemplo, el tejido y el bordado a mano, que las campesinas dominaban desde la infancia, confeccionando ropa, toallas, mesas, etc., se convirtieron en la base de muchas artesanías originales de tejido y bordado que se formaron posteriormente. Otras artesanías tienen su origen en la artesanía del pueblo. Por ejemplo, muchos tipos de cerámica, carpintería y tejidos estampados han sido durante mucho tiempo el área de actividad de los artesanos locales. Con el tiempo, extendiéndose en centros individuales y, a menudo, cubriendo regiones enteras, se convirtieron en artesanías. Algunos oficios fueron precedidos por "svetelki", trabajo en los talleres de los terratenientes (por ejemplo, la superficie blanca de Mstera). Otros nacieron de la artesanía urbana. Por ejemplo, el tallado en hueso de Kholmogory o la plata niel de Veliky Ustyug se asocian con el arte de los artesanos urbanos, con un cliente privilegiado, cuyo gusto influyó en el contenido y el propósito de los productos.

La pintura debe considerarse uno de los tipos más populares de artes decorativas y aplicadas. Es bastante comprensible querer decorar sencillos utensilios de madera con pintura. La pintura no solo decoraba los platos, sino que también los protegía de los efectos nocivos de la humedad. Pintar con pinturas naturales era barato, accesible y colorido.
Cada grupo creativo supo crear su propio sistema artístico, su propio lenguaje figurativo, su propia escuela artesanal, que adquirió el significado de tradición.

Las formas clásicas de los productos torneados de madera y los ritmos claros de ornamentación se heredaron de la artesanía antigua. La habilidad pictórica de la antigua Rusia la enriqueció con dibujos de motivos vegetales y técnicas para ejecutarlos libremente con un pincel. También contribuyó a la formación de una técnica original para pintar productos; cada centro de artesanía popular tiene su propia combinación de colores y estilo de adorno.

Problema: Baja popularidad y olvido de la artesanía popular como patrimonio cultural y tipo especial Artes y manualidades.

Objetivo del proyecto: estudiar los tipos de pintura artística sobre madera y realizar un producto como regalo.

Para lograr el objetivo se decide lo siguiente tareas:

Estudiar los tipos de pintura artística;

Prepare una pieza de madera (tabla de cortar);

Pinte la pieza en blanco utilizando la técnica de pintura de Gorodets.

Historia de la pintura sobre madera.

La historia del desarrollo de la pintura tradicional se remonta al pasado. Los primeros dibujos rupestres aparecieron en los albores de la historia de la humanidad. Como sugieren los científicos, desempeñaban el papel de objetivos en el entrenamiento de los cazadores, eran objetos de magia, culto o historias domésticas.

Las excavaciones arqueológicas indican que las bellas artes se originaron en la antigüedad. Ya en aquellos días en que el hombre utilizaba herramientas de piedra, vivía en cuevas y se vestía con pieles de animales, decoraba objetos con adornos, esculpía figuras de personas y animales, transmitiendo así sus ideas sobre el mundo.

El origen del arte de la pintura se remonta a la misma época, a miles de años de distancia de nosotros. El mundo entero quedó asombrado por los dibujos del hombre primitivo descubiertos en su época, encontrados en las profundidades de cuevas oscuras e inaccesibles. Estos dibujos fueron tallados con una primitiva herramienta de piedra en el espesor de rocas sólidas a la luz de antorchas o lámparas gruesas.

Las imágenes de siluetas de animales y escenas de caza fueron ejecutadas de manera expresiva, realista y con detalles finamente capturados. La expresividad de estos dibujos es tan grande que incluso después del descubrimiento del arte rupestre, nuestros contemporáneos durante mucho tiempo se negaron a creer que el hombre primitivo tuviera tal sentido de la forma, el volumen y el color.

Se han encontrado ejemplos de arte rupestre en las cuevas de Altamira en España, en los Pirineos en Francia y en las montañas Tassil del desierto del Sahara. En nuestro país se han descubierto obras similares de arte primitivo en Karelia, Asia Central, los Urales y el Cáucaso.

A lo largo de muchos siglos, el arte de la pintura continuó desarrollándose y mejorándose, a medida que cada nueva generación de artistas, adoptándolo de sus padres, conservaba lo mejor, descartaba lo que no había tenido éxito y añadía algo nuevo, propio.

De acuerdo con las leyes de la conveniencia y la belleza, los artesanos populares han creado durante mucho tiempo cosas que rodean a una persona: cerámica, platos de madera tallados y pintados, ruecas, que durante siglos fueron un accesorio constante del trabajo de las mujeres; fábricas de tejidos, volantes para lino, etc. Los diseños y la decoración de las viviendas y dependencias, el mobiliario y el diseño de interiores son verdaderamente artísticos.

En todo lo que salió de las manos de un artesano popular, en todo lo hecho para su familia, para regalo o para venta, quedó maravillosamente expresada la experiencia de muchas generaciones en la elaboración. varios materiales: madera, arcilla, lana, metal, etc. Entre diferentes pueblos, las cosas adquirieron diferentes formas, reflejando las características locales de la vida y las condiciones naturales y, en este sentido, las ideas estéticas.

Con el tiempo, se pierde el significado de las cosas pintadas como objetos de magia cotidiana y aumenta su papel estético. Se están desarrollando artesanías, cada una de las cuales tiene técnicas y motivos especiales. Las condiciones más favorables para el desarrollo de la pesca son la proximidad a las rutas comerciales, el estilo de vida sedentario y la estabilidad.

Al mismo tiempo, es significativo que entre diferentes pueblos el contenido de los objetos artísticos, que se remonta a la antigüedad, tenga mucho en común, ya que expresa Buenos deseos para una familia joven, un talismán contra fuerzas hostiles, buena magia asociada con las tareas del hogar.

La belleza en el arte popular está indisolublemente ligada a la bondad. El contenido estético y ético de una cosa conviven, llenándola de un significado humano especial, a pesar de las formas a veces primitivas. Diferentes tipos de arte popular surgieron en diferentes épocas. Y cada uno creó su propia tradición, seleccionando y puliendo constantemente lo mejor de la obra de los maestros, transmitiéndolo a las nuevas generaciones.

Las direcciones de la pintura sobre madera se pueden dividir en tradicionales y de autor (pintorescas). El tradicional se desarrolló principalmente en pueblos de su tierra histórica. Se distingue por la sencillez, la concisión y la cercanía a las raíces populares.

Las artesanías artísticas modernas de pintura en madera incluyen: pintura de Khokhloma, Gorodets, Polkhov-Maidan, Mezen, Zagorsk, fabricación de juguetes giratorios con pintura.

tipos de pintura

La pintura debe considerarse uno de los tipos más populares de artes decorativas y aplicadas. En el arte popular ruso existe una gran cantidad de variedades de este tipo de arte decorativo y aplicado. Éstos son algunos de ellos.

pintura mezen

La pintura Mezen es una de las artesanías artísticas rusas más antiguas. Sus orígenes se pierden en los lejanos siglos de la formación inicial de las tribus eslavas. La pesca alcanzó su apogeo en el siglo XIX. Las ruecas y cajas, cofres y cucharones de mezen se distribuyeron ampliamente a lo largo del río Pinega y se exportaron a Pechora, Dvina y Onega.

En la región de Arkhangelsk, en las largas tardes de invierno, los rusos expresaban su visión del mundo, sus esperanzas, sentimientos y creencias. En primer lugar, la pintura Mezen es su propio adorno original. Este adorno atrae y fascina, a pesar de su aparente sencillez. Y los objetos pintados con pintura Mezen parecen brillar desde dentro, exudando la bondad y la sabiduría de sus antepasados. Cada detalle del adorno de la pintura Mezen es profundamente simbólico. Cada cuadrado y diamante, hoja y ramita, animal o pájaro están exactamente en el lugar donde deberían estar para contarnos la historia del bosque, el viento, la tierra y el cielo, los pensamientos del artista y las antiguas imágenes del norte. Eslavos.

Los símbolos de animales, pájaros, fertilidad, cosecha, fuego, cielo y otros elementos provienen de pinturas rupestres y son un tipo de escritura antigua que transmite las tradiciones de los pueblos del norte de Rusia. Así, por ejemplo, la imagen de un caballo, en la tradición de los pueblos que habitan esta zona desde la antigüedad, simboliza el amanecer, y la imagen de un pato es el orden de las cosas, lleva el sol al mundo submarino. hasta el amanecer y lo guarda allí.

Tradicionalmente, los objetos pintados con pintura Mezen tienen solo dos colores: rojo y negro (hollín y ocre, más tarde rojo plomo). La pintura se aplicó sobre madera sin imprimación con un palo de madera especial (vicio), una pluma de urogallo o urogallo o un cepillo de pelo humano. Luego el producto se secó, lo que le dio un color dorado. El tablero tenía sus propias proporciones claras. El ancho tenía que ser igual a su largo tres veces. La madera estaba impregnada de aceite de linaza. A partir de esto, su estructura se volvió más clara y brillante. La naturaleza del patrón de fibras está determinada en gran medida por el adorno en sí, que consta de símbolos, como palabras de letras. El contenido interno de los símbolos, el origen exacto y la conexión mutua prácticamente se han perdido.

Pintura de Gorodets

Una de las artesanías decorativas tradicionales, la pintura de Gorodets, se ha desarrollado desde mediados del siglo XIX en las cercanías de Gorodets, fundada en el siglo XII, que se encuentra en la margen izquierda del Volga en la región de Nizhny Novgorod. Los colores de la pintura de Gorodets siempre fueron brillantes y ricos, todos los productos siempre estaban decorados con exuberantes ramos de flores que recordaban a rosas y margaritas. También se desarrolló una técnica de pintura: primero se aplicó un fondo al producto, que también sirvió como imprimación, luego se aplicaron grandes manchas de color, la llamada "pintura de base", con un pincel grueso. Después de esto, se aplican los trazos necesarios con un pincel más fino y luego se completa la pintura "viviendo", cuando el dibujo se combina en una composición coherente utilizando pintura negra y blanca. La composición completa suele estar limitada por un marco.

A medida que la artesanía cobró impulso (y a finales del siglo XIX, residentes de casi una docena de aldeas participaban en ella), el diseño de la pintura también se complementó con nuevos temas: personajes de cuentos populares, escenas de la vida de la ciudad, todo tipo de “fiestas de té” con samovar y “fiestas”.

Hoy en día, la pintura al óleo comenzó a usarse en pintura, la gama de colores de los dibujos también se diversificó, pero los temas, imágenes y motivos de la pintura antigua de Gorodets también están presentes en las obras de los maestros modernos. Los pintores del pueblo, imitando grabados populares, los decoraron con alegres escenas de la vida popular enmarcadas por guirnaldas de flores y grandes rosas brillantes. Actualmente, el patriarca de la pintura de Gorodets es Aristarkh Evstafievich Konovalov, quien restauró el oficio a finales de los años 60 fundando la fábrica de pinturas de Gorodets. Sin perder el adorno tradicional con exuberantes rosas, caballos y pájaros.

jokhlomá

Khokhloma es una antigua artesanía popular rusa. Este es quizás el tipo más famoso de pintura popular rusa. La pesca en Khokhloma se remonta a más de tres siglos. Se originó en la región de Nizhny Novgorod Trans-Volga y surgió de la pintura de iconos. La artesanía de Khokhloma recibió su nombre del gran pueblo comercial de Khokhloma, provincia de Nizhny Novgorod, al que se llevaban para la venta productos de madera de las aldeas cercanas (estos productos nunca se produjeron en el propio pueblo de Khokhloma). Esta fue una época de asentamiento extenso de las tierras de Nizhny Novgorod por parte de varias personas, entre las que se encontraban los "viejos creyentes", opositores de las reformas de la iglesia del patriarca Nikon. Conocían el secreto de dorar iconos con metal plateado y aceite de linaza, aceite secante. Los íconos de madera se cubrieron con una capa de plata, se molieron hasta convertirlos en polvo, después de lo cual se engrasaron y luego se colocaron en el horno. Después del endurecimiento, el icono adquirió un nuevo color dorado. EN
Posteriormente, con la llegada del estaño más barato, este método se trasladó a los platos. Así, a partir del siglo XVII, los platos de madera pintados de los maestros del Trans-Volga se hicieron famosos en toda Rusia. Los platos “grandes” se elaboraban según pedidos especiales en pequeños lotes de diferentes tipos de madera, diferentes formas y decoración artística, y estaba destinado a ser obsequiado a invitados distinguidos y embajadores extranjeros.

El símbolo de la pintura de Khokhloma era el ardiente pájaro de fuego, decorado con flores brillantes.

Esquema de colores de la pintura de Khokhloma:

Colores primarios: rojo, negro, dorado;

Colores auxiliares: verde, amarillo.

La pintura es aplicada a mano por maestros con pincel sin marcado previo. Hay dos tipos principales de pintura de Khokhloma: "montaña" (en rojo y negro sobre un fondo dorado) y "bajo el fondo" (un patrón dorado sobre un fondo de color). Los adornos tradicionales de “hierba” y “en forma de hojas” generalmente se clasifican como pinturas “superiores”. “Grass” es una pintura que incluye imágenes de briznas de hierba y ramitas pintadas con pintura roja y negra sobre un fondo dorado. La pintura "en forma de hoja" consiste en una imagen de hojas y bayas ovaladas, generalmente ubicadas alrededor del tallo. La pintura “a juego con el fondo” se basa en un gran patrón dorado, sobre un fondo rojo o negro. Primero, se aplica el contorno del dibujo, luego se pinta el fondo y luego se hace un pequeño patrón (posdata) encima del fondo. Un tipo de pintura "debajo del fondo" es la pintura "rizada": un patrón exuberante con intrincados rizos dorados que recuerdan a rizos. A principios del siglo XIX, la pintura “de montaña” era más común, ya que pintar “bajo el fondo” era más complejo. Esta pintura (“debajo del fondo”) se hizo popular en la segunda mitad del siglo XIX, cuando se estableció la producción de muebles; con esta pintura se decoraban los muebles; anteriormente se usaba principalmente en artículos de regalo caros.

Cuadro de Poljov-Maidan

La pintura de Polkhov-Maidan surgió recientemente en
distrito sur de Voznesensky, donde en 1920-1930 se estableció
producción de juguetes pintados en tornos -
silbatos, muñecos nido, barriles, huevos, balalaikas, setas, samovares, a los que llamaban alegre y cariñosamente "tararushki".

El pueblo de Polkhovsky Maidan, que se convirtió en el centro de una nueva artesanía en los años 50, se hizo ampliamente conocido. Brillando con un arco iris de brillantes pinturas y barnices de anilina, los maravillosos juguetes de aquí se instalaron en muchos bazares de Rusia. Los niños se enamoraron inmediatamente de ellos por su contagiosa ingenuidad y su fresca percepción del mundo, donde las nubes rosadas y azules cruzan el cielo, los maravillosos molinos giran y los alegres pájaros cantan.

Los motivos principales de los patrones de esta pintura son las flores: rosa, amapola, manzanilla, tulipán, rosa mosqueta. También hay una pintura de la trama. Muy a menudo esto paisaje rural con un río, casas, una iglesia y un molino en la orilla, además del obligado amanecer rojo en el cielo. La variedad de juguetes para embestir es variada. Un grupo: juguetes para niños: muñecos para anidar, silbatos para pájaros, caballos, platos de juguete, setas alcancía, balalaikas, cajas de manzanas. Otro grupo de productos son los platos tradicionales rusos: saleros, cuencos, azucareros, "entregas": recipientes cilíndricos para almacenamiento. productos a granel, samovares, cajas. Los huevos de Pascua se fabrican y pintan en grandes cantidades.

circulo de colores

Saber componer y utilizar los colores es crucial para trabajo exitoso. Una de las herramientas importantes del artista es la rueda de colores. Es una versión simplificada del espectro encerrado en un círculo. Sistematiza los colores primarios básicos (rojo, amarillo y azul) y los colores secundarios (naranja, verde y violeta), de los que se componen todos los demás, incluidos los grises y marrones.
Los colores primarios están igualmente espaciados en la rueda de colores. Un color primario es un color que no puede estar compuesto por otros colores.
Un color secundario se obtiene mezclando dos colores primarios. Entonces, el azul y el amarillo forman el verde, el rojo y el amarillo forman el naranja, y el rojo y el azul forman el morado.
Un color derivado se obtiene mezclando un color primario con un color secundario ubicado junto a él en la rueda de colores.

En teoría, al mezclar colores primarios en diferentes proporciones, puedes crear todos los demás colores. En la práctica, no todo es tan sencillo, porque en las pinturas se utilizan pigmentos que no son tan puros como la luz. Según la teoría simplificada del color, el azul y el amarillo dan lugar al verde; sin embargo, mezclar el primer amarillo y el primer azul que encuentres puede obtener resultados completamente diferentes. Por ejemplo, el azul ultramar tiene un tinte rojizo y el amarillo limón tiene un tinte verdoso; cuando se combinan, producen un verde sucio. Para componer un verde puro, es importante elegir colores para conseguir una tonalidad concreta.

Banco de ideas y sugerencias

De toda la diversidad varias técnicas Al pintar sobre madera, existen varias opciones para pintar tablas de cortar.

Opción No. 1 Opción No. 2

Opción No. 3 Opción No. 4

Opción No. 5 Opción No. 6

Opción número 7

Análisis de diseño

Análisis de ideas

Criteria de selección

№1

№2

№3

№4

№5

№6

№7

1. Originalidad

2. C falsedad del tema

3. Creatividad

4. Relevancia

5. Demanda de los consumidores

6. Interés

Total

Del análisis del diseño realizado se puede concluir que en este momento las más interesantes son las pinturas de Gorodets y las pinturas en la técnica de Khokhloma.

Opción No. 1 (Gorodets) Opción No. 2 (Khokhloma)

Selección de materiales herramientas y dispositivos

Para poder realizar cualquier tipo de pintura necesitaremos:

Espacios en blanco de madera(En los círculos de artistas de la madera se les llama "lino", de la palabra blanco, limpio).

Hay una gran variedad de espacios en blanco, estos son: tablas, huevos, platos (cuencos, platos, tazas, cucharas, soperas, etc.), muñecos nido, cajas, horquillas y pulseras, marcos para iconos, muebles. Lo que tu corazón desee.

ACERCA DE
material principal para pintar - pinturas. Al pintar madera se utilizan las mismas pinturas que al pintar: óleo, témpera, gouache, acuarela y tintes de anilina. Las pinturas gouache y tempera son las más adecuadas para pintar Gorodets.

Herramientas

La principal herramienta de un maestro de la pintura es un pincel. La mayoría de las veces, para pintar se utilizan pinceles redondos de ardilla y kolinsky de diferentes tamaños.

Para pintar Gorodets, necesitaremos como mínimo los siguientes pinceles:

· Núcleo redondo nº 1 y nº 2 con pelo de longitud media (para trabajos de contorno y delineado con pintura negra).

· Ardilla redonda nº 2 y nº 3 para aplicar pintura roja.
· Sintético plano o de cerda N° 4,5,6 para aplicación de imprimación y barnizado.

El pincel ideal para pintar debe parecerse a una gota, una semilla o la llama de una vela. Al comprar cepillos, revíselos según apariencia para que queden más gruesos, con pelos cuidadosamente seleccionados. Sumerge el cepillo en agua y sacúdelo para comprobar la punta. Encontrar un buen cepillo no es fácil, cada uno tiene su propio carácter. El maestro valora mucho sus pinceles favoritos y no se los presta a nadie, porque cada uno tiene su propia letra, y esto definitivamente se reflejará en el pincel. La punta de madera del pincel también funciona: se utiliza como "empuje" para aplicar puntos: "semillas", "gotas de rocío". El cepillo usado aún te servirá como “empujón” si cortas con cuidado los pelos restantes.

Se necesita una paleta para mezclar pinturas y eliminar el exceso de pintura del pincel. La paleta puede ser un platillo blanco, un azulejo, un trozo de plexiglás o una tapa.

La capa de barniz le permite proteger la pintura sobre madera de la exposición. ambiente externo: humedad, cambios de temperatura, sustancias activas. Además, los materiales de cobertura (aceite secante, barniz, masilla) le dan al producto un efecto decorativo adicional.

Terminar un producto con barniz también es una especie de arte. Sucede que un objeto bellamente pintado pierde su atractivo con un barniz mal seleccionado o mal aplicado. No es casualidad que en las empresas de pintura artística exista una profesión llamada lachila. ¡Él es quien conoce todas las complejidades de los barnices!

El barniz al óleo PF-283 (4C) ha demostrado su eficacia con el mejor lado y más adecuado para nosotros. ¡Está bien diluido con trementina (necesariamente natural)! Este barniz es transparente, bastante ligero, pero le da al cuadro un algo de color amarillento. Se seca durante al menos 72 horas a temperatura ambiente. Bajo ninguna circunstancia acelere este proceso en un horno caliente: el barniz se hinchará. Cuando se seca, se forma una superficie elástica brillante, que tiene propiedades físicas y mecánicas mejoradas y es resistente al contacto con el agua. Para trabajar, vierta pequeñas porciones de barniz y disolvente en recipientes pequeños, cierre bien el frasco grande de barniz con una tapa y déle la vuelta durante unos segundos. La estanqueidad resultante no permitirá que el barniz se seque. No intente cubrir el producto con una capa gruesa de barniz la primera vez. Es mejor hacer el primer tratamiento con un barniz más fino, dejar secar bien y luego lijar ligeramente.

Al aplicar el barniz, ya sea con un hisopo o con una brocha, se forman pequeñas burbujas en la superficie debido al aire que se escapa por los poros de la madera. A medida que se seca, algunos desaparecen y otros permanecen. Son especialmente difíciles de lijar. Cuanto más diluido esté el barniz, menos burbujas formarán. A medida que aumentan las capas de barniz, cada capa posterior debe ser más fina que la anterior.

Tecnología de pintura

1. Los espacios en blanco de madera se lijan con papel de lija. Esto se hace para que la pintura quede uniforme. Espacios en blanco: tablas de cortar, saleros, tazas se eligen sin nudos, con una superficie plana y lisa.

2. Es mejor comprar gouache para pintar de las empresas nacionales "Gamma", "Luch". Para pintar se utilizan 6 colores primarios + pintura blanca y negra.

3. Pinceles para pintar nº 1-2 y nº 6-8.

4. Barniz para cubrir la obra.

Etapas de la pintura.

Antes de pintar cualquier producto de madera, es necesario pasar por varias etapas de su implementación.

Primera etapa: coge una tabla de cortar.

Segunda fase: Dibujamos un boceto con un lápiz sobre una hoja de paisaje, sin olvidar las tradiciones de la pintura de Gorodets.

Tercera etapa: A partir del dibujo terminado, realizamos una pintura de base con pinturas gouache.
Cuarta etapa: Aplique una “sombra” a la pintura base con colores más oscuros.
Quinta etapa: La última etapa al realizar el boceto de “animación”. Añadimos posdatas en blanco para amenizar la obra.

Sexta etapa : Usando exactamente la misma secuencia, aplicamos el diseño al producto, luego comenzamos a pintarlo con pinturas gouache. Completamos el trabajo, cubrimos barniz.

Precauciones de seguridad al realizar el trabajo.

Al pintar el producto, asegúrese de que la pintura no toque la superficie de la piel;

Al realizar trabajos de pintura y barniz, es necesario usar ropa especial;

Realizar el trabajo en un área bien ventilada;

Al finalizar el trabajo, retire el área de trabajo.

Requisitos sanitarios e higiénicos.

1. Antes de comenzar a trabajar es necesario lavarse las manos.

2. La fuente de luz debe estar a la izquierda.

3. Cada 1 a 1,5 horas, los ojos necesitan un descanso de 30 minutos.

4. Para mantener la salud mientras se trabaja, es útil calentar brazos, ojos y espalda.

Justificación ecológica

La humanidad moderna, armada con tecnología y utilizando gran cantidad energía, representa una fuerza muy poderosa que afecta la naturaleza de la Tierra. Si estos impactos no tienen en cuenta las leyes naturales y destruyen las conexiones establecidas durante millones de años, surgen consecuencias catastróficas. La gente ya se ha enfrentado a una serie de desastres naturales causados ​​por sus actividades y está preocupada por la tendencia creciente a la inestabilidad de la naturaleza.

Por ello, la ecología está adquiriendo actualmente especial importancia como ciencia que ayuda a encontrar salidas a la crisis emergente.

En este trabajo se utilizaron pinturas acrílicas y pinceles. fibras naturales, tablas de cortar de madera, cajas, platos, barniz. El trabajo tuvo en cuenta cuestiones medioambientales, es decir. El trabajo se realizó utilizando materiales ecológicos (naturales) sin causar ningún daño a la naturaleza.

Justificación económica

Materiales usados

Precio

(frotar)

Consumo

conjunto de cepillos

1 PC

pinturas gaush

1 PC

Barniz

1 PC

Espacios en blanco de madera (tablero)

1 PC.

Total:

426 rublos.

Costes laborales:

30% de costos de materiales = 127,8

Costos de electricidad =0, porque El trabajo se realizó durante el día.

Costo = suma de todos los costos = 553,8

En el mercado, este trabajo cuesta alrededor de 1300 rublos, por lo que sería más rentable hacerlo usted mismo. Las tablas de cortar y todos los productos pintados a mano son muy valorados en el mercado. Se pueden utilizar como regalo para cualquier día festivo.

tabla de cortar conveniente, asequible y cosa necesaria¡Para cada cocina! ¡Cocina con mucho gusto!

Conclusión

La pintura sobre madera es uno de los tipos más antiguos de artes decorativas y aplicadas. Desde la antigüedad se valoraba mucho la decoración de diversos productos de madera con pinturas de colores, y seguramente en cada casa había varios. tableros pintados o platos. Hoy en día, está reviviendo el interés por la pintura sobre madera.

Casi cualquier cosa se puede decorar con pintura sobre madera. Podrían ser platos, diversos accesorios para el hogar, cajas, jarrones, peines, pulseras, cuentas, aretes, juguetes. También puedes pintar muebles de madera y esculturas de madera.

Pintar sobre madera es un pasatiempo muy interesante y apasionante.

Los conocimientos adquiridos ayudarán en el futuro.

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